Eileen Nisbet (1929-1990) - Oval

Maravillosa y muy rara de ver a la venta, obra de ensamblaje de porcelana por la célebre ceramista británica pionera Eileen Nisbet. Esta pieza presenta incrustaciones de color en miniatura y elementos cilíndricos de porcelana como conectores entre numerosas hojas de porcelana de formas y orientaciones muy diferentes y extremadamente delgadas.
Dos piezas similares fueron vendidas por la casa de subastas Phillips por más de 5000 dólares.

Eileen Nisbet: Escultura Cerámica. Una Breve Introducción.

En una época en la que dominaba la cerámica funcional, la escultura cerámica abstracta de Eileen Nisbet la mostró como una de las ceramistas más innovadoras de su tiempo. Su obra fue exhibida ampliamente tanto en el Reino Unido como a nivel internacional, y ella fue también una profesora inspiradora y una fuerza motriz detrás del curso de Cerámica en lo que hoy es Central Saint Martins College of Art and Design en Londres.

Una artista de compromiso total; su producción fue prolífica desde que dejó la escuela de arte hasta su muerte.

Este sitio está destinado a ser un recurso educativo y práctico para estudiantes e investigadores y para catalogar la obra de una artista única y significativa.

Eileen Nisbet: Ceramista Escultora
1929 - 1990.
Vida y Obra.

Eileen Nisbet ocupó un lugar único en la cerámica del siglo XX. En una época en la que dominaba la cerámica funcional, su trabajo era completamente distinto al de sus contemporáneos. En los quince años finales de su vida, desarrolló una forma notable de trabajar con la porcelana y podría decirse que fue una de las ceramistas más innovadoras de su tiempo. En reconocimiento de esto, ejemplos de su escultura cerámica fueron adquiridos para numerosas colecciones privadas y públicas.

Cuando era niña, creció en el norte de Londres y, al inicio de la II Guerra Mundial, fue enviada al depósito de autobuses para su evacuación; sin embargo, a último minuto decidió escaparse y regresó a su familia para quedarse en Londres durante el Blitz. En sus años formativos se convirtió muy cercana a su hermano mayor James Hull, quien tenía una pasión por la pintura y que, a principios de los años cincuenta, se convertiría en uno de los primeros pintores británicos abstractos a la vanguardia del movimiento de vanguardia. Fue a través de la influencia de James que Eileen desarrolló una fascinación por el dibujo, la abstracción y las enseñanzas de la Bauhaus. Solicitó ingreso en Hornsey College, que era su escuela de arte local, pero se desvió del departamento tradicional de pintura hacia la cerámica y el vidrio teñido. Aquí conoció a su compañero de estudios Michael Casson, con quien formaría una amistad para toda la vida. Luego, en la Central School of Art, realizó el curso de Arte Básico, bajo la tutela de William Turnbull, seguido del curso NDD de Cerámica, con Kenneth Clark como tutor. Sin embargo, sus aspiraciones como estudiante eran ser pintora y las preocupaciones más amplias de la pintura, el dibujo y la escultura siguieron siendo la base de su trabajo. Este interés continuó después de su graduación en 1963, ya que siguió haciendo cerámica, pero fue a través de experimentos de dibujo directamente sobre la arcilla que Nisbet descubrió que realmente podía expresarse.

Este diagrama indica la aparición de obras nuevas a medida que las hacía, en ciertos periodos de su carrera. Su importancia se hará clara a medida que leas.

Aunque le encantaban las vasijas, Nisbet no disfrutaba de su manejo en el torno. Al hacer un plato más plano, prensado y moldeado, generó un paisaje levemente curvado sobre el que pudo probar una serie de dibujos simples. Estos se derivaron inicialmente de la línea creada por el nivel cambiante del agua que se desplaza alrededor del interior de un recipiente inclinado y de la influencia de la obra de Paul Klee, tomando una línea para caminar. La perfección de un barniz ámbar rico y semimate y la claridad distintiva de los diseños lineales acentuados por incrustaciones con óxidos de color marrón/negro profundo hicieron que estos platos fueran muy populares - (ver Dish/D1271).

En un episodio de The Craft of the Potter (BBC) con Michael Casson, se la puede ver en el proceso de hacer algunas de estas líneas en un plato. Habla brevemente sobre la relación entre la curva suave del plato y la línea grabada, mientras gira el plato en una mano y maneja la herramienta con la otra.

"Habiendo decidido esta forma y el uso de una línea incisa o grabada, descubrí que tenía que aprender cuán empinada era esa curva, cuán rápida sube al cortar una línea, para producir curvas y líneas rectas a pedido. Quería que la decoración fuera una especie de entretenimiento para que, si solo se ve la mitad de la decoración de pasada, te obligue a ver qué ocurre en el otro lado." EN 'The Craft of the Potter' BBC 1976.

El trazo inquebrantablemente fluido es una visión hipnótica y muestra a la artista completamente en sintonía con su medio y su visión personal, aunque para entonces ya había pasado a un tipo de trabajo completamente distinto.

Fue la conversión de Nisbet a la porcelana en 1975 la que dio lugar al periodo más innovador y fructífero de su carrera. Habiendo trabajado con ella previamente, siempre había considerado el medio limitado y no le gustaba su “precioso” carácter, pero ante la insistencia de Pan Henry en la Casson Gallery de que participara en una exposición de porcelana aceptó la invitación como un desafío. El nuevo medio requería un enfoque totalmente distinto a su trabajo: la estructura apretada de la porcelana cocida da una facilidad de fortaleza y delgadez hasta el punto de la translucidez. Descubrió que podía tratarse casi como papel. Después de hacer una serie de cuencos de porcelana con bordes anchos y planos, decidió prescindir de todos los aspectos funcionales y experimentar con superficies planas. Estas se voltearon para formar un lenguaje escultórico, que desarrollaría durante los siguientes quince años.

Las obras planas anteriores de 1975 a 1977 no tenían color aplicado, dependiendo de la luz y la sombra creadas por distintos espesores de arcilla y la interacción de agujeros perforados, círculos hundidos y ranuras. Con pocas excepciones, estas obras eran construcciones abstractas. Las esculturas se mostrarían iluminadas por detrás para fundir las características decorativas con la cualidad semejante al papel de la cerámica (ver FishForm/E1152) dentro de la sección Light and Plane. Además de su belleza y cualidades técnicas innovadoras, este periodo de trabajo es notable también por sus fuertes lazos con su formación anterior en el vitral; trabajar con la luz y planos bidimensionales en un territorio tridimensional.

Tras un cuidadoso experimento para cocer láminas finas sin que se arrugasen o distorsionaran, la técnica esencial que desarrolló fue el ensamblaje. Las formas terminadas, que debían cocerse planas, se superponían verticalmente uniendo separadores tubulares de porcelana entre ellas. En su momento, este tipo de unión se consideraba una ofensa, aunque hoy en día el uso de adhesivos fuertes en la escultura cerámica es más común.

Trabajó de manera meticulosa y metódica, y fue muy ahorrativa. Al principio, cada parte de una escultura se hizo de modo que se relacionara con las demás, pero a menudo su lugar dentro de la composición final se alteraba respecto a lo que originalmente se había previsto. También era importante que la obra fuera físicamente estable cuando se colocaba sobre una mesa, una consideración que a menudo iba en contra de lo estético. El proceso de ensamblaje fue algo a lo que Nisbet dio inmensos esfuerzos para hacerlo bien; ocasionalmente las piezas se rehacían con sutiles modificaciones y los primeros intentos se almacenaban.

“Al unir formas, hay una línea muy fina entre lo que se ve bien y lo que no. ...Comenzar con una forma particular obliga a encontrar otras que la acompañen y todo tiene que contrabalancearse en el sentido estético y físico. Resolver estas relaciones puede ser bastante difícil.” EN. Studio Porcelain por Peter Lane.

Habiendo llevado los límites del nuevo material a sus límites, Nisbet sintió que, aunque las cualidades de la porcelana seguían siendo importantes, su translucidez como fin en sí misma no era suficiente. Probó una nueva serie de ensamblajes primero contrastando la porcelana suave con la textura áspera de la piedra cocida blanca con ceniza (grogged) (ver WhiteMask/T1043) de la sección Paneles y luego usando porcelana sola pero en planchas más gruesas. Se puede ver en LargeGame/G1706 que, como suele ocurrir, la intención no es tanto una mezcla lúdica de formas, sino como las vasijas, un impulso para generar espacios más activos en los que las líneas y superficies dirijan la mirada a través del salto y rodamiento implícitos de sus elementos.

El 'Large Game' es una de las primeras esculturas en las que se aplicaron esmaltes coloreados. Dentro de las limitaciones del material, se tuvo que idear una paleta restringida de colores apagados con un rango tonal cuidadosamente equilibrado.

En 1978, se inició la primera de las formas planas de cerámica, las cuales continuaron el tema de la planaridad pero incorporaron la silueta redondeada y los detalles del borde traducidos desde la cerámica de vasijas - (ver PotWithLip/P930).

“Los cuencos nacieron de dibujos ‘planos’ que hice cuando diseñaba vitrales. La silueta tenía que transmitir todos los detalles importantes desde un único punto de vista. Estos cuencos cerámicos (para mí) son como dibujos, planos, pero que muestran la forma, los bordes, el interior, el asa a la vista.” EN. Studio Porcelain por Peter Lane.

“As this pot is not meant to contain anything, I do not need to make it round or join the sides. My visual image is more clear this way.” EN. Declaración para Anatol Orient. 1983.

Nisbet continuó usando color en pequeñas áreas para atraer y enfocar la mirada. Primero el motivo de ojo de buey en HorizontalFlower/F743 y luego, notablemente, en rayas en Flyer/P436, que abstractaron la idea de decoración para que pudiera “volar” fuera de la vasija como una bandera.

"El color se emplea de forma fugaz, como una sugerencia de color, una mezcla de color, una conciencia, más que para especificar 'Este es un cuenco azul'". EN.

"Las rayas pintadas se usan a lo largo de una forma sugerida redonda de la forma de la vasija o cuenco de manera gráfica y se convierten en otra forma como una bandera, que sale del cuenco y da un sentido de movimiento a una forma estática." EN. Declaración para Anatol Orient. 1983.

La inspiración para las esculturas de este periodo provino de fuentes diversas, pero particularmente de aviones, hélices, formas florales y las vasijas, que siempre fueron sus favoritas. En general, sin embargo, sus influencias se acumulaban a partir de experiencias, más que de temas concretos. Encontró un valor visual en la mayoría de las cosas, incluso objetos mundanos y aparentemente insignificantes fueron explorados a través de abundantes bocetos de envoltura. Esta disciplina de mirar y entender estuvo en la raíz de todo su trabajo. Algunas páginas de sus cuadernos de bocetos ofrecen una visión de sus métodos de trabajo y del desarrollo de ideas.

La calidad común a la obra de Eileen Nisbet a lo largo de su carrera fue la de una destilación de la forma hasta su esencia. Sus piezas estaban destinadas a capturar el estado de ánimo de un objeto, más que su imagen. De las esculturas GerminatingSeed/F759 escribe –
"Esta escultura no representa una flor, ni es una flor 'nueva', sino que trata sobre una flor. Contiene algunas de las ideas sobre una planta desde una semilla con una única raíz que se retuerce, transformándose en un brote, estallando en flor, mostrando los primeros signos de pétalos coloreados. En la mente, la raíz luego se convierte en un tallo que se enrosca." EN. Declaración para Anatol Orient. 1983.

"Con las piezas aeroform trataba de lograr una sensación de movimiento para que, incluso aunque el objeto no tenga poder para moverse, parezca haber aterrizado o estar a punto de despegar." EN. Studio Porcelain por Peter Lane.

