Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (ant­i-UV).
Transparencias sobre impresión naranja.
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy" próximo a la aplicación de una resina es único.

Dimensiones : inches 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 Negro Mate (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un monto adicional de 90€IVA incluido.

La obra está firmada en el dorso.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubai. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra enero 2027.

Biography

Nacido en Gineva, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, quien plantó la semilla de lo que acabaría siendo la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar en privado, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Primero me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, pursued una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para sorpresa mía, mi trabajo ganó reconocimiento rápidamente, encontrando lugares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

Artistic CV

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la cara posterior de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra conforme se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso, algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para anular la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone por fin. Pero aclaro: en mis imágenes la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad formula preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, pero dan a cada obra una calidad de “ascetismo”: me alegra reconocer las “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detendremos en silencio y en la luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intellectualización/posesión intelectual”, sino expansión de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque a veces mi obra evoque la transparencia y la luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracta. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la silueta de uno mismo, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, se ve. La interacción de la luz, el color y la textura, de las partes faltantes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para el primer plano” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “la distancia para el conjunto” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propias travesías introspectivas.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero seguir siendo humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, empujándome a afinar mis habilidades y explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

About the coherence in my practice

En el panorama del arte contemporáneo, donde concepto y forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que el sutil juego entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una retirada del significado impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narración. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la primacía de la experiencia vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que entiendo por una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para ser sentido—modelada por la luz que cambia, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador al encontrarse con su propio mirar. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, se ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el proceso como pensamiento encarnado. Pintar sobre el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Sosteniendo estas intenciones hay algunas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación sin mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una afirmación, sino un estado: una textura de luz, una presencia silenciosa, una quietud palpable.

Nostalgia por el presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” halladas en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la obra misma ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuezo Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí mismo.” Me atrae lo que parece inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica debe al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su esencia hay una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. El tamaño modesto que suelo elegir está pensado para fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el paradoja tranquila no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner