William Eggleston - Porträts - 2016

OPPORTUNITÉ RARE d’acheter ce fantastique titre William "Bill" Eggleston de 2016 - dans un EXCELLENT, TRES FRAIS ÉTAT.

Poétique, intemporel, mystérieux : les portraits de William Eggleston.

Scheidegger and Spiess. En collaboration avec la National Portrait Gallery, Londres. 2016.
Première édition allemande, première impression.

Relié (tel que publié). 280 x 275 mm. 184 pages. 89 photos en noir et blanc et 122 photos en couleur. Photos : William Eggleston. Édité par Philip Prodger. Avec une conversation de William Eggleston avec Phillip Prodger, Rose Shoshana, Maud Schuyler Clay et Lesley Young. Texte en allemand.

État :
Dedans comme dehors frais et sans défauts; plus léger signe d’utilisation. Pas de marques, pas de taches, pas de défauts remarquables. Dans l’ensemble, très bel état.

Superbe livre de photographie par William Eggleston - dans un état frais et merveilleux.

"William Eggleston, né en 1939, est un photographe américain. Il est largement crédité d’avoir accru la reconnaissance de la photographie en couleur comme moyen artistique légitime. Les livres d’Eggleston incluent William Eggleston’s Guide (1976) et The Democratic Forest (1989).
Eggleston a reçu une bourse Guggenheim en 1974, le Hasselblad Award en 1998, et la Fellowship honorifique de la Royal Photographic Society en 2003.
William Eggleston est né à Memphis, Tennessee et a grandi à Sumner, Mississippi. Son père était ingénieur et sa mère était la fille d’un juge local éminent. Enfant, Eggleston était introverti; il aimait jouer du piano, dessiner et travailler avec l’électronique. Dès son plus jeune âge, il était aussi attiré par les médias visuels et, selon les dires, aimait acheter des cartes postales et découper des images dans des magazines.
À l’âge de 15 ans, Eggleston fut envoyé au Webb School, un établissement en internat. Eggleston a ensuite évoqué peu de souvenirs chaleureux de l’école, déclarant à un journaliste : « Cela avait une sorte de routine spartiate pour « forger le caractère ». Je n’ai jamais su ce que cela supposait. C’était si cruel et stupide. C’était le genre d’endroit où l’on considérait qu’aimer la musique et la peinture était féminin. » Eggleston était inhabituel parmi ses pairs en délaissant les pursuits masculines traditionnels du Sud, pêche et sport, au profit d’activités artistiques et d’observation du monde. Néanmoins, Eggleston nota qu’il ne se sentait jamais comme un outsider. « Je n’ai jamais eu le sentiment de ne pas m’intégrer », dit-il à un journaliste, « mais probablement que non. » Eggleston a étudié à l’Université Vanderbilt pendant un an, au Delta State College pendant un semestre, et à l’Université du Mississippi pendant environ cinq ans, mais n’a obtenu aucun diplôme. Néanmoins, son intérêt pour la photographie prit racine lorsqu’un ami à Vanderbilt offrit à Eggleston un appareil Leica. Il fut initié à l’expressionnisme abstrait à Ole Miss par le peintre Tom Young.
Les débuts photographiques d’Eggleston furent inspirés par le travail du photographe d’origine suisse Robert Frank et par le livre du photographe français Henri Cartier-Bresson, The Decisive Moment. Eggleston se rappellera plus tard que le livre fut « le premier livre sérieux que j’ai trouvé, parmi tant de livres épouvantables… Je ne le comprenais pas du tout, puis cela a fait son chemin, et j’ai réalisé, mon Dieu, c’est un grand livre. » Photographe au départ en noir et blanc, Eggleston commença à expérimenter la couleur en 1965 et 1966 après avoir été initié au format par William Christenberry. Le film couleur diapositif devint son médium dominant à la fin des années 1960. Le développement en tant que photographe d’Eggleston semble s’être opéré en relative isolation par rapport à d’autres artistes. Dans une interview, John Szarkowski décrit sa première rencontre avec le jeune Eggleston en 1969 comme étant « absolument hors de nulle part ». Après avoir passé en revue le travail d’Eggleston (qu’il se rappelait comme une valise remplie d’impressions couleur « en pharmacie »), Szarkowski incita le Comité Photographie du MoMA à acheter l’une des photographies d’Eggleston.
En 1970, l’ami d’Eggleston, William Christenberry, le présenta à Walter Hopps, directeur de la Corcoran Gallery de Washington, D.C. Hopps raconta plus tard être « abasourdi » par le travail d’Eggleston : « Je n’avais jamais rien vu de tel. »
