Volker Rossenbach - BIRDS

Le Narrative de Volker Rossenbach, entre références histo­riques d’art et une tendance à une expression interdisciplinaire

Il existe des parcours et des attitudes chez certains représentants de l’art contemporain qui conduisent à la constatation que l’approche figurative n’a pas nécessairement à être séparée des approches littéraire, philosophique, historique et sociologique, afin qu’elles puissent se fusionner pour offrir, surtout en raison de leur indétermination quant à leur rattachement à un seul domaine, une perspective inhabituelle. Non seulement cela : il existe des artistes qui ajoutent aussi le besoin absolument contemporain de se mesurer à des moyens moins traditionnels, moins orthodoxes – si l’on peut les nommer ainsi –, qui se distinguent nettement du style pictural qui en découle et pourtant restent incroyablement harmonieux et localisés dans une modernité désormais incontournable. Le protagoniste d’aujourd’hui est tout cela et bien plus encore, car il puise dans sa connaissance profonde de l’histoire de l’art et de la littérature et mélange les deux, alors qu’il reprend les intuitions et les théories des avant-gardes du XXe siècle.

Dans les premières décennies du XXe siècle, la société culturelle dut assister avec réticence à ce que toutes les convictions, les certitudes et les règles qui avaient façonné l’art jusqu’alors, sous la forme d’un mouvement nommé Dada, né en Suisse puis s’étendant à d’autres pays européens, adoptent une attitude dénigrante, sarcastique et polemique envers le système artistique de l’époque. Mis à part l’effet visuel qui s’ensuivait, fondé sur la transformation ironiques de n’importe quel objet en œuvre d’art, l’innovation résidait dans l’introduction ou plutôt la jonction d’autres disciplines dans l’expérimentation, que des auteurs comme Tristan Tzara, Hans Arp et Marcel Duchamp considéraient comme décisifs pour l’ensemble du mouvement. Le théâtre, la photographie, le collage et la photomontage furent les synergies anticipées par les dadaïstes et plus tard reprises par le Bauhaus, la grande et révolutionnaire école d’arts appliqués de la république de Weimar, en Allemagne, qui ne se contenta pas d’utiliser les intuitions de ses prédécesseurs de la mouvance suisse, mais décida aussi d’introduire de nombreuses autres techniques pouvant se connecter à l’art, comme l’avait déjà préfiguré une autre mouvement fondamental apparue peu avant, celle des Arts and Crafts. Comme les temps avaient changé et que la société avait subi une transformation profonde, il fut nécessaire pour le directeur Walter Gropius d’intégrer des disciplines telles que l’architecture, le théâtre, le graphisme, la publicité, la tissage, le travail des métaux et bien d’autres encore dans le programme d’études, disciplines qui, bien que considérées comme artisanales, étaient en parfaite harmonie avec l’art dans son sens le plus élevé et le plus global. Bien que le Bauhaus se soit formellement inspiré du De Stijl, sa démarche soulignait l’importance de la fusion des différentes formes d’expression, par laquelle il était possible de relier et d’introduire ces innovations qui ont commencé à s’imposer au fil des années et surtout après la Seconde Guerre mondiale. L’une d’entre elles fut l’art informatique, créé par un mathématicien et un philosophe, Ben Laposki et Manfred Frank, qui utilisaient des oscilloscopes pour générer des ondes lumineuses afin de produire des lignes artistiques indéterminées et abstraites; ces expériences n’étaient que le début d’un art numérique qui, dans un premier temps, fut considéré comme handicapé et comme un moyen d’expression inférieur, car accessible à tous. Aujourd’hui, il s’est cependant perfectionné et nécessite des compétences techniques particulières. Il trouve de nombreuses applications, de l’art au graphisme et à la publicité jusqu’aux installations multimédias, notamment pour ces artistes qui aiment expérimenter et fusionner différentes techniques, et il s’est ainsi mérité une place à l’avant-garde du monde de l’art contemporain. L’artiste allemand Volker Rossenbach a suivi un parcours professionnel qui l’a constamment mis en contact avec l’innovation, mais aussi avec son énergie spirituelle et culturelle, grâce à laquelle il s’est non seulement penché sur l’art mais aussi sur la littérature et l’histoire – des domaines toujours enchevêtrés avec une langue d’image classique, presque de style renaissant, qui fait appel à la technique numérique. Les possibilités infinies offertes aujourd’hui par l’art numérique et le besoin de revenir à une esthétique classique et traditionnelle – en quelque sorte à l’opposé des débuts de son usage pratique – façonnent son style visuel, qui naît de la fusion de dessins et de photographies enrichis de filtres et de textures, ensuite numérisés et assemblés dans Photoshop et Illustrator en une image, à laquelle il applique ensuite manuellement de la peinture acrylique, des feutres et de la craie afin de donner à l’œuvre son apparence finale. Ses travaux récents sont inspirés par des motifs tirés de la littérature internationale à forte teneur narrative, qu’il mêle à des citations et des références à des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, où son regard ironique et son interprétation, associées à des réflexions sur des thèmes actuels, ne manquent pas. Il semble presque que Volker Rossenbach veuille souligner que le passé, malgré des différences apparentes, n’est finalement pas si éloigné du présent. C’est peut-être la signification plus profonde de l’appellation qu’il a choisie pour son art, pour son approche picturale qui se compose de la technique mixte la plus actuelle, à savoir le narrativisme, dans lequel la tradition artistique étudiée au fil des années devient l’interprète des références à des pensées philosophiques et narratives d’auteurs du monde entier, pourvu qu’elles soient en accord avec le moment de l’exécution et qu’elles renvoient en même temps à l’observation sociologique et personnelle d’un monde qui paraît avancer trop vite pour s’arrêter et contempler la beauté du simple instant. Cette ligne de pensée traverse l’œuvre Mystwelt (Self-portrait on the Myst Island), dans laquelle Volker Rossenbach se représente de dos à l’appareil photo dans un décor qui rappelle l’œuvre célèbre du romancier allemand Caspar David Friedrich intitulée Wanderer au-dessus de la mer de brume; à la différence de l’artiste du XIXe siècle, l’œuvre est ici enrichie de détails métaphysiques qui symbolisent que tout, même lorsque tout est clairement visible et non enveloppé par le brouillard, peut représenter un mystère inexplicable, à moins d’avoir la patience et la volonté de s’arrêter et de regarder plus loin que la perception superficielle. La veste rappelle les superpositions de vide et de plénitude dans les visions surréalistes de René Magritte, tandis qu’en bas à droite l’une des figures de Giorgio De Chirico est discernable; l’œuvre constitue en substance une synthèse de la vie de Volker Rossenbach, un long voyage à travers l’histoire de l’art et les œuvres littéraires les plus captivantes, d’où émerge le message d’Antoine de Saint-Exupéry dans Le Petit Prince, à savoir que l’essentiel est invisible pour les yeux. Dans l’œuvre Le Bois des êtres magiques, il associe la somptueuse beauté de la nature à la présence d’animaux tropicaux tels que le papegaoy, les toucans et les caméléons, et place au centre l’image d’une peintre qui, par sa capacité à accepter la douleur, mais aussi parce qu’elle a durablement marqué l’histoire de l’art du XXe siècle, est présentée comme une héroïne presque surnaturelle – et je parle bien sûr de Frida Kahlo. À ses côtés, dans un monde futuriste, l’auteur insère une femme humanoïde, projection de ce à quoi pourrait ressembler l’être humain de demain dans un contexte où la vitalité de la nature est peut-être amoindrie par le manque de respect des hommes d’aujourd’hui envers elle. La magie à laquelle se réfère le titre traverse le temps, abolit les frontières et permet une vision transversale qui peut devenir un avertissement d’accorder davantage d’attention à l’avenir tout en conservant constamment l’harmonie et la vitalité du passé à l’esprit. Siddharta revêt quant à lui une double signification, car d’une part il s’agit d’une synthèse visuelle par Volker Rossenbach de l’œuvre d’Hermann Hesse à laquelle le titre fait référence, et d’autre part il exprime sa signification plus profonde, pour laquelle le petit roman était célèbre au moment de sa parution, à savoir la quête de soi, le désir de se trouver soi-même, l’orgueil de l’individu vis-à-vis du monde et de l’histoire, à une époque juste après la Seconde Guerre mondiale, où chaque certitude et chaque point de référence avait été perdues par les atrocités des nazis. Dans l’œuvre transparaît toute l’atmosphère mystique et orientale qui caractérise le roman, tout comme la symbolique de la liberté et le lien à l’essence vraie, suprême et spirituelle sur laquelle reposent les conclusions et la capacité d’auto-analyse de Siddharta; L’aspect mystique du personnage central du tableau est renforcé par l’utilisation de couleurs vives et intenses, ce qui renvoie à la philosophie hippie, raison pour laquelle le livre est souvent vu comme symbole des valeurs d’un mouvement qui a changé le monde. Volker Rossenbach a terminé ses études en 1969 dans le domaine du design graphique et, après avoir travaillé comme directeur artistique et directeur de création pour des agences internationales telles que Leo Burnett ou Grey, a fondé sa propre agence, l’E/B/D à Düsseldorf; ses œuvres, y compris la grande campagne Coca-Cola de 1976 à 1978, ont été primées à plusieurs reprises. Des œuvres de ses périodes plus expérimentales des premières années, il est maintenant parvenu à une approche plus figurative et traditionaliste, tout en conservant son penchant pour l’utilisation et la fusion d’expressions innovantes et non conventionnelles; il peut se prévaloir d’avoir participé à des expositions collectives et individuelles en Allemagne.

Texte : Marta Lock, Italie. Historiographe de l’art et curatrice.

Cette œuvre, BIRDS, fait partie de ma série de portraits avec un oiseau. La représentation est basée sur un dessin réalisé à partir d’un modèle vivant.
Mes images se trouvent dans les pays suivants : États‑Unis (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Canada (Montréal), Singapour, Taïwan, Finlande, Italie, France, Danemark, Belgique, Pays‑Bas, Hongrie, Pologne, Roumanie, Autriche, Luxembourg et à de nombreux endroits en Allemagne.

Expositions nationales et internationales.
Pour plus d’informations, voir rossenbachart sur le net