Ryan McGinley - Whistle for the Wind (MINT CONDITION, SHRINK-WRAPPED) - 2012

OPPORTUNITÉ RARE d’acheter ce FANTASTIQUE, GROS livre rétrospectif par le photographe culte Ryan McGinley de 2012 — en ÉTAT NEUF.

Neuf, parfait, non lu ; encore sous film plastique d’origine de l’éditeur.
ÉTAT DE COLLECTOR.

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Schirmer et Mosel, Munich. 2012. Première édition allemande, première impression.

Reliure avec jaquette. 278 x 313 mm. 240 pages. 166 photos. Photos : Ryan McGinley. Avec des textes de John Kelsey, Chris Kraus et Gus Van Sant. Texte en allemand.

Magnifique livre de photographie — en parfait état.

« Ryan McGinley, né en 1977, est un photographe américain et vit à New York. Il commence à prendre des photos en 1998. En 2003, à l’âge de 25 ans, il est l’un des plus jeunes artistes à présenter une exposition personnelle au Whitney Museum of American Art. Il est nommé Photographer of the Year en 2003 par American Photo Magazine. En 2007, il reçoit le Young Photographer Infinity Award du International Center of Photography. En 2009, il est honoré lors du Young Collectors Council’s Artists Ball au Guggenheim Museum. Un article de GQ en 2014 le déclare « le photographe le plus important d’Amérique ». »
McGinley est né à Ramsey, New Jersey et est le plus jeune de huit enfants. Dès son plus jeune âge, ses pairs et mentors étaient des skateboarders, des graffeurs, des musiciens et des artistes considérés comme margins de la société. Adolescent, McGinley était moniteur de snowboard au Campgaw Mountain, New Jersey et a participé aux circuits amateurs de la côte Est de 1992 à 1995. Il s’est inscrit comme étudiant en design graphique à la Parsons School of Design à New York en 1997. En 1998, il déménage dans East Village, et couvre les murs de son appartement avec des photos Polaroid de toutes les personnes qui y venaient.
En 1998, McGinley révèle son orientation homosexuelle, expliquant qu’il a d’abord eu du mal à trouver d’autres personnes dans la communauté queer avec qui se connecter. Après avoir découvert les orientations sexuelles de certains de ses amis, il a pu entrer en contact avec d’autres qui partageaient des expériences similaires. Cette expérience inspirera plus tard son travail et son expression créative.
En tant qu’étudiant à Parsons, McGinley commence à expérimenter la photographie. En 1999, il réunit ces premières images dans un livre autogéré et auto-publié intitulé The Kids Are Alright, tiré d’un film sur The Who. Il organise sa première exposition publique en 2000 au 420 West Broadway à Manhattan lors d’un vernissage DIY. Une copie de The Kids Are Alright est offerte à la chercheuse et conservatrice Sylvia Wolf, qui organise plus tard l’exposition solo de McGinley au Whitney. Dans un essai sur McGinley, Wolf écrit : « Les skateboarders, musiciens, graffeurs et personnes gay de ses premières œuvres savent ce que cela signifie d’être photographié. [... ] Ses sujets se produisent devant la caméra et explorent leur être avec une conscience de soi aiguë, résolument contemporaine. Ils sont avertis en matière de culture visuelle, conscients que l’identité peut être non seulement communiquée mais créée. Ils sont des collaborateurs volontaires. » Alors qu’il était étudiant à Parsons, McGinley était également rédacteur photo adjoint chez Vice magazine de 2000 à 2002.
McGinley est un ami de longue date des artistes du Lower Manhattan Dan Colen et du regretté Dash Snow. McGinley a déclaré de Snow : « Je deviens probablement obsédé par les gens, et je suis vraiment devenu fasciné par Dash. »
Ariel Levy, écrivant dans New York magazine sur l’ami et collaborateur de McGinley, Snow, a déclaré : « Les gens tombent amoureux du travail de McGinley parce qu’il raconte une histoire de libération et d’hédonisme : alors que Goldin et Larry Clark disaient quelque chose de douloureux et générateur d’anxiété sur Kids et ce qui se passe lorsqu’ils prennent des drogues et ont des rapports dans un univers urbain hors contrôle, McGinley a commencé par annoncer que « The Kids Are Alright », fantastique, vraiment, et a suggéré qu’une sous-culture joyeuse et sans entraves pouvait être juste au coin de la rue — « encore » — si seulement on savait où regarder.
Le travail précoce de McGinley a été principalement réalisé sur pellicule 35 mm et avec des Yashica T4 et Leica R8. Depuis 2004, le style de McGinley est passé de la documentation de ses amis dans des situations réelles à la création de situations envisagées qui peuvent être photographiées. Il met en scène ses sujets lors de festivals de rock, d’écoles d’art et lors de castings dans la rue en villes. Pour décrire l’essence de la jeunesse et de l’aventure au cœur de l’œuvre de McGinley, Jeffrey Kluger a écrit dans Time : « La photographie consiste à figer un moment dans le temps ; celle de McGinley consiste à figer une étape dans une vie. Jeune et beau est aussi éphémère qu’un coup de appareil — et donc d’autant plus digne d’être préservé. » En 2007, le critique Philip Gefter écrivait : « Il était une mouche sur le mur. Mais il a commencé à diriger les activités, photographiant ses sujets dans un mode cinéma-vérité. « J’en suis arrivé au point où je ne pouvais plus attendre que les photos se fassent elles-mêmes, » disait-il. « Je perdais du temps, et j’ai donc commencé à faire que les photos se produisent. Cela flirte entre être mis en