Volker Rossenbach - Birdland-Gambit

Le Narrativisme de Volker Rossenbach, entre références historiographiques de l’art et inclination à une expression interdisciplinaire

Il existe des parcours de vie et des attitudes chez certains représentants de l’art contemporain qui conduisent à la constatation selon laquelle l’approche figurative n’a pas nécessairement à être disjointe de l’approche littéraire, philosophique, historique et sociologique, afin qu’elles puissent se rejoindre pour offrir une perspective inhabituelle précisément en raison de leur imprécision quant à leur appartenance à un seul domaine. Non seulement cela : il existe des artistes qui ajoutent en outre le besoin résolument contemporain de se mesurer avec des moyens moins traditionnels, moins orthodoxes – si l’on peut dire – qui se distinguent nettement du style pictural qui en résulte, tout en restant incroyablement harmonieux et situés dans une modernité désormais incontournable. Le protagoniste d’aujourd’hui est tout cela et bien plus encore, car il puise dans sa profonde connaissance de l’histoire de l’art et de la littérature et mêle les deux, en intégrant les intuitions et les théories des avant-gardes du XXe siècle.

Dans les premières décennies du XXe siècle, la société culturelle dut assister malgré elle à ce que toutes les convictions, certitudes et règles qui avaient façonné l’art jusqu’alors, dans une mouvance appelée dadaïsme, apparue en Suisse puis s’étendit vers d’autres pays européens, adopta une posture dévalorisante, sarcastique et polémique envers le système de l’art de l’époque. Mis à part la représentation visuelle qui en résultait et qui reposait sur la transformation ironique de n’importe quel objet en œuvre d’art, l’Innovation résidait dans l’introduction ou plutôt dans la fusion d’autres disciplines dans l’expérimentation, que des auteurs comme Tristan Tzara, Hans Arp et Marcel Duchamp considéraient comme décisive pour l’ensemble du mouvement. Le théâtre, la photographie, le collage et le photomontage furent les synergies anticipées par les dadaïstes et plus tard reprises par le Bauhaus, la grande et révolutionnaire école des arts appliqués de la République de Weimar en Allemagne, qui ne se contenta pas d’utiliser les intuitions de leurs prédécesseurs de la mouvance suisse, mais choisit aussi d’introduire de nombreuses autres techniques pouvant être associées à l’art, comme le fit une autre mouvance fondamentale née peu auparavant, celle des Arts and Crafts. Les époques ayant changé et la société ayant connu une transformation profonde, il devint nécessaire pour le directeur Walter Gropius d’intégrer au programme des disciplines telles que l’architecture, le théâtre, le graphisme, la publicité, la tissage, le travail des métaux et bien d’autres, qui bien que considérées comme artisanales, étaient en parfaite harmonie avec l’art dans son sens le plus élevé et le plus global. Bien que le Bauhaus s’inspirât formellement de De Stijl, sa voie souligna l’importance de la fusion des diverses formes d’expression, par laquelle il était possible de relier et d’introduire les innovations qui commencèrent à prendre pied au fil des années et surtout après la fin de la Seconde Guerre mondiale. L’une d’entre elles fut l’art numérique, créé par un mathématicien et un philosophe, Ben Laposki et Manfred Frank, qui utilisaient des oscilloscopes et des ondes lumineuses pour générer des lignes artistiques abstraites et indéterminées; ces expériences n’étaient que le prélude à un art numérique qui fut d’abord entravé et considéré comme un moyen d’expression inférieur, car accessible à tous. Aujourd’hui, il s’est perfectionné et nécessite des compétences techniques particulières. Il trouve de multiples domaines d’application, de l’art au graphisme et à la publicité jusqu’aux installations multimédias, notamment pour les artistes qui aiment expérimenter et fusionner différentes techniques, et il s’est ainsi placé à l’avant-garde du monde de l’art contemporain. L’artiste allemand Volker Rossenbach a connu une trajectoire professionnelle qui l’a toujours mis en contact avec des innovations, mais aussi avec sa vitalité intellectuelle et culturelle, grâce à laquelle il s’est engagé non seulement dans l’art mais aussi dans la littérature et l’histoire – des domaines toujours mêlés à un langage pictural classique, presque renaissant, qui fait néanmoins usage des technologies numériques. Les possibilités infinies offertes aujourd’hui par l’art numérique et le besoin de revenir à une esthétique classique et traditionnelle – en somme, en exilant quelque peu les débuts de son usage pratique – marquent son style visuel, né de la fusion de dessins et de photographies enrichies de filtres et de textures, ensuite numérisées et assemblées dans Photoshop et Illustrator pour former une image à laquelle il applique ensuite manuellement des couleurs acryliques, des marqueurs et de la craie afin d’en conférer l’aspect final. Ses travaux les plus récents puisent dans des motifs tirés de la littérature internationale, fortement narratifs, qu’il mêle à des citations et à des références à des chefs-d’œuvre de l’histoire de l’art, sans omettre son regard ironique et son interprétation, associée à des réflexions sur des thèmes contemporains. On dirait presque que Volker Rossenbach veut souligner que le passé, malgré des apparences extérieures différentes, n’est finalement pas si éloigné du présent. C’est peut-être là la signification profonde du nom qu’il a donné à son art, pour sa démarche picturale issue de la technique mixte la plus actuelle, à savoir le narrativisme, dans lequel la tradition artistique étudiée au fil des années devient l’interprète des références à des pensées philosophiques et narratives d’auteurs du monde entier, dès lors qu’elles s’accordent avec le moment de l’exécution et qu’elles renvoient en même temps à l’observation sociologique et personnelle d’un monde qui semble aller trop vite pour pouvoir s’arrêter et contempler la beauté du simple moment. Cette logique traverse l’œuvre Mystwelt (Self-portrait sur l’île Myst), dans laquelle Volker Rossenbach se place dos à l’objectif dans un décor qui rappelle l’œuvre célèbre du romantique allemand Caspar David Friedrich intitulée Wanderer au-dessus de la mer de brouillard; contrairement à l’artiste du XIXe siècle, l’œuvre est ici enrichie de détails métaphysiques qui symbolisent que tout, même visible clairement et non enveloppé par le brouillard, peut constituer un mystère inexplicable, à moins d’avoir la patience et la volonté de s’arrêter et d’examiner plus profondément que le simple regard. La veste rappelle les superpositions de vide et de plénitude dans les visions surréalistes de René Magritte, tandis qu’en bas à droite l’une des figures de Giorgio De Chirico est identifiable; l’œuvre représente en substance une synthèse de la vie de Volker Rossenbach, un long voyage à travers l’histoire de l’art et les œuvres littéraires les plus captivantes, dont le message d’Antoine de Saint-Exupéry dans Le Petit Prince émerge, à savoir que l’essentiel est invisible pour les yeux. Dans l’œuvre Der Wald der magischen Wesen, il réunit la beauté colorée de la nature à la présence d’animaux tropicaux tels que le perroquet, les toucans et les caméléons, et place au centre l’image d’une peintre qui, par sa capacité à vivre avec la douleur et, aussi, parce qu’elle a durablement marqué l’histoire de l’art du XXe siècle, est présentée comme une héroïne presque surnaturelle – et je parle bien sûr de Frida Kahlo. En face d’elle, dans un monde futuriste, l’auteur introduit une sorte de femme humanoïde, projection de ce à quoi l’homme de demain pourrait ressembler dans un contexte où la vitalité de la nature peut être atténuée par le manque d’attention des êtres humains d’aujourd’hui envers elle. La magie à laquelle se réfère le titre traverse ainsi le temps, repousse les frontières et permet une vision transversale qui peut devenir un avertissement d’accorder davantage d’attention à l’avenir, tout en gardant à l’esprit l’harmonie et la vitalité du passé. Siddharta revêt quant à lui une double signification : d’une part, il s’agit d’une synthèse visuelle par Volker Rossenbach de l’œuvre maîtresse d’Hermann Hesse à laquelle se réfère le titre, et d’autre part, c’est l’expression de sa signification plus profonde, pour laquelle le petit roman est devenu célèbre au moment de sa publication, à savoir la quête de soi, le désir de se trouver soi-même, l’orgueil de l’individu face au monde et à l’histoire, à une époque juste après la Seconde Guerre mondiale où chaque certitude et chaque point d’appui avaient été perdus à cause des atrocités nazies. Dans l’œuvre se reflète toute l’atmosphère mystique et orientale qui caractérise le roman, tout comme la symbolique de la liberté et la référence à l’essence véritable, la plus haute et la plus spirituelle, sur laquelle reposaient l’illumination de Siddhartha et sa capacité d’auto-analyse; l’aspect mystique du personnage au centre du tableau est encore plus impressionnant grâce à l’utilisation de couleurs vives et riches, ce qui peut être attribué à la philosophie hippie, raison pour laquelle le livre a souvent été considéré comme un symbole des valeurs d’un mouvement qui a changé le monde. Volker Rossenbach a terminé ses études en design graphique en 1969 et a fondé, après avoir été directeur artistique et directeur créatif pour des agences internationales telles que Leo Burnett ou Grey, sa propre agence, E/B/D à Düsseldorf, et ses œuvres, dont la grande campagne Coca-Cola de 1976 à 1978, ont reçu de multiples distinctions. Des œuvres plus expérimentales de ses premières années de création, il en vient à une vision plus figurative et traditionnelle, tout en conservant sa tendance à utiliser et à mélanger des moyens d’expression innovants et non conventionnels; il peut faire état de sa participation à des expositions collectives et personnelles en Allemagne.

Texte : Marta Lock, Italie. Historienne de l’art et curatrice.

Cette œuvre, Birdland-Gambit, fait partie d’une série de portraits que j’ai réalisés avec unoiseau. La représentation est fondée sur un dessin d’un modèle vivant. Le cadre est composé d’un cadre en bois de chêne.

Mes tableaux se trouvent dans les pays suivants : États-Unis (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Canada (montréal), Singapour, Taipei, Finlande, Italie, France, Danemark, Belgique, Pays-Bas, Hongrie, Pologne, Roumanie, Autriche, Luxembourg et de nombreux lieux en Allemagne.

Expositions nationales et internationales.
Pour plus d’informations : rossenbachart sur le web