Oliver Plehn - Las tres Gracias - Tríptico - XXL

Le triptyque Las tres Gracias a été réalisé avec de la peinture acrylique et de la peinture à l'huile sur trois toiles mesurant 163 cm x 97 cm chacune, en 2016. Signé par un lettrage noir sur chaque toile individuelle. Livré avec un certificat d'authenticité, état impeccable. L'œuvre est envoyée roulée dans un tube.

Œuvre originale contemporaine : triptyque intitulé « Las tres Gracias », composé de trois toiles au format vertical (chacune 163 × 97 cm).
Technique mixte : fond à l'acrylique avec des tons verdâtres jaunissants lumineux et des figures modelées à l'huile noire, créant un fort contraste matérial et expressif. Les formes sombres émergent du fond comme des silhouettes gestuelles, mettant l'accent sur la carnalité, la tension corporelle et le mouvement.
Inspirée du mythe classique des Trois Grâce (Charites : déesses de l'enchantement, de la beauté, de la joie et de l'abondance), cette version contemporaine représente trois figures féminines dans des postures dynamiques et vulnérables — dos tournés, en torsion ou de face —, comme une séquence de danse ou de rite évoquant force, sensualité et fragilité humaine. Les trois pièces forment une narration unifiée, reliée visuellement par la continuité chromatique et formelle, invitant à une lecture moderne de l'idéal de grâce et d'harmonie.
Style : figuration expressive actuelle avec influences matériales et de l’expressionnisme corporel. Une réinterprétation personnelle et puissante du thème classique des « Las tres Gracias », idéale pour les collectionneurs d'art contemporain figuratif, les pièces de grand format ou l'art émergent avec des racines mythologiques.
Expédition emballée de manière professionnelle (boîte en bois ou équivalent pour une protection maximale).
Pièce unique de grand impact visuel, directement du créateur !

ESPACES DU ÊTRE : PORTRAITS DE FRAGILITÉ ET DE FORCE
Par Antonio Sánchez. Directeur et conservateur de la 1819 Art Gallery
La collection qui nous occupe est un compendium émouvant d'œuvres qui explorent la profondeur de la condition humaine à travers des portraits et des figures chargés de symbolisme. Ces pièces s'entrelacent avec une narration visuelle qui déploie une palette de couleurs subtiles et souvent sombres, évoquant des états d'âme introspectifs et contemplatifs. La dextérité technique révèle non seulement la maîtrise du médium, mais aussi une intense connexion émotionnelle entre l'artiste et ses sujets, chacun porteur d'une histoire silencieuse mais palpable.
Les textures et les techniques utilisées varient du doux flou au marquage agressif, ce qui reflète la diversité des émotions humaines et la complexité de nos expériences. Les traits, qu'ils soient fermes ou tremblants, associés à l'interaction de la lumière et de l'ombre, construisent une atmosphère qui transcende le visuel pour toucher l'âme du spectateur.
L'œuvre oscille entre la représentation littérale et l'abstraction, permettant à l'esprit du spectateur de combler les vides, encourageant une participation plus profonde. L'usage intentionnel d'éléments discordants ou inattendus, comme un couteau traversant le visage d'une figure, défie nos perceptions et provoque une réflexion introspective sur ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social.
La collection dans son ensemble sert de miroir de la fragilité et de la force inhérentes à l'esprit humain. Chaque pièce, tout en restant unique dans son expression, contribue à un dialogue plus large sur la résistance et la vulnérabilité. Le choix des sujets, depuis des figures humaines jusqu'à des représentations d'animaux, chacun imprégné d'une profonde émotivité, amplifie ce dialogue, suggérant une universalité de nos expériences émotionnelles.
Cet ensemble d’œuvres, au-delà d’être simplement une démonstration de compétence technique, est un témoignage du pouvoir de l'art à émouvoir, connecter et mettre en question. La collection ne se contente pas de capturer la beauté esthétique de ses sujets, mais agit aussi comme un catalyseur pour l'exploration personnelle et collective d'émotions profondes et souvent contradictoires. Ce faisant, ces œuvres invitent les spectateurs à affronter l'inconnu qui est en eux-mêmes et dans le monde qui les entoure, offrant un espace de reconnaissance et de catharsis.

Biographie de l'Artiste – Oliver Plehn
L'œuvre du peintre et dessinateur allemand Oliver Plehn se caractérise par des représentations expressives du corps humain et animal. Les visages et les corps forment le cœur de son univers artistique : puissants, sensibles et pleins de profondeur psychologique. Depuis son enfance, les images des expressionnistes allemands l'ont influencé, dont l'immédiateté émotionnelle et la liberté formelle restent une référence dans son langage artistique jusqu'à aujourd'hui.
Jeune, Plehn a décidé de devenir artiste et de garder son indépendance créative. En plus d'étudier la peinture et le dessin dans des écoles d'art, il a suivi des études en sciences naturelles, ce qui lui a permis une indépendance professionnelle et une liberté artistique. Au début des années 1990, une bourse dans le domaine de la mécanique quantique l'a conduit à Madrid.
Oliver Plehn vit avec sa femme et ses deux filles dans le quartier madrilène de Carabanchel Alto.
Déclaration Artistique
Mon travail naît de l'élan de comprendre l'existence humaine dans son intérieur le plus profond et contradictoire. Tout au long de ma carrière, j'ai exploré le portrait comme un moyen de révéler non seulement ce qui est visible, mais aussi ce qui est caché : émotions refoulées, cicatrices de l'âme, gestes de résistance silencieuse. Je peins à partir de la fragilité, de cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent sans permission.
Je ne suis pas intéressé par capturer des visages parfaits, mais par la présence, celle qui parle de ce qui reste non dit. Les silences m'attirent, les regards porteurs d'histoires, les corps qui vibrent avec ce qui a été vécu. Chaque œuvre est pour moi une tentative de dialogue avec l'inconnu, ce territoire intérieur dont nous essayons souvent d'échapper.
Mon objectif en tant qu'artiste est de créer des images qui ne soient pas seulement regardées, mais qui interrogent le spectateur. Je veux qu'elles agissent comme des miroirs dans lesquels on peut se reconnaître, même dans l'inquiétude ou le malaise. Je travaille de manière figurative, oui, mais je cherche en cela l'ouverture au mystère, au doute, à l'émotion qui ne trouve pas de mots.
Je sens que l'art a le pouvoir de guérir, de révéler et d'accompagner. En ce sens, ma pratique est aussi une forme de soin : pour moi-même, et pour tous ceux qui s'approchent de ces images avec le cœur ouvert.
Expositions
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Présence en ligne sur Artsy
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Présence en ligne sur Flecha.es
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Présence en ligne sur 1819 Art Gallery
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« Aqua versus Terra », du 1er au 30 septembre 2025, Madrid
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« Madrid Oculto », du 1er juin au 15 juillet 2025, Madrid
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« The Gods of Muay Thai and a Strange One », du 1er décembre 2022 au 6 janvier 2023, Madrid
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Exposition à la Yale Graduate School of Art, mars 2021
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Exposition individuelle à l'Aéroport International Madrid-Barajas « Faces of the World », du 30 décembre 2019 au 7 février 2020
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Exposition individuelle « The Passion of the Christ » dans l’église allemande Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
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Exposition à la United Artist Fair 2019 à la Casa de Cantabria, Madrid, février 2019
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Exposition de peintures dans Calle Serrano, Madrid, décembre 2018 – février 2019
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Exposition individuelle de peintures à Madrid, Espagne, novembre 2018
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Exposition de peintures à Madrid, Espagne, Calle Serrano, novembre 2016 – janvier 2017