scène ou vraiment réel. Il y a cette fine ligne. » La transition vers un travail mettant l’accent sur une pré-production lourde est incarnée dans la célèbre série de road trips d’été à travers le pays. Dans un entretien de 2014, GQ disait : « Ses road trips, légendaires parmi les créatifs urbains de moins de 30 ans (ils connaissent tous quelqu’un qui connaît quelqu’un qui y est allé), sont devenus des occasions estivales annuelles depuis près d’une décennie. McGinley et ses assistants commencent à planifier le voyage en janvier. Ils consultent des cartes, des journaux, des guides de voyage. Tout commence généralement par un désir précis — vouloir photographier des enfants dans un cyprès avec de la mousse espagnole, par exemple — et le voyage lui-même est tracé en fonction de l’endroit où l’on peut trouver un tel décor. » Au fur et à mesure que McGinley poursuivait la série, il a commencé à intégrer différents éléments dans ses photos, comme des feux d’artifice, des animaux et des lieux extrêmes tels que des grottes.
Lors d’un entretien avec le réalisateur Gus Van Sant, McGinley a décrit sa pratique consistant à prendre des photos sur la route et en dehors de son studio basé à New York : « Une grande partie de ce que je fais consiste à me retirer, ainsi que les autres, de la ville. Emmener les gens dans ces lieux magnifiques et isolés, être ensemble pendant de longues périodes, obtenir cette intimité, et faire toutes ces activités intenses ensemble chaque jour. D’une certaine façon, c’est comme un camp d’été bizarre ou comme une tournée de rock band ou un cirque itinérant. Ce sont toutes ces choses réunies. Simplement sortir tout le monde de son élément pour que toute l’attention leur soit entièrement consacrée. »
En 2009, McGinley retourne au studio alors qu’il commence à expérimenter dans le cadre de la photographie de portrait traditionnelle en studio. C’était aussi le début de ce qui deviendra, en 2010, une pratique de photographie entièrement numérique, son exposition de 2010 Everybody Knows This Is Nowhere, à Team Gallery à NYC, où il présente sa première collection de nus en noir et blanc. La série marque un changement significatif dans le style et la production des photographies de McGinley. Son travail continu dans le domaine du portrait en studio numérique a finalement évolué vers sa série Yearbook. Team Gallery décrit l’installation de 2014 comme « (...) une œuvre unique consistant en plus de cinq cents portraits en studio de quelque deux cents modèles, toujours nus, imprimés sur vinyle et collés à chaque millimètre disponible des murs et plafonds de la galerie. L’effet de l’installation est extrêmement impressionnant par sa puissance visuelle autonome, une entité enveloppante qui inonde l’espace entier de couleurs et de formes audacieuses. Bien que l’abondance même des images disponibles rende une lecture totale impossible, il n’y a jamais de sentiment d’incomplétude, chaque image individuelle fonctionnant de manière autonome, offrant au spectateur l’accès à un moment délicat, autrefois privé. » Yearbook est une exposition itinérante, et bien qu’elle ait évolué en taille et en processus de mise en œuvre, elle a été présentée internationalement sous diverses formes à San Francisco ; Amersfoort, Pays-Bas ; Bâle, Suisse ; et Tokyo.
Tout au long de sa carrière, McGinley a travaillé avec diverses associations caritatives de premier plan. Influencé par le décès de son frère en 1995 dû à des complications liées au VIH/SIDA, McGinley est passionnément engagé pour lever des fonds pour la sensibilisation et la recherche sur le VIH/SIDA. Lors du gala amfAR de 2014, une photographie offerte par McGinley a été achetée par Miley Cyrus, qui a failli dépasser Tom Ford, pour un prix record. Toujours en 2014, McGinley a photographié Ines Rau, une personne transgenre, complètement nue pour une séance dans le magazine Playboy intitulée « Evolution ».
Ces dernières années, McGinley est devenu bien connu pour le cercle d’artistes jeunes et prospères qui l’entoure et entourent son studio, au point que le New York Times le décrit comme « le Pape du monde de l’art du Downtown ». McGinley décrit ses pratiques de mentorat comme : « D’une certaine manière, c’est un programme d’études, car je peux donner des conseils car moi-même je suis passé par là. »
En 2014, McGinley a prononcé la tribune lors de la cérémonie de remise des diplômes à la Parsons School of Design. Aux étudiants diplômés, il a donné ce conseil : « Dites oui à presque tout et essayez de nouvelles choses. N’ayez pas peur d’échouer, et n’ayez pas peur de travailler dur. Faites vos photos — ne cherchez pas à faire les photos de quelqu’un d’autre. Ne vous retrouvez pas perdu dans votre tête, et ne vous inquiétez pas de quel appareil vous utilisez. » Il ajouta : « J’ai entendu dire que le légendaire réalisateur indépendant Derek Jarman avait trois règles pour faire ses films d’art : « Présentez-vous tôt, maintenez votre propre lumière, et n’attendez pas d’être payé. » Cela m’a toujours marqué. Abordez l’art comme si c’était votre travail. Présentez-vous pour la photographie tous les jours pendant huit heures. Prenez-le aussi au sérieux qu’un médecin prendrait un médicament. » Depuis 2005, McGinley donne périodiquement des conférences et critique des travaux d’étudiants en MFA de photographie à l’Université Yale. Il est membre du programme Mentors de la School of Visual Arts.