Escuela italiana (XVII) - Il giudizio di Paride

Escuela Italiana del siglo XVII - Ámbito veneto-emiliano

“ El juicio de Paris “

- Óleo sobre tela
- Periodo: 1670-1700
- Ámbito veneto-emiliano, final XVII siglo
- Medidas: 77 x 59 cm en marco antiguo
- Tela: 66,5 x 50 cm

SOGGETTO E ICONOGRAFIA

La escena representa uno de los episodios más célebres de la mitología clásica, El juicio de Paris, antecendente mitológico de la guerra de Troya.
Según el relato, Paris, príncipe troyano criado como pastor, es encargado de determinar cuál de las diosas Juno, Minerva y Venus es la más bella, otorgándoles la manzana de oro. La elección reca en Venus, que le promete el amor de Helena.
En la pintura el relato está condensado en un grupo de cuatro protagonistas.

A la derecha aparece Paris, sentado sobre una roca y envuelto en un amplio pliegue rojo. El torso desnudo y la postura inclinada hacia las diosas subrayan su papel de juez.

En el centro-izquierda es inmediatamente reconocible Minerva/Atenea, caracterizada por el casco plumado y la larga asta. La presencia del casco constituye uno de los atributos iconográficos tradicionales de la diosa en el Juicio de Paris.
Las otras dos figuras femeninas corresponden a Juno y Venus. Particularmente importante es la joven arrodillada en primer plano, vista casi completamente de espaldas, cuyo giro constituye el fulcro formal de la composición.
La figura femenina aislada en la extrema izquierda, acompañada por un pliegue claro, cierra la escena según un comportamiento casi teatral.
Una pequeña figura aparece además en el fondo derecho, inserta en el paisaje oscuro.

⸻

ANALISI COMPOSITIVA

La construcción de la escena está decididamente estudiada.
El autor dispone a los protagonistas según una secuencia semicircular que guía la mirada:
El movimiento culmina en el encuentro entre la figura arrodillada y Paris.
Muy eficaz es el sistema de diagonales contrapuestas: la asta empuñada por Minerva asciende hacia la derecha, mientras el cuerpo de la mujer arrodillada introduce una diagonal opuesta. Paris completa esta estructura a través de la fuerte masa cromática del pliegue rojo.

La figura arrodillada constituye probablemente la invención más lograda de la obra: la espalda iluminada, la torsión del torso y la pierna proyectada diagonalmente en el espacio producen una considerable profundidad.

No se trata por tanto de una composición ingenua: detrás de la imagen es reconocible una cultura figurativa cultivada, nutrida de la tradición manierista y pos-manierista italiana.

⸻

ANALISI STILISTICA

La obra conserva varios elementos procedentes de la cultura del tardomaniérismo: cuerpos femeninos alargados, cabezas relativamente pequeñas, torsiones artificiales, elegancia de las poses y prevalencia de la línea sobre la descripción naturalista.
Al mismo tiempo, el fuerte contraste chiaroscuro, la mayor consistencia de las anatomías y el pliegue rojo de Paris introducen elementos ya plenamente seicentescos.
Particularmente significativos se muestran:

* la anatomía alargada de las figuras femeninas;
* los perfiles pequeños y afilados;
* la figura arrodillada construida a través de una torsión compleja;
* la Minerva casi estatuaria;
* la paleta dominada por tonos pálidos que emergen de un fondo muy oscuro;
* el uso del rojo como principal acento cromático;
* el paisaje reducido a quinta teatral.

En conjunto, por tanto, una cultura figurativa entre tardomanierismo y clasicismo seicentista, más que un lenguaje del siglo XVIII maduro.

⸻

AMBITO Atribuitivo

La composición demuestra, sin embargo, relaciones con aquella vasta cultura pictórica desarrollada en el norte de Italia entre finales del XVI y XVII siglo, en la que continuaron circulando modelos manieristas junto a las nuevas soluciones classicistas.
Es interesante recordar cuán difundido estuvo El juicio de Paris a través de pinturas, dibujos y sobre todo grabados. Uno de los prototipos fundamentales fue el grabado de Marcantonio Raimondi de Rafael, datable hacia 1513-14, que tuvo una enorme fortuna figurativa.
También en el Siglo XVII el tema siguió siendo particularmente difundido: Francesco Albani, por ejemplo, realizó una célebre versión hacia 1650-60.

MARCO (CORNICE):

Marco: marco de madera moldurada y dorada, de gusto neoclásico, con una gola amplia lisa y un labio interior decorado con motivo continuo en relieve. Manufactura italiana, finales XVIII – principios XIX siglo, con doradura afectada por abrasiones naturales, deslucimientos y pequeñas lagunas.

ESTADO DE CONSERVACIÓN – INFORME DE CONDICIONES

Soporte:
La obra ha sido sujetada a repinturas/refundiciones. La tela aparece actualmente suficientemente estable y tendida regularmente. El bastidor es de madera, de construcción tradicional, con travesaño central vertical.

Superficie pictórica:
A partir de las imágenes la superficie parece globalmente estable. Se observa craquelado difuso, generalmente coherente con el envejecimiento de la materia pictórica.
Se observan abrasiones y adelgazamientos localizados, sobre todo en zonas oscuras y en los pasajes más delicados de los incarnatos.
Es plausible haber retoques e integraciones pictóricas derivados de restauraciones anteriores.
La capa de barniz superficial parece presentar cierto grado de alteración/oxidación, con consiguiente disminución de los contrasts y modificación de la legibilidad de los tonos más oscuros.
No se detecta por las fotografías levantamientos macroscopicos o caídas extensas de la película pictórica.

Estado global

Discreto/bueno en relación con la edad y las intervenciones conservativas sufridas.

*** Nota fotográfica
Algunas imágenes fotográficas de la obra han sido tomadas con iluminación y focos de estudio profesionales, con el fin de permitir una mejor legibilidad de la composición, de los detalles y de la materia pictórica. Tal iluminación puede provocar ligeras variaciones en la percepción cromática y en la luminosidad respecto a la visión directa de la obra. Las fotografías tienen fines exclusivamente ilustrativos y documentales.

La cornice viene suministrada gratuitamente y en obsequio con la obra y debe por tanto considerarse elemento accesorio, no incluido en la valoración económica de la pintura. En razón de la natural fragilidad de las cornices antiguas y doradas, eventuales daños, desprendimientos, roturas o pérdidas de partes de la cornice verificados durante el transporte o el envio no podrán ser objeto de reembolso, indemnización o contestación relativa al valor de la obra. El embalaje será, no obstante, preparado con la máxima atención para garantizar, en la medida de lo posible, un transporte seguro.

Envío asegurado
Pericia Atributiva Expertise

*** Por cuestión de interés histórico la obra no podrá ser enviada fuera de la comunidad europea / envío asegurado en caja de madera