Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#486 - M - "Paisaje #2".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3mm (antiblanqueo/UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapas" cuyo acabado brillante "glossy", similar a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm sin marco.

Esta pintura se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 chapado en Roble Blanco (17,0 mm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 90€TTC.

La obra está firmada por detrás.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero de 2027.

Biografía

Nací en Ginebra, Suiza, y crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad se valoraba en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, cuyas influencias plantaron la semilla de lo que eventualmente se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993 comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes avanzan hacia ti, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. En un principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y a pesar de considerarme ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirse en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, ejercí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me involucré con la energía creativa de cada lugar.
A pesar del enfoque en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una forma de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí por completo a la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", realizada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas tradicionales de pintura: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado extruido (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que bien recibo. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para sabotear la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se exponla finalmente. Pero un punto está claro: en mis cuadros, el azar nunca toma las decisiones; como máximo, el azar formula preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con un gran grado de disciplina. Este enfoque, que resuena con el proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, otorgando a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que probablemente descubrimos cuando nos detenemos en silencio y con luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni la “emoción” ni la “concepción teórica”, sino la experiencia de ser. Ni el “consumo rápido” ni la “intelectualización / posesión intelectual”, sino la apertura de la conciencia y la exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif” (la chispa de la vida). Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas carecen de objeto. Como todos los objetos, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Si bien mi trabajo a veces puede evocar la transparencia y la luminosidad de un vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglás otorga a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. La interacción de la luz, el color y la textura, así como las partes ausentes, sólo requieren empatía. Con suerte, la interacción entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el conjunto” animará a los espectadores a emprender sus propios viajes introspectivos.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me impulsa a refinar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar, para mí, es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de un pigmento tan perfecto que no lo necesite a nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "la práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde concepto y forma tienen el mismo peso, busco crear una obra definida no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados silenciosos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que la sutil interacción entre pensamiento y proceso que permite que emerja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es un Retiro del Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al hacer que “no tengan contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a dejar de decodificar y hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un evento quieto para sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el tenue reflejo de la mirada del espectador hacia su propio rostro. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se cruza con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la cara opuesta del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de soltar. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero cedo el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí misma”, totalmente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una paciencia que espera lo que llega aquí y ahora.

Mantener estas intenciones implica algunos paréntesis suaves que sostienen el trabajo:

Azar y Disciplina
Hablo de “coincidencias” significativas, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. El azar es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo compartido no sea una declaración, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” encontradas en la “silencio y la luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Absoluto
El proceso requiere una atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si hubiese surgido por sí solo. Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado”. Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informal, si bien quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde el azar no es una ruptura, sino un colaborador tranquilo.

En el fondo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra se inclina hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La escala modesta que a menudo elijo busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una búsqueda única. He descubierto que una práctica basada en el silencio y el paradox puede no ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner