Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#484 - M - "Paisaje #2".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (antiguía UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multi-capas" cuyo acabado brillante "glossy" similar a la aplicación de una resina es único.

Dimensiones: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 chapa Roble Blanco (0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 90€IVA incluido.

La obra está firmada en la parte trasera.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi patria. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi abuelo, un artesano y artista, cuyo influencia plantó la semilla de lo que acabaría siendo la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar en privado, probando innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que los cuadros grandes van directo hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Atribuí desde un principio interés a la pintura no figurativa y al expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.

Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me comprometí con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, hirviendo en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una forma de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad para ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas en toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, presentó un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en el reverso de plexiglas extrusionado reciclado (Perpex), una superficie ligera, lisa, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso —algo que recibo con gusto. Permito experimentos “aleatorios” —cualquier cosa para cortocircuitar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad hace las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, resulta desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, dejando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas carecen de objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y luminosidad del vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la silueta de uno mismo, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, color y textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo” alentará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, empujándome a afinar mis habilidades y a explorar más lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de un color que sea tan perfecto que no me necesite. La era informal apenas acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas —campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás— son los tranquilos resultados de una indagación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la quieta interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se sostiene sobre tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y que no tienen “ni contenido, ni sentido, ni significado”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colar lo que llamo una “experiencia de ser.” La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para sentir —configurado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador encontrando su propia mirada. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma” independiente, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico, una paciencia que espera lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica unos pocos paradoxas suaves que sostienen la obra:

Casualidad y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidados. La casualidad es un invitado bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Tal vez lo que se comparte no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia quieta, una quieta palpabilidad.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente orientada hacia el ahora: un anhelo por las “necesidades irreducibles” que se hallan en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero busca un resultado que parezca autónomo, como si “hubiera surgido por sí solo.” Me atrae lo que parece perfectamente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora quieta.

En su núcleo está una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo está destinada a fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, creo que tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner