Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglas de 3 mm (antiviento UV).
Transparencias sobre impresión naranja.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", parecido a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 17,3 x 12,6 x 0,12 pulgadas / 44 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Negro mate (0,23 x 1,38 pulgadas / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 90€ IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen en toda Europa, Suiza y Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero de 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era muy valorada en mi familia, y fue mi abuelo, artesano y artista, cuyo influjo plantó la semilla de lo que con el tiempo se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 empecé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos de A4 y luego de A3; siempre he sentido que las grandes imágenes van directo hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden despertar mucho más amor. Fui atraído primero por la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, desarrollé también una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó a recorrer el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi visión, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y buscaba la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí: una manera de escapar del mundo y centrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he querido ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometo plenamente a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas en toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande, en una sacristía vacante de Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado extruido (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que agradezco. Permito experimentos "aleatorios"; todo vale para acortar la razón y guiar el resultado, las capas y los efectos espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone por fin. Pero para ser claro: en mis cuadros, la casualidad nunca toma las decisiones; a lo sumo, la casualidad plantea las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dando a cada obra una calidad de "ascetismo": me alegra reconocer las «necesidades irreductibles», es decir, aquello que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni emoción ni concepción teórica, sino experiencia de ser. Ni consumo rápido ni intelectualización/posesión intelectual, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la "vida en el corazón mismo de la vida", de lo que Alain Damasio llama "le vif". Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi obra, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y la luminosidad del vidrio emplomado, sigue siendo casi por completo abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel diáfana donde se puede vislumbrar la propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Ojalá, el juego entre "detalles para el primer plano" —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y "la distancia para el todo" anime a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un choque con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de iniciar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen el mismo peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas —campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás— son los resultados tranquilos de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la sutil interacción entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada de un significado impuesto. Al describir las obras como "sin objeto" y al hacer que "no tengan contenido, ni significado, ni sentido", espero aflojar suavemente la expectativa de la narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una "experiencia de ser". La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un tranquilo acontecimiento para sentir, moldeado por la luz cambiante, las capas translúcidas y el ligero reflejo de quien mira encontrando su propio mirar. Como suelo decir, la pieza "vive, cambia, ve".

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el proceso como pensamiento encarnado. Pintar en la parte trasera del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejarse ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un "objeto de sí misma", revelado plenamente solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega "aquí y ahora".

Sostener estas intenciones implica algunos paréntesis suaves que sostienen la obra:

Azar y Disciplina
Hablo de coincidencias significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosamente establecidos. El azar es un invitado bienvenido, pero la estructura se construye con cuidado.

Comunicación sin Mensaje
Espero comunicar algo a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo compartido no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, y sin embargo apunta curiosamente al ahora: un anhelo de las "necesidades irreductibles" encontradas en "silencio y luz": un deseo de pura presencia que la propia obra ofrece silenciosamente.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que parezca autónomo, como si hubiese brotado por sí mismo. Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que "la era de lo informal acaba de empezar". Mi práctica debe mucho al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador silencioso.

En su núcleo se halla una búsqueda de "le vif"—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está pensada para fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradox puede no ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner