Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Obra única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#481 - M - "Punta del Este #2".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglas de 3 mm (anti-UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de múltiples capas cuyo acabado brillante tipo “glossy”, similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Pulg. 17,3 x 12,6 x 0,12 / 44 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 chapa de roble blanco (Pulg. 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible al envío por un coste adicional de 90€ IVA incluido.

La obra está firmada por detrás.
Le acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero de 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, cuya influencia plantó la semilla de lo que eventualmente sería la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de manera privada, experimentando con incontables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te invaden de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más cariño. Me atraía primero la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y a pesar de considerarme ateo, desarrollé también una predilección por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas perseguí una carrera internacional en los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me conectaba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a los demás un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Abrí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025 me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, “Échos”, realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso impide que vea la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con agrado. Permito “experimentos aleatorios”—cualquier cosa sirve para acortar la razón—para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejar espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero para ser claro: en mis cuadros la suerte nunca toma las decisiones; como mucho, la suerte formula las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, a la vez que otorgan a cada obra una calidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y claridad.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica”, sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el interior de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas carecen de objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin o propósito. Si bien mi trabajo a veces evoca la transparencia y la luminosidad de un vitral, permanece prácticamente abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nueva mirada. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, se ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Confiamos en que el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo” anime a los espectadores a emprender sus propias jornadas introspectivas.

No pretendo tener todas las respuestas y quiero permanecer humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de fomentar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de comenzar.

Como diría Jean Bazaine: “La práctica diaria multiplica la pasión por ver.”

Sobre la coherencia de mi práctica

En el panorama del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas, campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás, son los silenciosos resultados de una larga y deliberada indagación. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que la sutil interacción entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y con “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar con suavidad la expectativa narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y avanzar hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento situar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento silencioso para sentir, modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el leve reflejo de la mirada del espectador encontrándose con su propio rostro. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, se ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente de control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo”, completamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al revelado fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones, hay algunas paradojas suaves que sostienen el trabajo:

Suerte y Disciplina
Hablo de “coincidencias” significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La suerte es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una afirmación, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia persiste en el trabajo, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo por las “necesidades irreductibles” que se encuentran en el “silencio y la luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece de forma discreta.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso exige atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí mismo.” Me atrae lo que se siente inevitablemente correcto.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal acaba de empezar.” Mi práctica debe mucho al espíritu del Arte Informal, aunque quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En el fondo, se trata de una búsqueda de “le vif” —el núcleo vivo. El trabajo tiende hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La modesta escala que elijo a menudo busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una misma búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencio paradójico no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner