TD - Tempero Diabetico [1985] - Fragmented Serenity

TD - Tempero Diabético de 1985, portugais et artiste urbain depuis 1999.
Fragmented Serenity est une œuvre peinte à la main sur toile de coton, réalisée au spray et avec quelques détails à la marqueur en encre acrylique, datant de 2026, mesurant 161x96 cm sur l’image. Signée à la main à l’arrière au moyen d’un feutre à base d’encre acrylique. Objet de collection en parfait état, vendu directement par l’artiste et accompagné d’un COA, certificat d’authenticité signé à la main et tamponné. Expédiée roulée dans un tube cartonné par un transporteur.

“Fragmented Serenity” Sérénité fragmentée en coups de pinceau anxieux, suggérant l’introspection et une identité dispersée

Je suis artiste d’art urbain, façonné par la rue, les erreurs et la persévérance. Depuis 1999, le graffiti fait partie de mon corps et de ma façon de voir le monde. J’ai commencé sur les murs, dans les espaces publics, dans le rythme effréné de la ville, et c’est là que j’ai développé un langage qui m’est propre, cru et intuitif. Avec le temps, ce langage a débordé sur les toiles, restant le spray comme outil principal, non comme simple décoration, mais comme une extension directe du geste, de l’urgence et de l’imperfection assumée.

J’ai des troubles du déficit de l’attention avec hyperactivité (TDAH), et le déficit d’attention est le trait le plus marquant de mon fonctionnement. Pendant de nombreuses années, j’ai vu cela comme un obstacle : la difficulté à maintenir le focus, l’attention erratique, l’esprit qui saute sans cesse d’un stimulus à l’autre. Peindre était une lutte constante contre moi-même, une tentative de discipliner quelque chose qui, par nature, refuse de se taire. Mon attention, lorsque je peins, est aléatoire et intermittente, parfois profondément plongée dans l’image, parfois complètement absente, comme si j’étais déjà dans une autre œuvre, une autre idée, un autre mur.

Avec le temps, j’ai cessé d’essayer de corriger ce fonctionnement et j’ai commencé à l’écouter. C’est alors que j’ai compris quelque chose d’essentiel : pour moi, une peinture ne se termine pas à la fin traditionnelle du processus. Il existe un point, quelque part entre 60 et 65 %, où l’œuvre atteint son état le plus honnête. C’est à ce moment-là que l’image respire encore, promet encore, ne s’est pas encore refermée sur elle-même. À partir de là, le plaisir disparaît. Continuer serait seulement répondre à une attente extérieure de finition, non à un besoin intérieur.

J’ai donc décidé de transformer ce que j’avais pendant des années considéré comme une limitation fondamentale de mon processus artistique. Mes toiles deviennent inachevées, non par négligence, mais par choix conscient. L’