Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#485 - M - " Paisaje #1 ".

Acrílico en aerosol sobre placa de plexiglas de 3 mm (antivirulencia UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original "de múltiples capas" cuyo acabado brillante "glossy" parecido a la aplicación de una resina es único.

Dimensiones : Pulg 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 recubrimiento Roble Blanco (Pulg 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendado y disponible al momento del envío por un importe adicional de 90€IVA incluido.

La obra está firmada por la espalda.
Un Certificado de Autenticidad la acompaña.
El envío está cubierto por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras están expuestas por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y selección en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra enero 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad siempre fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, cuyo influjo sembró la semilla de lo que con el tiempo sería la pasión de mi vida.
En 1993, empecé a pintar de forma privada, experimentando con innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te llegan de frente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. En un principio me atrajo la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una afinidad por materiales espirituales, ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades profundas de la naturaleza y de la vida.

Sin embargo, el camino para realmente convertirme en artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, ejercí una carrera internacional en negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que fui, me sumergí en las escenas artísticas locales y me dejé llevar por la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, cocinándose en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de liberarme del mundo y enfocarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción al pintar. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, la oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras retirarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024 lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo obtuvo rápidamente reconocimiento, encontrando acomodo en colecciones privadas por toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas pictóricas tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y aerosoles en la parte posterior de plexiglas reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra tal como se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para descuajarar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza se expone finalmente. Pero seré claro: en mis cuadros la casualidad nunca toma las decisiones; como mucho, la casualidad formula las preguntas; las coincidencias significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que dialoga con el proceso de revelación/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, pero dan a cada obra una calidad “ascética”: me siento feliz cuando reconozco “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica”, sino experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino ensanchamiento de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles; mi arte es una búsqueda de la “vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”. Aunque la nostalgia ha formado siempre parte de mi trabajo, mis pinturas no tienen objeto. Como cualquier objeto, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, ni fin, ni propósito. Aunque mi trabajo puede evocar a veces la transparencia y la luminosidad de un vitral, permanece casi por completo abstracto. Además, el plexiglas proporciona a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, distinta para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes ausentes también, solo requiere empatía. Con suerte, el juego entre “detalles para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y “la distancia para el todo” alentará a los espectadores a embarcarse en sus propias jornadas introspectivas.

No afirmo tener todas las respuestas y quiero mantener la humildad respecto a lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un reto a mis límites, que me empuja a perfeccionar mis habilidades y a explorar más allá de lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio cotidiano, una exploración, una forma de provocar conversaciones significativas, una búsqueda de una pintura tan perfecta que no necesite de nosotros. La era de lo informal acaba de empezar.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por ver".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos centelleantes de color y luz dentro del plexiglas—son los silenciosos frutos de una larga y deliberada investigación. Para mí, el verdadero foco está menos en la imagen final que en la quieta interacción del pensamiento y el proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada del Significado Impuesto. Describiendo las obras como “sin objeto” y sin “contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación, y hacia una forma de mirar más directa.

Esto conduce a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que considero una “experiencia de ser”. La obra llega a ser menos un objeto para interpretar que un quieto evento para sentirse—formado por la luz cambiante, las capas translúcidas y el leve reflejo de la mirada del espectador al encontrarse con la mía. Como suelo señalar, la pieza “vive, cambia, ve.”

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: el Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en la cara opuesta del plexiglas, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejar ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, permitiendo que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto de sí mismo” independiente, totalmente revelado solo cuando está completo. Es un paralelismo silencioso con el desarrollo fotográfico: una paciente espera de lo que llega “aquí y ahora.”

Manteniendo estas intenciones, existen unos pocos paradoxos suaves que sostienen la obra:

Suerte y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo sin sentido. Quizás lo que se comparte no es una declaración, sino un estado: una textura de luz, una quieta presencia, una palpabilidad de quietud.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” encontradas en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Sin Esfuerzo
El proceso requiere atención constante, pero apunta a un resultado que se sienta autónomo, como si “hubiera surgido por sí solo.” Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, siento que “la era de lo informal acaba de empezar.” Mi práctica se debe al espíritu del Arte Informel, aunque quizá con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una silenciosa colaboradora.

En su núcleo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. El trabajo tiende hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. La modesta escala que a menudo elijo busca fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso paradoja no tiene por qué ser frágil. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner