Volker Rossenbach - PortraitModern3XX

Le Narrativisme de Volker Rossenbach, entre références d’histoire de l’art et propension à une expression interdisciplinaire

Il existe des parcours de vie et des attitudes chez certains représentants de l’art contemporain qui mènent à la constatation que l’approche figurative n’a pas nécessairement à être séparée de l’approche littéraire, philosophique, historique et sociologique, de sorte qu’elles peuvent se fusionner pour offrir une perspective inhabituelle justement en raison de leur imprécision quant à leur classement dans un seul domaine. Non seulement cela : il existe des artistes qui ajoutent en outre ce souci tout à fait contemporain d’affronter des moyens moins traditionnels, moins orthodoxes — si l’on veut les nommer ainsi — qui se distinguent clairement du style pictural qui en résulte et restent néanmoins incroyablement harmonieux et situés dans une modernité désormais indispensable. Le protagoniste d’aujourd’hui est tout cela et bien plus encore, car il puise dans sa connaissance approfondie de l’histoire de l’art et de la littérature et mêle les deux, tout en assimilant les intuitions et les théories des avant-gardes du XXe siècle.

Dans les premières décennies du XXe siècle, la société culturelle dut assister avec réticence à ce que toutes les convictions, les certitudes et les règles qui avaient façonné l’art jusqu’alors, en tant que mouvement appelé Dadaïsme, né en Suisse, puis s’étendant à d’autres pays européens, adoptait une posture profanatrice, sarcastique et polemique envers le système de l’art de l’époque. Mis à part la représentation visuelle qui en résultait, fondée sur la transformation ironique de n’importe quel objet en œuvre d’art, l’innovation résidait dans l’introduction ou plutôt dans la connexion d’autres disciplines dans l’expérimentation, que des auteurs tels que Tristan Tzara, Hans Arp et Marcel Duchamp considéraient comme décisive pour l’ensemble du mouvement. Le théâtre, la photographie, le collage et la photomontage furent les synergies que les dadaïstes avaient anticipées et que plus tard le Bauhaus, la grande et révolutionnaire école d’arts appliqués de la République de Weimar en Allemagne, qui ne se borna pas à reprendre les intuitions de leurs prédécesseurs du courant suisse mais choisit d’introduire également de nombreuses autres techniques susceptibles de s’unir à l’art — comme l’avait déjà anticipé un autre mouvement fondamental apparu peu avant celui des Arts and Crafts —, à intégrer. Comme les époques avaient changé et que la société avait traversé une transformation en profondeur, il fut nécessaire pour le directeur Walter Gropius d’intégrer des disciplines comme l’architecture, le théâtre, le graphisme, la publicité, la tissage, le travail des métaux et bien d’autres encore dans le programme d’études, disciplines qui, bien que considérées comme artisanales, coïncidaient parfaitement avec l’art dans son sens le plus élevé et le plus étendu. Bien que le Bauhaus s’inspirât formellement du De Stijl, son courant mettait en valeur l’importance de la fusion de diverses formes d’expression, par lesquelles il était possible de réunir et d’introduire les innovations qui avaient commencé à s’ancrer au fil des années et surtout après la fin de la Seconde Guerre mondiale. L’une d’elles fut l’art informatique, créée par un mathématicien et un philosophe, Ben Laposki et Manfred Frank, qui, à l’aide d’oscilloscopes, utilisèrent des ondes lumineuses pour générer des lignes artistiques indéterminées et abstraites; ces expériences n’étaient que le début d’un art numérique qui fut initialement entravé et considéré comme un moyen d’expression inférieur, car accessible à tous. Aujourd’hui, il s’est toutefois perfectionné et exige des compétences techniques particulières. Il trouve de multiples domaines d’application, de l’art au graphisme et à la publicité, jusqu’aux installations multimédias, en particulier pour les artistes qui aiment expérimenter et fusionner différentes techniques, et il s’est ainsi taillé une place au sommet du monde de l’art contemporain. L’artiste allemand Volker Rossenbach a mené une carrière professionnelle qui l’a sans cesse mis en contact avec l’innovation, mais aussi avec sa vitalité intellectuelle et culturelle, grâce à laquelle il ne s’est pas contenté de l’art mais s’est aussi confronté à la littérature et à l’histoire — des domaines qui se mêlent toujours à une langue visuelle classique, presque de type renaissance, tout en utilisant les technologies numériques. Les possibilités infinies offertes par l’art numérique aujourd’hui et le besoin de revenir à une esthétique classique et traditionnelle — soit, d’une certaine manière, à l’opposé des débuts de son application pratique — caractérisent son style visuel, né de la fusion de dessins et de photos enrichis de filtres et de textures, ensuite numérisés et assemblés sous Photoshop et Illustrator pour donner naissance à une image finale, puis travaillés manuellement au moyen de couleurs acryliques, de feutres et de craie pour conférer à l’œuvre son aspect définitif. Ses travaux les plus récents s’inspirent de motifs tirés de la littérature internationale à forte teneur narrative, qu’il mêle à des citations et des références à des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, sans oublier son regard ironique et son interprétation, associée à des réflexions sur des thèmes actuels. Il semble presque que Volker Rossenbach veuille souligner que le passé, malgré ses différences extérieures, n’est finalement pas si éloigné du présent. Cela peut être la signification profonde du nom qu’il a choisi pour son art, pour son approche picturale qui se compose de la technique mixte la plus contemporaine, à savoir le narrativisme, dans lequel la tradition artistique étudiée au fil des années devient l’interprète des références à des pensées philosophi-narratives d’auteurs du monde entier, tant que celles-ci sont en accord avec le moment de l’exécution et renvoient en même temps à l’observation sociologique et personnelle d’un monde qui semble aller trop vite pour s’arrêter et contempler la beauté du plaisir de l’instant unique. Cette ligne de pensée parcourt l’œuvre Mystwelt (Self-portrait sur l’île Myst), où Volker Rossenbach se place de dos à la caméra dans une scène qui rappelle l’œuvre célèbre du romantique allemand Caspar David Friedrich intitulée Wanderer above the Sea of Fog; contrairement à l’artiste du XIXe siècle, l’œuvre ici est toutefois enrichie de détails métaphysiques qui symbolisent que tout, même si visible et non enveloppé par le brouillard, peut rester un mystérieux secret, à moins d’y mettre la patience et la volonté de s’arrêter et de regarder plus en profondeur que la simple perception. La veste rappelle les superpositions de vide et de plénitude dans les visions surréalistes de René Magritte, tandis qu’en bas à droite l’une des figures de Giorgio De Chirico est identifiable; l’œuvre constitue en fait une synthèse de la vie de Volker Rossenbach, un long voyage à travers l’histoire de l’art et les œuvres littéraires les plus captivantes, dont le message d’Antoine de Saint-Exupéry dans Le Petit Prince émerge, à savoir que l’essentiel est invisible pour les yeux. Dans l’œuvre Le Bois des créatures magiques, il associe la beauté colorée de la nature à la présence d’animaux tropicaux tels que le perroquet, les toucans et les caméléons, mettant au centre une image d’une peintresse, dont la capacité de vivre avec la douleur mais aussi le fait d’avoir durablement marqué l’histoire de l’art du XXe siècle la place au rang de presque héroïne surnaturelle — je parle bien sûr de Frida Kahlo. À ses côtés, dans un monde futuriste, l’auteur insère une sorte de femme humanoïde, projection de ce à quoi l’homme de demain pourrait ressembler dans un contexte où la vitalité de la nature pourrait être affaiblie en raison du manque d’attention de l’homme moderne envers elle. La magie à laquelle renvoie le titre traverse ainsi le temps, franchit les frontières et permet une vision transversale qui peut devenir un avertissement d’accorder plus d’attention à l’avenir tout en gardant à l’esprit l’harmonie et la vitalité du passé. Siddharta revêt une double signification, car d’une part il représente une synthèse visuelle de l’œuvre maîtresse d’Hermann Hesse, à laquelle le titre renvoie, et d’autre part c’est l’expression de sa signification plus profonde, pour laquelle le petit roman est devenu célèbre au moment de sa parution, à savoir la quête de soi, l’aspiration à se trouver, l’orgueil de l’individu par rapport au monde et à l’histoire, à une époque juste après la Seconde Guerre mondiale, où chaque certitude et chaque point de repère avaient été perdus en raison des atrocités nazies. Dans l’œuvre, toute l’atmosphère mystique et orientale qui caractérise le roman s’exprime, tout comme la symbolique de la liberté et le lien avec l’essence véritable, suprême et spirituelle sur laquelle reposent les découvertes de Siddhartha et sa faculté d’autoanalyse; l’aspect mystique de la figure au centre du tableau est rendu encore plus impressionnant par l’emploi de couleurs vives et saturées, ce qui renvoie à la philosophie hippie, selon laquelle le livre est souvent perçu comme un symbole des valeurs d’un mouvement qui a changé le monde. Volker Rossenbach a terminé ses études en graphic design en 1969 et a fondé, après avoir travaillé comme directeur artistique et directeur créatif pour des agences internationales telles que Leo Burnett ou Grey, sa propre agence, E/B/D à Düsseldorf et ses œuvres, dont la grande campagne Coca-Cola de 1976 à 1978, ont été multiplement primées. Parmi ses travaux les plus expérimentaux de ses premières années de création, il est aujourd’hui revenu à une vision plus figurative et traditionnelle, tout en conservant son penchant pour l’emploi et le mélange de moyens d’expression innovants et non conventionnels; il peut se prévaloir de sa participation à des expositions collectives et individuelles en Allemagne.

Texte : Marta Lock, Italie. Historienne de l’art et curatrice.

Cette œuvre, PortraitModern3XX, fait partie de la série de portraits que j’appelle Die Darstellung. Elle est basée sur un dessin réalisé d’un modèle vivant.

Mes images se trouvent dans les pays suivants: États-Unis (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Canada (Montréal), Singapour, Taipei, Finlande, Italie, France, Danemark, Belgique, Pays-Bas, Hongrie, Pologne, Roumanie, Autriche, Luxembourg et de nombreux endroits en Allemagne.

Expositions nationales et internationales.
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