Ciclo de Arte de Hoy - 5 issues - 1964

Cahiers du Cycle d'Art d'Aujourd'hui. Bosh - Llucia - Mensa - Pellsjo - Amelia Riera - Valbuena. 1964. 5 cahiers très rares (sur un total de 7 publiés), chacun contenant des œuvres originales des six artistes.
Quaderno 1 : Contient une feuille avec six petites œuvres originales des six auteurs signées au crayon.
Cahier 2 : Contient une œuvre originale de Luis Bosch Cruanas et une lettre de Bosch datée du 8-3-1964.
Cahier 5 : Contient deux œuvres originales d'Owe Pellsjö signées au crayon.
Cahier 6 : Contient une œuvre originale d'Amelia Riera.
Quaderno 7 : Contient une œuvre originale de Francisco Valbuena.
Cahiers en bon état avec des floraisons normales et de légers traces du temps ou quelques petits défauts. En vente sans réserve.


Les Cahiers du Cycle d'Art d'Aujourd'hui étaient une publication en série d'art moderne espagnol en un nombre très limité d'exemplaires, publiée à Barcelone en 1964 par le groupe d'artistes appelé Ciclo de Arte de Hoy. Chaque numéro comprenait des œuvres d'art originales d'un artiste spécifique et des essais critiques. Ils étaient publiés sur des feuilles non reliées, imprimées par Gráficas El Tinell. La collection complète se compose de 7 volumes. Elle est considérée comme une pièce de collection très difficile à trouver ; par exemple, certaines sources indiquent que seul le volume 1 est connu pour exister dans des bibliothèques comme le MoMA. Chaque copie est unique car elle contient des œuvres d'art originales d'un artiste spécifique. Parmi les noms associés à ces cahiers figurent des figures telles que Bosch, Llucia, Mensa, Pellsjö et Amelia Riera. Les textes accompagnant les œuvres ont été écrits par d'importants critiques et personnalités du monde de l'art de l'époque, comme Vicente Aguilera Cerni et Carlos Vivo.

Luis Bosch Cruañas (Sant Feliù de Guíxols 1929 - Barcelone 2019). Il commence à peindre en autodidacte en 1947. Après avoir abandonné le style figuratif, il se consacre au dessin, travaillant sur des compositions géométriques à tendance abstraite. Son activité de conservateur est importante, d'abord en tant que secrétaire du Cercle Artístic de Sant Luc, puis en tant que directeur de la Fondation Miró, et enfin en tant qu'initiateur du Prix du Dessin « Juan Miró ».

En 1962, il fonde le groupe «Ciclo de Arte de Hoy», avec lequel il organise Man (Muestra de Arte Nuevo) qui tente de diffuser l’art des jeunes dans les circuits artistiques de Barcelone. En 1964, le groupe est sélectionné pour l’importante exposition collective Abstractos Catalanes à Barcelone, et en 1969 pour l’exposition Tendencia Esencialista, organisée à la Dirección General de Bellas Artes. Dans les années soixante, sa peinture devient plus matérielle : l’artiste invente le terme «neoforma» pour expliquer ses compositions dans lesquelles il insère des épaisseurs sur la toile et utilise des matières naturelles, comme des terres ou des pierres, ce qui rapproche sa production de la poétique des Cretti d’Alberto Burri.

Joaquim Llucià (Vidreres, Girona, 1929 - Barcelone, 1973) a été un artiste espagnol, connu pour son travail dans le domaine de la peinture et du collage.
Carrière et style artistique
Après une phase figurative, en 1958, Llucià s'est consacré à l'abstraction, notamment avec une œuvre intitulée Homenatge a Kasimir Malevič. Il a fréquemment utilisé la technique du collage, incorporant des matériaux tels que du papier aluminium ou des feuilles de laiton, tout en conservant une structure géométrique essentielle, qui a parfois été comparée au Minimal Art. Ses œuvres se caractérisent par des incisions nettes qui canalisent la composition.
Llucià a été un membre actif du groupe Cercle d'Art d'Avui et a promu diverses activités, notamment les prix Miró, à travers le Cercle Artístic de Sant Lluc.

