Volker Rossenbach - Selma und Louis

"Selma und Louis" est une œuvre de ma série Femmes avec des oiseaux exotiques. Il s’agit de peinture numérique combinée à des feutres acryliques et à des aquarelles.

Ce texte, rédigé par Marta Lock, une Commissaire italienne et historienne de l’art bien connue, nous introduit dans mon cosmos artistique.

Le narrativisme de Volker Rossenbach, entre références à l’histoire de l’art et propension à une expression interdisciplinaire

Il existe des chemins de vie et des attitudes chez certains représentants de l’art contemporain qui conduisent à la conviction que l’approche figurative n’a pas nécessairement à être séparée des approches littéraire, philosophique, historique et sociologique, afin qu’elles puissent se fusionner pour offrir, précisément en raison de leur incertitude quant à leur classement dans un seul domaine, une perspective inhabituelle. Non seulement cela : il existe des artistes qui ajoutent en outre le besoin tout à fait contemporain de se mesurer à des moyens moins traditionnels, moins orthodoxes – si l’on peut les nommer ainsi –, qui se distinguent nettement du style pictural qui en découle et qui restent néanmoins incroyablement harmonieux et localisés dans une modernité désormais incontournable. Le protagoniste d’aujourd’hui est tout cela et bien plus encore, car il puise dans sa connaissance approfondie de l’histoire de l’art et de la littérature et mêle les deux, en reprenant les intuitions et les théories des avant-gardes du XXe siècle.

Dans les premières décennies du XXe siècle, la société culturelle dut assister réticente au fait que toutes les convictions, les certitudes et les règles qui avaient façonné l’art jusqu’alors commencèrent à prendre une position critique, grinçante et polémique envers le système artistique de l’époque, sous la forme d’un mouvement nommé Dada, né en Suisse puis étendu à d’autres pays européens. En dehors de la représentation visuelle qui reposait sur la transformation ironique de tout objet en œuvre d’art, l’innovation résidait dans l’introduction ou plutôt dans la fusion d’autres disciplines dans l’expérimentation, que des auteurs comme Tristan Tzara, Hans Arp et Marcel Duchamp considéraient comme déterminants pour l’ensemble du mouvement. Le théâtre, la photographie, le collage et la photomontage furent les synergies que les dadaïstes avaient préfiguré et que le Bauhaus, la grande et révolutionnaire école des arts appliqués de la République de Weimar en Allemagne, s’empressa d’intégrer, ne se limitant pas à utiliser les intuitions de leurs prédécesseurs suisses mais choisissant d’introduire aussi de nombreuses autres techniques associables à l’art, comme l’avait déjà préfiguré un autre mouvement fondamental apparu peu auparavant, celui des Arts and Crafts. Comme les temps avaient changé et que la société avait traversé une transformation profonde, il devint nécessaire pour le directeur Walter Gropius d’intégrer des disciplines telles que l’architecture, le théâtre, le graphisme, la publicité, la tissage, le travail des métaux et bien d’autres dans le programme d’études, disciplines qualifiées d’artisanales mais en harmonie parfaite avec l’art dans son sens le plus élevé et le plus étendu. Bien que le Bauhaus se soit formellement orienté vers le De Stijl, son chemin soulignait l’importance de la fusion des diverses formes d’expression afin de permettre l’union et l’introduction des innovations qui ont commencé à s’imposer au fil des années et surtout après la fin de la Seconde Guerre mondiale. L’une d’elles fut l’art numérique, créé par un mathématicien et un philosophe, Ben Laposki et Manfred Frank, qui utilisèrent des oscilloscopes pour générer des ondes lumineuses et produire des lignes artistiques indéterminées et abstraites; ces expériences n’étaient qu’un début d’une art numérique qui, au départ, était entravé et considéré comme un moyen d’expression de moindre valeur, car accessible à tous. Aujourd’hui, elle s’est perfectionnée et exige des compétences techniques particulières. Elle trouve de nombreuses applications, de l’art au graphisme et à la publicité jusqu’aux installations multimédias, notamment pour les artistes qui aiment expérimenter et fusionner différentes techniques, et elle s’est ainsi taillé une place au sommet du monde de l’art contemporain. L’artiste allemand Volker Rossenbach a suivi un parcours professionnel qui l’a toujours mis en contact avec l’innovation, mais aussi avec sa vitalité intellectuelle et culturelle, grâce à laquelle il s’est non seulement plongé dans l’art, mais aussi dans la littérature et l’histoire – des domaines constamment tissés avec un langage d’image classique, quasi renaissance, qui utilise toutefois la technologie numérique. Les possibilités infinies offertes par l’art numérique aujourd’hui et le besoin de revenir à une esthétique classique et traditionnelle – en d’autres termes, en contraste avec les débuts de son application pratique – marquent son style visuel, né de la fusion de dessins et de photographs, enrichis de filtres et de textures, ensuite numérisés et assemblés dans Photoshop et Illustrator pour former une image sur laquelle il agit ensuite manuellement avec des couleurs acryliques, des feutres et de la craie afin de lui donner son apparence finale. Ses œuvres les plus récentes s’inspirent de motifs de la littérature internationale au fort caractère narratif, qu’il mêle à des citations et à des références à des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, avec une vision ironique et une interprétation assorties de réflexions sur des sujets contemporains. On dirait presque que Volker Rossenbach veut souligner que le passé, malgré ses différences apparentes, n’est finalement pas si éloigné du présent. C’est peut-être le sens profond du terme qu’il a choisi pour son art: son approche picturale se compose de la technique mixte la plus actuelle, celle du narrativisme, dans lequel la tradition artistique étudiée au fil des années devient l’interprète des références à des pensées philosophiques et narratives d’auteurs du monde entier, pourvu que celles-ci soient en harmonie avec l’instant de l’exécution et qu’elles renvoient en même temps à l’observation sociologique et personnelle d’un monde qui semble aller trop vite pour pouvoir s’arrêter et contempler la beauté du simple instant. Cette idée traverse l’œuvre « Mystwelt » (Portrait au miroir sur l’île Myst), dans laquelle Volker Rossenbach se représente de dos à la caméra dans une mise en scène qui rappelle l’œuvre célèbre du romantique allemand Caspar David Friedrich intitulée « Wanderer au-dessus de la mer de brouillard » ; contrairement à l’artiste du XIXe siècle, l’œuvre ici est toutefois enrichie de détails métaphysiques qui symbolisent que tout, même s’il est clairement visible et non enveloppé par un rideau de brouillard, peut être un mystère inexplicable, à moins d’avoir la patience et la volonté de faire halte et de regarder plus loin que l’apparence superficielle. La veste rappelle les superpositions de vide et de plénitude dans les visions surréalistes de René Magritte, tandis qu’en bas à droite l’une des figures de Giorgio de Chirico est reconnaissable; l’œuvre constitue en substance une synthèse de la vie de Volker Rossenbach, un long voyage à travers l’histoire de l’art et les ouvrages littéraires les plus captivants, dont le message tiré d’ Antoine de Saint-Exupéry dans Le Petit Prince émerge: l’essentiel est invisible pour les yeux. Dans l’œuvre « La Forêt des êtres magiques », il unit la beauté colorée de la nature à la présence d’animaux tropicaux tels que des aras, des toucans et des caméléons, et place au centre l’image d’une peintre qui, par sa capacité à vivre la douleur, mais aussi parce qu’elle a durablement marqué l’histoire de l’art du XXe siècle, est présentée comme une héroïne presque surnaturelle – j’entends bien sûr Frida Kahlo. À ses côtés, dans un monde futuriste, l’auteur insère une sorte de femme humanoïde, projection de ce à quoi l’humain de demain pourrait ressembler dans un contexte où la vitalité de la nature serait peut-être amoindrie par le manque de respect de l’homme moderne envers elle. La magie vers laquelle se réfère le titre traverse ainsi le temps, abat les frontières et permet une vision transversale qui peut devenir un avertissement à accorder plus d’attention à l’avenir, tout en conservant sans cesse l’harmonie et la vitalité du passé à l’esprit. Siddharta revêt une double signification: d’une part, elle constitue une synthèse visuelle de Volker Rossenbach autour du chef-d’œuvre d’Hermann Hesse auquel le titre fait référence, et d’autre part elle exprime sa signification plus profonde, pour laquelle le petit roman est devenu célèbre au moment de sa publication: la quête de soi, le désir de se trouver, la fierté de l’individu face au monde et à l’histoire, à une époque immédiatement après la Seconde Guerre mondiale où chaque certitude et chaque point de repère avaient été perdus en raison des atrocités nazies. Dans l’œuvre, toute l’atmosphère mystique et orientale qui caractérise le roman s’exprime tout aussi bien que la symbolique de la liberté et le lien avec l’essence véritable, suprême et spirituelle sur laquelle se fondent les découvertes de Siddhartha et sa capacité d’auto-analyse; l’aspect mystique de la figure centrée sur le tableau devient encore plus impressionnant grâce à l’utilisation de couleurs vives et saturées, ce qui renvoie à la philosophie hippie et à laquelle le livre est souvent considéré comme symbole des valeurs d’un mouvement qui a changé le monde. Volker Rossenbach termina ses études en design graphique en 1969 et fonda, après avoir travaillé comme directeur artistique et directeur de création pour des agences internationales comme Leo Burnett ou Grey, sa propre agence, E/B/D à Düsseldorf; ses œuvres, y compris la grande campagne Coca-Cola de 1976 à 1978, furent plusieurs fois primées. Parmi ses travaux les plus expérimentaux de ses premières années, il est passé à une vision plus figurative et traditionnelle, tout en conservant son goût permanent pour l’utilisation et la fusion de moyens d’expression innovants et non conventionnels; il peut se prévaloir d’avoir participé à des expositions collectives et individuelles en Allemagne.

Mes images se trouvent dans les pays suivants : États-Unis (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Canada (Montréal), Singapour, Taipei, Finlande, Italie, France, Danemark, Belgique, Pays-Bas, Hongrie, Pologne, Roumanie, Autriche, Luxembourg et de nombreux lieux en Allemagne.

Expositions nationales et internationales.
Pour plus d’informations, voir rossenbachart sur le net