Antonio Morato (1903–1989) - Maschere

AUTOR

Antonio Morato (Este, 17 de marzo de 1903 – Padua, 13 de marzo de 1989) se formó en la animada Padua de los años veinte, al margen de los itinerarios académicos tradicionales. Inicialmente cercano a los planteamientos del «Novecento», destacó por una marcada sensibilidad figurativa, basada en una adhesión instintiva a la realidad. De hecho, le gustaba definir a los artistas como «animales con gafas», capaces de captar por adelantado lo que flotaba en el ambiente. En sus primeros lienzos, dedicados a naturalezas muertas, máscaras y vistas, combinó un genuino espíritu popular con un cuidado formal y compositivo extremo.

En la posguerra, su lenguaje evolucionó al asimilar las descomposiciones espaciales picassianas y el cromatismo de Matisse, para desembocar, a partir de finales de los años cincuenta, en una producción más íntima y desencantada. Al rehuir las modas pasajeras, su etapa tardía adoptó tonos más introspectivos: el primitivo canto idílico del paisaje véneto dio paso a una pintura que expresaba un palpable rechazo al avance de la urbanización y la civilización industrial. Así, sus temas habituales se plasmaron mediante una aplicación cromática más austera y esencial, manteniendo el color como elemento central en la construcción de los volúmenes.

Desde el punto de vista técnico, además de ser un hábil pintor de caballete, capaz de abarcar desde el óleo hasta el pastel, Morato fue un excelente pintor al fresco. Entre sus obras públicas más prestigiosas destacan las decoraciones de la «Sala de las estudiantes» del Palazzo del Bo y los ciclos al fresco, entre ellos el «Vía Crucis», en la iglesia padovana de la Sagrada Familia (1939-1940). Hoy, sus obras, valioso testimonio de toda la trayectoria de su evolución estilística, se conservan y ponen en valor en las colecciones cívicas de la ciudad de Padua y forman parte de prestigiosas colecciones privadas, lo que confirma la importancia de este intérprete original y solitario del Novecento véneto.

DESCRIPCIÓN

«Máscaras», técnica mixta sobre lienzo, 80x100cm, fechable en los años 60. Aunque la pintura no está firmada, es indudablemente obra de Morato, tanto por comparación como por su procedencia, ya que proviene de los herederos del propio pintor. Se entrega el correspondiente certificado de autenticidad y procedencia.

En la obra cobra vida un enigmático teatro de la existencia, suspendido entre el flujo inexorable del tiempo y el juego de las ficciones humanas. A la izquierda se alza una figura de cuello alargado, cuya cabeza se desdobla en un doble rostro ensimismado y melancólico, mientras que el torso, trazado con un denso entramado de líneas dinámicas, se proyecta con el brazo hacia el centro de la escena. Allí se sienta una figura femenina adornada con collar y pendientes, cuyos rasgos severos se elevan sobre un regazo envolvente en el que descansa un pequeño fruto redondeado. A su espalda se yergue en lo alto una gran esfera de reloj, con las agujas próximas a la medianoche; a su derecha, la flanquea una figura coronada de ojos muy abiertos, semejante a un rey de la baraja o a un ídolo antiguo, y, en el extremo derecho, un busto acéfalo, parecido a un maniquí o a una coraza cuadriculada rematada por un eje torneado.

La composición se sostiene sobre una compacta arquitectura vertical que alinea a los personajes en primer plano como en un proscenio, y encuentra en el disco del reloj y en la esfera inferior los pivotes geométricos en torno a los cuales gira toda la representación. La ejecución combina con maestría un trazo gráfico rápido, nervioso y continuo, de color azul violáceo —que define los contornos y ahonda en las anatomías, dejando ampliamente visible el fondo claro del soporte— con pinceladas fluidas, líquidas y casi acuareladas. De ello surge una extraordinaria construcción y armonía cromática, basada en la perfecta resonancia de dos acordes complementarios: los verdes esmeralda y salvia, que rodean la esfera del reloj, salpican el tablero cuadriculado del maniquí de la derecha y avivan los elementos esféricos, dialogan admirablemente con las cálidas veladuras de rojo carmín, púrpura, malva y rosa antiguo que envuelven el fondo izquierdo y el centro de la composición, fundiendo dibujo y pintura en una partitura tonal de rara ligereza, transparencia y musicalidad.

Fechable en los años sesenta, la obra pertenece plenamente a la etapa madura y más desencantada de Morato, iniciada a finales de la década anterior bajo el signo de una búsqueda cada vez más íntima e introspectiva. La lección europea asimilada en la posguerra —reconocible en la descomposición simultánea de los perfiles de raíz picassiana y en la libertad expresiva del color, evocadora de Matisse— desemboca aquí en una ejecución austera y esencial, donde unas pocas y equilibradas masas cromáticas bastan para generar el volumen y el espacio. Al rehuir las modas pasajeras para mantenerse fiel a su propia coherencia solitaria, Morato renueva el tema de las máscaras, tan querido por él, y se confirma como aquel «animal con gafas» dotado de una receptividad instintiva, capaz de captar lo que flota en el ambiente y de traducir el transcurso del tiempo y los enigmas de la identidad en una lírica visión poética.

INFORME DE ESTADO

Buen estado general. La obra está íntegra en todas sus partes, con el colorido y las pinceladas vivos y bien definidos.

La fotografía de la pintura integrada en un ambiente se ha generado mediante inteligencia artificial y debe considerarse puramente ilustrativa. Solo son válidas las demás fotografías, que muestran fielmente el objeto y sus características, tanto generales como de detalle.

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