Carlos Mensa (Barcelone, 1936 – 1982) a été un peintre espagnol autodidacte, connu pour son style figuratif qui mêle réalisme, expressionnisme et surréalisme dans une critique féroce et ironique de la société contemporaine.
Biographie et parcours artistique
Formation : Ayant grandi pendant la guerre civile espagnole, il a vécu une période d'exil qui a profondément marqué sa vision du monde. Il a commencé à peindre à plein temps en 1957, influencé de manière déterminante par une exposition de Giorgio de Chirico.
Groupes et expositions : En 1961, il a fondé le Grupo Síntesis. Il a entretenu un lien significatif avec l'Italie, où il a organisé sa première exposition personnelle en 1965. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans d'importantes institutions telles que le Museo Reina Sofía à Madrid et le MACBA à Barcelone.
Style et Thématiques
Sujets : Sa peinture met en scène des personnages emblématiques du pouvoir et de la bourgeoisie (généraux, prélats, toréadors, riches bourgeois) pour dénoncer leur hypocrisie.
Esthétique de la Surrealité : utilise l'absurde et le grotesque pour explorer les angoisses de l'homme moderne, les vérités obscures et la violence réprimée.
Technique : Elle se distingue par une très haute compétence technique, avec des descriptions minutieuses presque hyperréalistes des sujets au premier plan, souvent insérés dans des scénographies théâtrales ou métaphysiques caractérisées par des ombres profondes et des arches architecturales.
Symbolisme : L'utilisation obsessionnelle de la couleur rouge et la représentation du « collectionneur » comme métaphore du consumérisme effréné et de l'accumulation vide sont récurrentes.

Owe Pellsjö (1937–2011), sculpteur et peintre suédois connu pour ses œuvres en bronze et ses compositions abstraites.
Voici les détails principaux sur sa figure :
Biographie : Né à Jönköping, en Suède, en 1937, il a exercé activement dans la seconde moitié du XXe siècle jusqu'à sa disparition en 2011.
Style et œuvres : Il est surtout célèbre en tant que sculpteur, avec une production axée sur des sculptures et des reliefs en bronze, souvent caractérisés par des formes organiques ou abstraites. Il a également réalisé des peintures à l'huile sur toile et papier, privilégiant des motifs paysagers et des compositions chromatiques.
Présence dans les musées : ses œuvres sont incluses dans des collections prestigieuses, telles que celle du Moderna Museet de Stockholm et du MACBA (Musée d'art contemporain de Barcelone).
Marché de l'art : ses sculptures en bronze, souvent signées et numérotées, apparaissent fréquemment lors de ventes aux enchères d'art scandinaves et internationales (comme Bukowskis et Auctionet).
Il existe également un artiste contemporain qui signe sous le nom de Karpüseeler, dont le nom de famille réel est Pulejo (phonétiquement similaire), mais Owe Pellsjö reste la référence principale associée à ce nom spécifique dans la scène artistique internationale.

Amèlia Riera a appris à peindre dans l'atelier de Francisco Sainz de la Maza, à Barcelone, dans le panorama gris des années 50. Déjà dans les années 60, elle faisait partie du groupe initial du Cercle Artístic de Sant Lluc, toujours à Barcelone, et du Saló Femení d'Art Actual, promu par un collectif de peintres clairement contestataires, et a fondé, avec d'autres artistes, le MAN ou Mostres d'Art Nou. Depuis ce moment jusqu'à sa mort en 2019, Amèlia Riera a travaillé selon ce que le critique Juan Eduardo Cirlot qualifia de « peinture limite ». Face à l'abstraction informelle dominante à l'époque, elle a su élaborer un langage et une iconographie totalement uniques. Un monde mystérieux proche du surréalisme, toujours avec une perspective de genre. Amèlia Riera a été, à cet égard, une pionnière. Ses peintures présentent des êtres à mi-chemin entre le mannequin et la poupée articulée, avec des chaînes, des clôtures ou des cadenas, proches du sadomasochisme ou de la necrophilie. Un érotisme troublant dans un langage très proche du clair-obscur, avec une densité ou une texture matérielle prononcée. Les titres de certaines de ses séries sont significatifs, comme « Ex-votos », « Sade », « Eroticones », « Électrothermiques » ou « Vampirisme ».

Amèlia Riera a participé à de nombreuses initiatives collectives, ainsi qu'à des expositions individuelles, dans divers espaces du pays, comme le Saló de maig (1962), le Palau de la Virreina (1970) et la Galeria Dau al Set (1978), à Barcelone, ou le Palau Solterra (2005) à Torroella de Montgrí. Il faut noter la rétrospective présentée au Centro d'Arte Tecla Sala à L'Hospitalet de Llobregat (1995). Après sa mort, son travail a été mis en valeur lors d'expositions telles que celle présentée à l'Espai Volart de Barcelone (2010) et au La Virreina Centre de la Imatge de Barcelone (2022). Son œuvre est présente dans des collections telles que celles de la Fundació Vila Casas, du Museu Nacional d'Art de Catalunya et du MACBA de Barcelone.