Tijs Dragtsma (1992) - Stone Still Reaching Upward

Stone Still Reaching Upward captura un ángel de un cementerio envejecido atrapado bajo una única fuente de luz, alas astilladas en las axilas, rostro inclinado hacia arriba como si aún escuchara algo perdido hace mucho tiempo. La pose es antigua, del tipo que se talla en los cementerios durante siglos, y sin embargo aquí se siente recién encontrada, como si se hubiera pedido al tiempo que se quedara quieto.

Sin pintura. Sin impresión. Sin tinta. El ángel está grabado en la superficie del vidrio acrílico, su forma creada enteramente a través de un daño superficial controlado en lugar de pigmento. Lo que parece erosión, años de lluvia y viento, es en realidad lo opuesto a la descomposición. La imagen aparece mediante retirada, no adición, una figura convocada por lo que fue quitado.

La imagen está siempre presente, visible sin un spot diseñado para iluminarla. La luz no crea la imagen, la afila. Bajo luz directa, los arañazos controlados atrapan y reflejan, el contraste se profundiza, y las alas y el rostro emergen más fuera del negro. Desde otro ángulo, la misma figura se asienta en silencio, leyendo de forma distinta sin perderse nunca.

Visto desde otro extremo de la sala, la obra se lee como una figura monumental y dolorosa. Acércate y esa figura se disuelve en un campo de arañazos controlados, pequeñas marcas que solo resuelven en piedra y piel a cierta distancia, de la misma manera que el dolor solo se convierte en significado con el tiempo.

Los ángeles de cementerio son memoriales construidos para perdurar más allá de las personas que los encargaron, y aun así se agrietan, astillan y desgastan como todo lo demás. Stone Still Reaching Upward sostiene esa contradicción en un solo gesto, una figura casi ruinosa que, sin embargo, mantiene el rostro vuelto hacia arriba. Es un estudio de lo que sobrevive al daño, y de lo que el daño no puede quitar.

Stone Still Reaching Upward continúa la serie Art with Scratch, en la que la imaginería se construye a través de daño superficial controlado en lugar de pigmento o impresión. Un lenguaje visual donde el daño no es destrucción, sino estructura. Para preguntas sobre esta pieza o la serie, visita la página Acerca de o ponte en contacto a través del formulario.

"Even worn to ruin, it never stopped reaching."

About Art with Scratch

Art with Scratch es un cuerpo de trabajo en el que la imagen no se dibuja, sino que se libera. Grabada línea por línea en una superficie negra profunda, cada obra emerge a través de innumerables arañazos precisos que captan la luz y hacen surgir la forma de la oscuridad.

A distancia, la imagen parece casi fotográfica. Poderosa, reconocible y llena de presencia. Pero de cerca, la obra se disuelve en un campo denso de marcas individuales. Fina, frágil y casi liviana. Lo que parecía sólido se revela como una delicada red de líneas, cada una un gesto deliberado, cada una esencial para el conjunto.

La luz no crea la imagen. La afila. El negro absorbe, mientras que las líneas arañadas reflejan. A medida que la luz se desplaza por la superficie, la imagen respira. Desde un ángulo la figura se mantiene clara y definida. Desde otro se suaviza y se apoya de nuevo en la oscuridad de donde vino, sin desaparecer nunca. Bajo un foco enfocado, el contraste se profundiza y la imagen adquiere una cualidad escultórica, casi luminosa.

Lo que hace que este medio sea tan convincente es su tensión silenciosa. El acto de arañar es directo e irreversible. Cada línea es una decisión que no puede deshacerse. Sin embargo, el resultado no es severo. Es íntimo, atmosférico y vivo con movimiento. La dureza se vuelve suavidad. La destrucción se transforma en creación. La ausencia se vuelve presencia.

En obras como este retrato, la figura nunca queda completamente fija. A través de la interacción de línea, luz y sombra, la imagen cambia con la perspectiva y la atmósfera. En ciertos momentos, el sujeto parece dar un paso al frente desde la oscuridad. En otros, se asienta de nuevo en la quietud. Es dentro de ese movimiento, entre la nitidez y la calma, donde la obra cobra vida.

Como todos los materiales tocados por el tiempo, la superficie lleva su propia vida quieta. Cada arañazo guarda un momento, una respiración, un gesto. Juntos forman no solo una imagen, sino una presencia, una que continúa revelándose con cada cambio de luz.

About the Artist

Mi nombre es Tijs Dragtsma, fundador de TD Fine Art Studio.

Como artista, me impulsa un deseo constante de explorar nuevos lenguajes visuales. No veo el arte como un estilo fijo, sino como un campo de descubrimiento en evolución donde el material, la estructura, la luz y la emoción se unen.

Mi trabajo suele comenzar con una pregunta simple. ¿Cómo puede un material hablar de una manera nueva? ¿Cómo puede la dureza volverse intimidad? ¿Cómo puede la precisión crear emoción? Esa búsqueda está en el corazón de todo lo que creo.

Dentro de TD Fine Art Studio, cada cuerpo de trabajo se aborda como su propio mundo, con su propia lógica, atmósfera e identidad visual. Algunas obras se construyen mediante ritmo, repetición y estructura. Otras emergen a través de la ausencia, la sombra, la reflexión o la tensión. Lo que las conecta es un compromiso compartido con la originalidad, la claridad y la presencia emocional.

Estoy fascinado por el contraste. Entre fortaleza y fragilidad. Entre control y sentimiento. Entre lo visible y lo que queda abierto a la interpretación. Mi objetivo no es simplemente hacer una imagen, sino crear una obra que mantenga la atención, invite a la reflexión y siga revelándose con el tiempo.

TD Fine Art Studio es el espacio en el que estas exploraciones se reúnen. No es solo un estudio, sino un universo artístico en evolución formado por la curiosidad, la precisión y la ambición de crear obras que se sientan distintivas, intencionadas y vivas.