Antonio Morato (1903–1989) - Maternità

AUTOR

Antonio Morato (Este, 17 de marzo de 1903 – Padua, 13 de marzo de 1989), pintor italiano. Se formó en la animada Padua de los años veinte, al margen de los itinerarios académicos tradicionales. Inicialmente cercano a los postulados del «Novecento», destacó por una marcada sensibilidad figurativa basada en una adhesión instintiva a la realidad. De hecho, le gustaba definir a los artistas como «animales con gafas», capaces de captar por adelantado lo que flotaba en el ambiente. En sus primeros lienzos, dedicados a naturalezas muertas, máscaras y vistas, conjugó un genuino espíritu popular con un cuidado formal y compositivo extremo.

En la posguerra, su lenguaje evolucionó al asimilar las descomposiciones espaciales picassianas y el cromatismo de Matisse, para desembocar, a partir de finales de los años cincuenta, en una producción más íntima y desencantada. Reacio a las modas pasajeras, en su etapa tardía adoptó tonos más introspectivos: el primitivo canto idílico del paisaje véneto dio paso a una pintura que expresaba un palpable rechazo al avance de la urbanización y de la civilización industrial. Así, sus temas habituales se representaron con una aplicación cromática más sobria y esencial, manteniendo el color como elemento central en la construcción de los volúmenes.

Desde el punto de vista técnico, además de ser un hábil pintor de caballete, capaz de alternar entre el óleo y el pastel, Morato fue un excelente fresquista. Entre sus obras públicas más prestigiosas destacan las decoraciones de la «Sala delle studentesse» en el Palazzo del Bo y los ciclos al fresco, entre ellos el «Via Crucis», en la iglesia padovana de la Sagrada Familia (1939-1940). Hoy sus obras, valioso testimonio de toda la trayectoria de su evolución estilística, se conservan y ponen en valor en las colecciones cívicas de la ciudad de Padua y forman parte de prestigiosas colecciones privadas, confirmando la importancia de este intérprete original y solitario del Novecento italiano.

DESCRIPCIÓN

«Maternità», óleo sobre lienzo, 102x82cm con marco, 100x80cm el lienzo solo, 1968, fecha y firma en el margen izquierdo.

En la pintura, el tema clásico de los afectos familiares se transfigura en una visión de intensa poesía y modernidad plástica. A la derecha del lienzo se alza la esbelta figura de la madre, cuyo cuerpo, inclinado en una pose recogida y, al mismo tiempo, monumental, se arquea hasta extender el brazo superior como una bóveda protectora sobre la escena, mientras el otro brazo se desliza a lo largo del borde inferior. Hacia ese gesto de acogida se lanza, en la parte superior izquierda, el niño, representado como suspendido en el aire en un movimiento de pura vitalidad, con los brazos y una pierna extendidos hacia delante en un alegre salto acrobático. En el registro inferior izquierdo, casi como en una secuencia temporal o especular, una segunda figura infantil descansa boca abajo, envuelta en paños jaspeados y flanqueada por una estructura geométrica de madera que evoca el lateral de una cuna; todo ello se recorta ante una pared dividida por una densa trama de casillas regulares.

La composición se basa en un admirable equilibrio entre el impulso dinámico de las figuras, dispuestas a lo largo de una elipse ideal abierta, y la sólida estructura ortogonal del fondo cuadriculado, que confiere al espacio una solemnidad casi mural. La pincelada, densa y incisiva, alterna toques cuadrados y vibrantes en la ejecución del fondo con largas pinceladas modeladoras que esculpen las anatomías mediante planos facetados. La construcción y la armonía cromáticas ocupan un lugar absolutamente central: el propio color se convierte en arquitectura y genera la luz. Toda la superficie está bañada por un cálido resplandor solar, orquestado en una sinfonía de ocres dorados, amarillos pajizos y tonos albaricoque, sobre los que se insertan, en un refinado contraste, los rosas pálidos, los ciclámenes, los magentas y los violetas profundos que modelan los volúmenes de la madre y el hijo. Como broche de la perfecta coherencia del conjunto, aparece el vibrante perfil verde esmeralda y turquesa que contornea los cuerpos y reaparece en las telas de la parte inferior, creando una electrizante resonancia complementaria que funde las figuras y el espacio en un acorde de timbres de extraordinaria frescura y musicalidad.

Pintado en 1968, el lienzo se sitúa en plena etapa de madurez de Antonio Morato, desarrollada a partir de finales de los años cincuenta bajo el signo de un lenguaje cada vez más íntimo, meditativo y alejado de las modas pasajeras. La asimilación de las grandes vanguardias europeas de la posguerra —bien reconocible en la síntesis deformante de ascendencia picassiana y en la centralidad expresiva de una paleta que evoca a Matisse— desemboca aquí en una aplicación más sobria y esencial, donde el color sigue siendo el elemento clave en la construcción plástica de los volúmenes. Al volver sobre el tema, tan querido por él, de las escenas familiares, con esa sensibilidad instintiva que lo llevaba a definir a los artistas como «animales con gafas» capaces de captar lo que flota en el ambiente, Morato supera todo descriptivismo tradicional para ofrecernos una imagen arquetípica y luminosa del vínculo materno.

INFORME DE ESTADO

Buen estado general. Obra íntegra en todas sus partes, con cromatismo y pincelada vivos y bien definidos. El marco se ofrece como obsequio.

La fotografía del cuadro integrado en un ambiente se ha generado con inteligencia artificial y debe considerarse meramente ilustrativa. Las únicas imágenes válidas son las restantes, que muestran fielmente el objeto y sus características, tanto generales como de detalle.

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