Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#497 - M - " Djebel ".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (anti-UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "multicapa" cuyo acabado brillante "glossy" similar a la aplicación de una resina es único.

Dimensiones : Pulgadas 19,7 * 15,4 * 0,12 / 50 * 39 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 524 chapado en roble (Pulgadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) o cualquier otro acabado recomendado y disponible durante el envío por un importe adicional de 90€TTC.

La obra está firmada por detrás.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo con base en París. Sus obras se exhiben en toda Europa, Suiza y Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra enero 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi país. La creatividad era valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, un artesano y artista, cuya influencia plantó la semilla de lo que eventualmente sería la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te golpean de lleno, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Primero me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afición por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino hacia convertirse verdaderamente en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, seguí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, a través de Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí—una manera de liberarme del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo ganó rápidamente reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artísticamente

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte trasera de plexiglás reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que bien recibo. Permito “experimentos aleatorios” -todo vale para acortar la razón- que orientan el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza finalmente se expone. Pero aclaremos: en mis cuadros, la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad plantea las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, sin embargo dan a cada obra una cualidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreducibles”, es decir, lo que es probable que descubramos cuando nos detengamos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ampliación de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles. Mi arte es una búsqueda de la “vida en el centro mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como todos los objetos, son objetos en sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo a veces pueda evocar la transparencia y luminosidad del vitral, sigue siendo casi totalmente abstracto. Además, el plexiglás confiere a la pintura una piel fascinante donde se puede entrever la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, se ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Espero que el juego entre “detalles para lo cercano” -un detalle de una pintura es una imagen completamente nueva- y “distancia para el todo”, anime a los espectadores a embarcarse en sus propias rutas introspectivas.

No reivindico saber todas las respuestas y quiero mantener la humildad sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, que me empuja a refinar mis habilidades y explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver.

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear un trabajo definido no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos ondulantes de color y luz dentro del plexiglás—son los tranquilos resultados de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero enfoque es menos la imagen final que el juego silencioso de pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y que no tienen “ni contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a alejarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para interpretar que en un quieto evento para sentir—modelado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador al encontrar su propia mirada. Como suelo decir, la pieza “vive, cambia, se ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la parte posterior del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de hacer. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, revelado por completo solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega “aquí y ahora.”

Mantener estas intenciones implica unos pocos suaves paradoxos que sostienen la obra:

Suerte y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosamente establecidos. La casualidad es un huésped bienvenido, pero la estructura se construye con cuidado.

Comunicación sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado—una textura de luz, una quieta presencia, una palpable quietud.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreducibles” encontradas en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí solo.” Me atrae lo que se siente inevitable.
En ese espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal acaba de empezar.” Mi práctica debe su deuda al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora tranquila.

En el fondo hay una búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa en lugar de la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo pretende fomentar la intimidad, no el espectáculo.
Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una única búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso paradoxos no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, tales tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner