Oliver Plehn - Caballero XL

Le tableau Caballero a été réalisé au crayon charcoal et gouache sur une toile de 100 cm x 81 cm en 2026. Signé par un lettrage noir en bas à droite. Livré avec un certificat d’authenticité, état impeccable. L’œuvre est envoyée roulée dans un tube.

Dans Caballero XL, Oliver Plehn capture un moment de résistance crue et viscérale : le guerrier est tombé au sol, mais ne se rend pas. À genoux ou allongé, il brandit l’épée avec fermeté et lève le bouclier en défense, son armure — traitée avec des coups de crayon intenses et des touches vibrantes de gouache dans des bleus profonds et des gris éthérés — transmet le poids du combat et, en même temps, une volonté inébranlable. La figure n’est pas vaincue; elle est à la frontière, se protégeant de tout ce qui lui reste, incarnant cette dualité entre fragilité physique et force indomptable de l’esprit.

Cette œuvre fait partie de la série « Miroirs de l’Être : Portraits de Fragilité et de Force », où, comme le souligne le curateur Antonio Sánchez (1819 Art Gallery), les pièces « oscillent entre représentation littérale et abstraction » pour provoquer une réflexion profonde sur « ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social ». Plehn, influencé par les expressionnistes allemands et avec un parcours comprenant des expositions à Yale Graduate School of Art, l’Aéroport Madrid-Barajas, Friedenskirche et une présence sur Artsy, Flecha.es et 1819 Art Gallery, peint « depuis la fragilité, depuis cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent ». Une pièce récente (2026) de grand format, avec une maîtrise technique en graphite et gouache, idéale pour les collectionneurs en quête d’art figuratif contemporain chargé de symbolisme psychologique : pas un héros invincible, mais quelqu’un qui, même sur le sol, continue de se battre. Un miroir puissant de notre propre capacité de résistance lorsque tout semble perdu.

Pièce unique d’un grand impact visuel, directement du créateur !

MIROIRS DE L’ÊTRE : PORTRAITS DE FRAGILITÉ ET DE FORCE
Par Antonio Sánchez. Directeur et curateur de 1819 Art Gallery
La collection qui nous occupe est un répertoire émotionnel d’œuvres explorant la profondeur de la condition humaine à travers des portraits et des figures chargés de symbolisme. Ces pièces s’entrelacent avec une narration visuelle qui déploie une palette de couleurs subtile et souvent sombre, évoquant des états d’âme introspectifs et contemplatifs. La maîtrise technique révèle non seulement la maîtrise du médium, mais aussi une connexion émotionnelle intense entre l’artiste et ses sujets, chacun porteur d’une histoire silencieuse mais palpable.

Les textures et les techniques utilisées varient du doux flou au marquage agressif, reflétant la diversité des émotions humaines et la complexité de nos expériences. Les traits, qu’ils soient fermes ou tremblants, ainsi que l’interaction entre lumière et ombre, créent une atmosphère qui transcende le visuel pour toucher l’âme du spectateur.

L’œuvre oscille entre représentation littérale et abstraction, permettant à l’esprit du spectateur de combler les vides, incitant à une participation plus profonde. L’usage délibéré d’éléments discordants ou inattendus, comme un couteau traversant le visage d’une figure, défie nos perceptions et provoque une réflexion introspective sur ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social.

La collection dans son ensemble sert de miroir à la fragilité et à la force inhérentes à l’esprit humain. Chaque pièce, tout en restant unique dans son expression, contribue à un dialogue plus large sur la résistance et la vulnérabilité. Le choix des sujets, depuis des figures humaines jusqu’à des représentations animales, chacun imprégné d’une profonde émotion, amplify ce dialogue, suggérant une universalité dans nos expériences émotionnelles.

Cet ensemble d’œuvres, bien au-delà d’une simple démonstration de compétence technique, est un témoignage du pouvoir de l’art à émouvoir, connecter et questionner. La collection ne se contente pas de capturer la beauté esthétique de ses sujets, mais agit aussi comme un catalyseur pour l’exploration personnelle et collective d’émotions profondes et souvent contradictoires. En faisant cela, ces œuvres invitent les spectateurs à confronter l’inconnu en eux-mêmes et dans le monde qui les entoure, offrant un espace de reconnaissance et de catharsis.

Biographie de l’Artiste – Oliver Plehn
Le travail du peintre et dessinateur allemand Oliver Plehn se caractérise par des représentations expressives du corps humain et animal. Les visages et les corps forment le cœur de son univers artistique : puissants, sensibles et pleins de profondeur psychologique. Depuis l’enfance, les images des expressionnistes allemands l’influencent, leur immédiateté émotionnelle et leur liberté formelle restant une référence dans son langage artistique jusqu’à aujourd’hui.

Dès son jeune âge, Plehn a choisi d’être artiste et de maintenir son indépendance créative. Outre des études en peinture et dessin dans des écoles d’art, il a suivi des formations en sciences naturelles, ce qui lui a permis une indépendance professionnelle et une liberté artistique. Au début des années 1990, une bourse dans le domaine de la mécanique quantique l’a amené à Madrid.
Oliver Plehn vit avec sa femme et ses deux filles dans le quartier madrilène de Carabanchel Alto.

Déclaration Artistique
Mon travail naît de l’élan de comprendre l’existence humaine dans son intérieur le plus profond et le plus contradictoire. Au cours de ma carrière, j’ai exploré le portrait comme un moyen de révéler non seulement ce qui est visible, mais aussi ce qui est caché : émotions refoulées, cicatrices de l’âme, gestes de résistance silencieuse. Je peins depuis la fragilité, depuis cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent sans permission.
Je ne m’intéresse pas à capturer des visages parfaits, mais à la présence, celle qui parle de ce qui reste non dit. Les silences me attirent, les regards qui portent des histoires, les corps qui vibrent avec ce qui a été vécu. Chaque œuvre est pour moi une tentative de dialogue avec l’inconnu, ce territoire intérieur auquel nous tentons souvent d’échapper.
Mon objectif en tant qu’artiste est de créer des images qui ne soient pas seulement regardées, mais qui interrogent le spectateur. Je veux qu’elles agissent comme des miroirs où l’on puisse se reconnaître, même dans l’inquiétude ou le malaise. Je travaille de manière figurative, oui, mais je recherche dans cela l’ouverture au mystère, au doute, à l’émotion qui ne trouve pas de mots.
Je sens que l’art a le pouvoir de guérir, de révéler et d’accompagner. En ce sens, ma pratique est aussi une forme de soin : pour moi-même, et pour tous ceux qui s’approchent de ces images avec le cœur ouvert.
Expositions
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Présence en ligne sur Artsy
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Présence en ligne sur Flecha.es
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Présence en ligne sur 1819 Art Gallery
•“Aqua versus Terra”, du 1er au 30 septembre 2025, Madrid
•“Madrid Obscur”, du 1er juin au 15 juillet 2025, Madrid
•“The Gods of Muay Thai and a Strange One”, du 1er décembre 2022 au 6 janvier 2023, Madrid
•Exposition à Yale Graduate School of Art, mars 2021
•Exposition individuelle à l’Aéroport International Madrid-Barajas "Faces of the World", du 30 décembre 2019 au 7 février 2020
•Exposition individuelle « The Passion of the Christ » à l’église allemande Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
•Exposition à la United Artist Fair 2019 à la Casa de Cantabria, Madrid, février 2019
•Exposition de peintures dans Calle Serrano, Madrid, décembre 2018 – février 2019
•Exposition individuelle de peintures à Madrid, Espagne, novembre 2018
•Exposition de peintures à Madrid, Espagne, Calle Serrano, novembre 2016 – janvier 2017