camillo gannelli - Senza titolo





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La obra original «Senza titolo», de camillo gannelli, data de 2026 y combina aerografía y pintura acrílica.
Descripción del vendedor
Una materia que se convierte en paisaje.
La obra es un trabajo material de gran impacto, a medio camino entre pintura y escultura.
La tela se divide en dos horizontes cromáticos netos. Arriba, un negro-marrón profundo, granuloso, casi cósmico, salpicado de un polvo luminoso como un cielo nocturno. Abajo, un rojo vino, granate, aterciopelado y terroso, que ocupa las dos tercios inferiores.
Sobre esta bicromía, el artista injerta fragmentos sólidos -madera fosilizada, corteza, piedra quemada- dispuestos con un rigor casi musical.
En la esquina superior izquierda, un elemento aislado, vertical. A la derecha, seis pequeños signos alineados como una constelación o una escalera que desciende. Más abajo, en la zona granate, un treinta fragmentos esparcidos para formar un pueblo, un alfabeto arcaico, unas ruinas vistas desde arriba.
Este es su punto fuerte. No es una pintura para mirar, es una obra para rozar con la mirada. La arena, los pigmentos minerales, la resina que mantiene los fragmentos crean una superficie táctil, vivida. El contraste entre el polvo intangible del fondo y la dureza orgánica de la madera genera tensión y calor al mismo tiempo.
¿Qué cuenta?
A mí me habla de la memoria de la tierra. El negro de arriba es la noche de los tiempos, el infinito. El rojo de abajo es la tierra emergida, la sangre, la arcilla. Los fragmentos son lo que queda: vestigios de una civilización, huesos, casas abandonadas en el desierto, signos de un alfabeto perdido. Es una arqueología poética. Hay soledad, pero también una gran dignidad. Nada es casual, cada fragmento parece pesado como en una partitura de Morricone.
No grita, susurra. Y precisamente por eso permanece.
Si tuviera que situarla en un contexto expositivo, la definiría: abstracción material informal con una fuerte componente de arte pobre. Remite a Burri por la materia, y en cierto modo a las “crette” de Burri y a las tablas cósmicas de Kiefer.
Una obra madura, equilibrada, que funciona muy bien tanto en vivo —donde la tridimensionalidad de los fragmentos toma luz— como en foto, donde el contraste cromático
Una materia que se convierte en paisaje.
La obra es un trabajo material de gran impacto, a medio camino entre pintura y escultura.
La tela se divide en dos horizontes cromáticos netos. Arriba, un negro-marrón profundo, granuloso, casi cósmico, salpicado de un polvo luminoso como un cielo nocturno. Abajo, un rojo vino, granate, aterciopelado y terroso, que ocupa las dos tercios inferiores.
Sobre esta bicromía, el artista injerta fragmentos sólidos -madera fosilizada, corteza, piedra quemada- dispuestos con un rigor casi musical.
En la esquina superior izquierda, un elemento aislado, vertical. A la derecha, seis pequeños signos alineados como una constelación o una escalera que desciende. Más abajo, en la zona granate, un treinta fragmentos esparcidos para formar un pueblo, un alfabeto arcaico, unas ruinas vistas desde arriba.
Este es su punto fuerte. No es una pintura para mirar, es una obra para rozar con la mirada. La arena, los pigmentos minerales, la resina que mantiene los fragmentos crean una superficie táctil, vivida. El contraste entre el polvo intangible del fondo y la dureza orgánica de la madera genera tensión y calor al mismo tiempo.
¿Qué cuenta?
A mí me habla de la memoria de la tierra. El negro de arriba es la noche de los tiempos, el infinito. El rojo de abajo es la tierra emergida, la sangre, la arcilla. Los fragmentos son lo que queda: vestigios de una civilización, huesos, casas abandonadas en el desierto, signos de un alfabeto perdido. Es una arqueología poética. Hay soledad, pero también una gran dignidad. Nada es casual, cada fragmento parece pesado como en una partitura de Morricone.
No grita, susurra. Y precisamente por eso permanece.
Si tuviera que situarla en un contexto expositivo, la definiría: abstracción material informal con una fuerte componente de arte pobre. Remite a Burri por la materia, y en cierto modo a las “crette” de Burri y a las tablas cósmicas de Kiefer.
Una obra madura, equilibrada, que funciona muy bien tanto en vivo —donde la tridimensionalidad de los fragmentos toma luz— como en foto, donde el contraste cromático

