Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#485 - M - " Paisaje #1 ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (antivisión UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 17,3 × 12,6 × 0,12 pulgadas / 44 × 32 × 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 en nogal blanco (increíble 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendado y disponible en el envío por un importe adicional de 90€ IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Un Certificado de Autenticidad lo acompaña.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero de 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, cuya influencia sembró la semilla de lo que eventualmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de frente, dominando e intimidando, mientras las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Inicialmente me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y a pesar de considerarme ateo, también desarrollé una inclinación por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente ser artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y participaba de la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje en el que puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he deseado ofrecer a los demás un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme enteramente a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado extrusionado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra tal como se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios”—¡todo vale para acortar la razón!—para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para dejarlo claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; a lo sumo, la casualidad hace preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, otorgando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el centro mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vivo”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi obra, mis pinturas son sin objeto. Al igual que todos los objetos, son objetos por sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi trabajo a veces evoque la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con la esperanza, el juego entre “detalles para el acercamiento” -un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo”- animará a los espectadores a embarcarse en sus propios viajes introspectivos.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a afinar mis habilidades y explorar más lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de generar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados tranquilos de una larga y deliberada indagación. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre el pensamiento y el proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que tengan “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que llamo una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto acontecimiento para ser sentido—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el débil reflejo del espectador encontrando su propio mirar. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que yo llamo un “objeto de sí mismo” independiente, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciente espera de lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica algunos paradoxos suaves que sostienen el trabajo:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado, una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” que se encuentran en la “silencio y la luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se siente autónomo, como si hubiese emergido por sí mismo. Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal acaba de empezar.” Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma, una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En su centro está la búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. El modesto tamaño que suelo elegir pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradox puede no ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo yo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner