Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Pieza única, pintura original de Anton Kaestner, directamente del taller.
#484 - M - "Paisaje #2".

Acrílico en spray sobre placa de plexiglás de 3 mm (anti-UV).
Este cuadro no es una impresión. Se trata de una obra original de múltiples capas cuyo acabado brillante "glossy", cercano a la aplicación de una resina, es único.

Dimensiones: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sin marco.

Este cuadro se entrega sin marco.
Marco de calidad de la marca alemana Nielsen en aluminio, referencia 34 520 chapado en Roble Blanco (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendado y disponible en el momento del envío por un importe adicional de 90€TTC.

La obra está firmada en la contracara.
Acompaña un Certificado de Autenticidad.
La entrega está cubierta por un seguro.

Anton Kaestner es un pintor, escultor y autor suizo radicado en París. Sus obras se exponen por toda Europa, en Suiza y en Dubái. Más información y opciones en www.antonkaestner.com.

Próxima exposición individual - Ginebra, enero de 2027.

Biografía

Nacido en Ginebra, Suiza, crecí rodeado de la belleza natural y la riqueza cultural de mi tierra. La creatividad fue valorada en mi familia, y fue mi difunto abuelo, artesano y artista, cuya influencia sembró la semilla de lo que más tarde se convertiría en la pasión de mi vida.
En 1993, comencé a pintar de forma privada, probando innumerables acrílicos en cuadernos A4 y luego A3; siempre he sentido que las grandes imágenes te interpelan directamente, dominantes e intimidantes, mientras que las obras pequeñas pueden inspirar mucho más amor. Me atrajo al principio la pintura no figurativa y el expresionismo abstracto.
Con el tiempo, y aunque me considero ateo, también desarrollé una predilección por materiales espirituales ya que resonaban con mi exploración de la existencia humana y las verdades más profundas de la naturaleza y la vida.

Sin embargo, el camino para llegar a ser realmente artista no fue inmediato.
Durante más de tres décadas, ejercí una carrera internacional en el mundo de los negocios que me llevó por todo el mundo, desde Estados Unidos hasta Marruecos, Bélgica, Asia y Francia. Mis viajes ampliaron mi perspectiva, exponiéndome a una amplia gama de influencias culturales. Dondequiera que iba, me sumergía en las escenas artísticas locales y me involucraba con la energía creativa de cada lugar.
A pesar de centrarme en mi carrera empresarial, el arte siempre formó parte de mí, herviendo en silencio bajo la superficie. Durante casi 30 años, la pintura se convirtió en una forma de meditación secreta para mí, una manera de escapar del mundo y concentrarme en mi yo interior.

Siempre he encontrado una inmensa satisfacción en la pintura. Cada nueva obra es un viaje donde puedo poner a prueba mi creatividad, explorar nuevas técnicas y vivir experiencias genuinas. A través de mi arte, siempre he esperado ofrecer a otros un encuentro sincero con la belleza, una oportunidad de ver el mundo desde una perspectiva diferente y reflexionar sobre sus propias vidas.

En 2023, tras jubilarme de mi carrera empresarial, me comprometí plenamente con la pintura. Establecí mi estudio en París y comencé a dedicarme por completo a mi arte. A finales de 2024, lancé mi carrera artística pública y, para mi sorpresa, mi trabajo rápidamente obtuvo reconocimiento, encontrando hogares en colecciones privadas en toda Europa, especialmente en Alemania, Portugal, Bélgica, Italia y los Países Bajos.

A finales de 2025, me mudé a un estudio más grande, en una sacristía vacante en Lisieux, Normandía.

CV Artístico

Mi primera exposición individual, "Échos", celebrada en París a finales de 2024, mostró un enfoque distintivo del arte, alejado de las técnicas de pintura tradicionales: pinto con acrílicos, pigmentos metálicos y sprays en la parte posterior de plexiglás extruido reciclado (Perpex), una superficie ligera, suave, brillante y a veces frágil. Este proceso me impide ver la obra a medida que se desarrolla. No tengo retroalimentación visual ni control durante el proceso—algo que recibo con gusto. Permito “experimentos aleatorios” —todo vale para acortar la razón— para guiar el resultado, las capas y los efectos de espejo que creo, y dejo espacio para la revelación y el descubrimiento cuando la pieza queda expuesta finalmente. Pero para ser claro: en mis cuadros, la casualidad nunca toma decisiones; como mucho, la casualidad plantea las preguntas; los “coincidencias” significativas solo son posibles con una gran disciplina. Este enfoque, que hace eco del proceso de revelado/fijación de la fotografía, es desafiante y liberador. Los valores de la composición se enriquecen con capas y transparencias, sin embargo, dando a cada obra una cualidad “ascética”: me alegra reconocer “necesidades irreductibles”, es decir, lo que es probable descubrir cuando nos detenemos en silencio y luz.

Mantengo mi enfoque deliberadamente simple. Ni “emoción” ni “concepción teórica” sino la experiencia de ser. Ni “consumo rápido” ni “intelectualización/posesión intelectual”, sino expansión de la conciencia y exploración de la realidad, de sus historias visibles e invisibles, mi arte es una búsqueda de “la vida en el corazón mismo de la vida”, de lo que Alain Damasio llama “el vif”.
Aunque la nostalgia siempre ha formado parte de mi trabajo, mis pinturas son sin objeto. Como todo objeto, son objetos de sí mismos. En consecuencia, no tienen contenido, ni significado, ni sentido; son como cosas, árboles, animales, hombres o días, que tampoco tienen razón de ser, fin ni propósito. Aunque mi obra a veces evoque la transparencia y la luminosidad de los vitrales, sigue siendo casi enteramente abstracta. Además, el plexiglas confiere a la pintura una piel que brilla donde se puede vislumbrar la propia silueta, diferente para cada nuevo espectador. Cada obra actúa como un espejo discreto: vive, cambia, ve. El juego de la luz, el color y la textura, de las partes que faltan también, solo requiere empatía. Con suerte, la tensión entre el “detalle para lo cercano” —un detalle de una imagen es una imagen completamente nueva— y la “distancia para el conjunto” fomentará que los espectadores inicien sus propios viajes introspectivos.

No afirmo saber todas las respuestas y quiero mantenerme humilde sobre lo que se puede lograr. Simplemente, encuentro satisfacción en el proceso continuo de cuestionamiento y crecimiento. Cada nueva creación es un enfrentamiento con mis límites, empujándome a afinar mis habilidades y a explorar más a fondo lo que puedo lograr. Pintar para mí es un oficio diario, una exploración, una forma de generar conversaciones significativas, una búsqueda de un color que sea tan perfecto que no necesite de nosotros. La era de lo informal apenas ha comenzado.

Como diría Jean Bazaine: "La práctica diaria multiplica la pasión por mirar".

Sobre la coherencia en mi práctica

En el paisaje del arte contemporáneo, donde el concepto y la forma tienen igual peso, busco crear obras definidas no por su prominencia, sino por su presencia. Mis pinturas—campos brillantes de color y luz dentro del plexiglás—son los resultados silenciosos de una investigación larga y deliberada. Para mí, el verdadero foco es menos la imagen final que el juego silencioso entre pensamiento y proceso que permite que surja.

Esta práctica se apoya en tres intenciones alineadas.

La primera es una Retirada de Significado Impuesto. Al describir las obras como “sin objeto” y al afirmar que no tienen “contenido, ni significado, ni sentido”, espero aflojar suavemente la expectativa de narrativa. Es una invitación a apartarse de la decodificación y hacia un tipo de mirada más directo.

Esto lleva a la segunda intención: la Primacía de la Experiencia Vivida. En ese espacio abierto, intento colocar lo que llamo una “experiencia de ser”. La obra se convierte menos en un objeto para ser interpretado que en un evento tranquilo para ser sentido—formado por la luz cambiante, capas translúcidas y el sutil reflejo del espectador al encontrarse con su propio mirar. Como a menudo señalo, la pieza “vive, cambia, ve”.

La tercera es donde la idea se encuentra con la mano: Proceso como Pensamiento Encarnado. Pintar en el reverso del plexiglás, trabajar sin retroalimentación visual, es una práctica física de dejarse ir. Es una liberación consciente del control en el acto de crear. Establezco condiciones, pero entrego el resultado, dejando que la pintura se convierta en lo que llamo un “objeto por sí mismo”, plenamente revelado solo cuando está completo. Es un paralelo silencioso al desarrollo fotográfico: una espera paciente de lo que llega en el “aquí y ahora”.

Sosteniendo estas intenciones hay algunos paréntesis suaves que sostienen la obra:

Caso y Disciplina
Hablo de “coincidencias significativas”, pero solo son posibles dentro de límites cuidadosos. La casualidad es una invitada bienvenida, pero la estructura se construye con esmero.

Comunicación Sin Mensaje
Espero “comunicar algo” a través de obras que llamo meaningless (sin significado). Quizá lo que se comparte no sea una afirmación, sino un estado: una textura de luz, una presencia tranquila, una quietud palpable.

Nostalgia del Presente
Una suave nostalgia permanece en la obra, pero está curiosamente dirigida al ahora: un anhelo de las “necesidades irreductibles” que se encuentran en “silencio y luz”—un deseo de presencia pura que la propia obra ofrece en silencio.

Esfuerzo y Esfuerzo Inmediato
El proceso requiere una atención constante, pero busca un resultado que se sienta autónomo, como si hubiera “emergido por su propia voluntad.” Me atrae lo que se siente inevitable.
En este espíritu, he llegado a sentir que “la era de lo informal apenas ha comenzado.” Mi práctica se debe al espíritu del Art Informel, aunque tal vez con menos angustia y más calma—una informalidad donde la casualidad no es una ruptura, sino una colaboradora silenciosa.

En el fondo está la búsqueda de “le vif”—el núcleo vivo. La obra tiende hacia la experiencia directa más que hacia la intelectualización. la modesta escala que a menudo elijo está hecha para fomentar la intimidad, no el espectáculo.

Al final, esto es simplemente el camino de un artista. Mi biografía, mi proceso y mis reflexiones no son hilos separados, sino partes de una sola búsqueda. He descubierto que una práctica basada en el silencioso parther se puede mantener sin fragilidad. A través de la disciplina y la claridad, esas tensiones pueden convertirse, creo, en una fuente de resiliencia.

Anton Kaestner