Una combinación del entusiasmo de Nisbet por hacer obras más grandes y el creciente número de solicitudes de curadores internacionales dio lugar a la necesidad de hacer las esculturas más resistentes. Las grandes estructuras delgadas serían menos resistentes a los daños en tránsito, por lo que las losas se hicieron más gruesas en proporción a su tamaño y ya no se estrecharon en los bordes. Este engrosamiento de los planos abrió más posibilidades para el tratamiento de los bordes, en particular el desarrollo de un borde laminar similar al pedernal en BowlWithRainbow/P1187 y, más tarde, en formas de jarras, pero que apareció por primera vez en SimpleOval/E1119 en 1978.

La búsqueda de nuevos materiales y el refinamiento técnico se convirtió en una parte intrínseca del proceso de fabricación. Tras una serie de pruebas con varios aditivos para lograr una superficie mate, Nisbet descubrió que los esmaltes cerámicos que recientemente se habían puesto a disposición podían usarse en porcelana para lograr colores translúcidos brillantes similares a acuarela. Para disgusto de los puristas de la cerámica, a partir de 1985 en adelante usaría exclusivamente esmaltes cerámicos para el color aplicado (ver WingAndLoopHandledJugs/P452).

Elementos de marquetería en patrones de fragmentos especialmente desarrollados, utilizados en parches en algunas de las formas de jarra más tardías, contraponen la pintura y el trabajo de líneas incrustadas. Los mangos ligeramente curvados fueron posibles gracias a un ajuste fino de la temperatura de cocción, aportando sutiles y variables sombras a los planos planos. La 'Jarra de Mango en Bucle' tiene un giro lírico en el mango y ShardJugOnTable/P1636 tiene un borde formado en el plano mayormente plano del cuerpo.

Tejas naturales de pizarra cuidadosamente seleccionadas del granero de Nisbet, convertido en granero en Cornualles, se incorporaron como sombras o telones de fondo en varias piezas, incluida la exquisita BoatBowlWithLip/P986 de 1988, que también tiene un detalle superficial fino logrado al rellenar los arañazos de una lijadora de grano muy grueso con un barbotado coloreado. Las técnicas detrás de la textura del color en VesselWithLip/P1144 y en muchos de los cuencos fabricados en 1989 y 1990 son más obra de una artista y grabadora de impresión.

"Me encantan las vasijas, aunque nunca las hago, especialmente las redondas. ...La gente suele pensar en los alfareros como hacedores de cosas redondas, en el torno o a mano. Lo encuentro muy limitante, así que tiendo a usar la arcilla para lo que me permita hacer. Me gusta pensar en la arcilla como un material para expresar ideas" EN. Studio Porcelain por Peter Lane.

Una de sus últimas obras es un panel rectangular liso de porcelana sobre el que se pintó una obra (ver Painting/T1503). Este sería el inicio de una nueva serie, pero desafortunadamente su salud se deterioró. Su muerte llegó en un momento en que la carrera de Eileen estaba realmente ganando impulso, tanto en términos de desarrollo creativo como de reconocimiento.

La Central School of Art en Londres (ahora Central Saint Martins College of Art and Design) también perdió a una de sus maestras más comprometidas e inspiradoras, un papel que desempeñó desde 1963 hasta el final de su vida. Además de brindar apoyo práctico de primera mano, su entusiasmo y empatía le dieron la capacidad de localizar rápidamente el verdadero potencial de un estudiante y luego extraerlo, sin imponer sus propias ideas. Además de sus funciones como Profesora Senior, fue una fuerza impulsora en el desarrollo del curso de cerámica y tenía convicciones fuertes sobre lo que los estudiantes debían ser capaces de lograr y lo que el curso debería proporcionarles.

La sensibilidad y la humildad de Eileen Nisbet la convirtieron en una maestra muy especial, pero quizás estas características también contribuyeron a sus esfuerzos modestos de autopromoción. Sus compromisos fueron, en primer lugar, con su trabajo y sus estudiantes, y el éxito comercial fue más un subproducto que una prioridad. Este aspecto de su carácter y la singularidad de su trabajo, junto con la escasez de cobertura mediática de la cerámica en su época, ha hecho que Eileen Nisbet haya quedado algo olvidada.

Referencias:

Peter Lane – Studio Porcelain Contemporary Design and Techniques. Pitman.