Eggleston enseigna à Harvard en 1973 et 1974, et c’est durant ces années qu’il découvrit l’impression par transfert de teinture ; il parcourait le tarif d’un laboratoire photographique à Chicago lorsqu’il lut sur le procédé. Comme Eggleston le rappellera plus tard : « Il était annoncé « du moins cher à l’impression ultime ». L’impression ultime était un transfert de teinture. Je suis monté là-bas pour regarder et tout ce que je voyais était du travail commercial comme des photos de paquets de cigarettes ou de flacons de parfum mais la saturation des couleurs et la qualité de l’encre étaient accablantes. Je ne voyais pas attendre de voir à quoi ressemblerait une simple photo d’Eggleston avec le même procédé. Chaque photo que j’ai ensuite imprimée avec ce procédé semblait fantastique et chacune semblait meilleure que la précédente. » Le procédé de transfert de teinture a donné lieu à certaines des œuvres les plus saisissantes et célèbres d’Eggleston, comme sa photographie de 1973 intitulée The Red Ceiling, que Eggleston a décrite ainsi : « The Red Ceiling est si puissant qu’en réalité, je ne l’ai jamais vue reproduite sur une page à ma satisfaction. Quand on regarde la teinture, c’est comme du sang rouge qui mouille le mur... Un peu de rouge suffit généralement, mais travailler sur une surface entière rouge était un défi. »
À Harvard, Eggleston prépara son premier portfolio, intitulé 14 Pictures (1974). Les œuvres d’Eggleston furent exposées au MoMA en 1976. Bien que cela fût plus de trois décennies après l’exposition solo de color photography par Eliot Porter au MoMA et une décennie après que le MoMA eut exposé des photographies en couleur d’Ernst Haas, le récit selon lequel l’exposition d’Eggleston fut la première exposition de couleur du MoMA est souvent répété, et le spectacle de 1976 est considéré comme un tournant dans l’histoire de la photographie, marquant « l’acceptation de la photographie couleur par l’institution la plus validante » (d’après Mark Holborn).
Vers l’époque de son exposition au MoMA en 1976, Eggleston fut présenté à Viva, la « superstar » d’Andy Warhol, avec qui il entama une longue relation. Durant cette période, Eggleston fit connaissance avec le cercle d’Andy Warhol, une connexion qui pourrait avoir contribué à favoriser l’idée d’Eggleston de « l’appareil démocratique », suggère Mark Holborn. Toujours dans les années 1970, Eggleston expérimenta la vidéo, produisant plusieurs heures de séquences grossièrement montées qu’Eggleston appelle Stranded in Canton. L’écrivain Richard Woodward, qui a visionné ces images, les compare à un « film familial dément », mêlant des plans tendres de ses enfants à la maison avec des plans de fêtes imbibées, d’urination publique, et un homme qui arrache la tête d’un poulet devant une foule en délire à la Nouvelle-Orléans. Woodward suggère que le film reflète le « naturalisme sans peur » d’Eggleston — une croyance selon laquelle, en regardant patiemment ce que les autres ignorent ou évitent, des choses intéressantes peuvent être vues.
Les livres et portfolios publiés par Eggleston incluent Los Alamos (achevé en 1974, mais publié bien plus tard), William Eggleston’s Guide (le catalogue de l’exposition MoMA de 1976), le volumineux Election Eve (1977 ; un portfolio de photos prises autour de Plains, Géorgie, le siège rural de Jimmy Carter avant l’élection présidentielle de 1976), The Morals of Vision (1978), Flowers (1978), Wedgwood Blue (1979), Seven (1979), Troubled Waters (1980), The Louisiana Project (1980), William Eggleston’s Graceland (1984 ; une série de photographies commandées de Graceland d’Elvis Presley, montrant la maison du chanteur comme une tombe étouffante, dépourvue de fenêtres et dans un goût discutable sur mesure), The Democratic Forest (1989), Faulkner’s Mississippi (1990), et Ancient and Modern (1992).
Certaines de ses premières séries n’ont pas été exposées avant la fin des années 2000. The Nightclub Portraits (1973), une série de grands portraits en noir et blanc dans des bars et clubs autour de Memphis, n’a été en grande partie montrée qu’en 2005.[10] Lost and Found, partie de la série Los Alamos d’Eggleston, est un corpus de photographies resté inédit pendant des décennies car jusqu’en 2008 personne ne savaient qu’elles appartenaient à Walter Hopps ; les œuvres de cette série retracent des trajets que l’artiste a entrepris avec Hopps, partant de Memphis et allant jusqu’à la côte Ouest. Les photographies Election Eve d’Eggleston n’ont été éditées qu’en 2011.
Eggleston a aussi travaillé avec des réalisateurs, photographiant les plateaux du film Annie de John Huston (1982) et documentant la fabrication du film True Stories de David Byrne (1986).
En 2017, un album de musique d’Eggleston a été publié, Musik. Il comprend 13 « paysages sonores électroniques expérimentaux », « souvent des improvisations dramatiques sur des œuvres de Bach (son héros) et de Handel ainsi que ses interprétations singulières d’un air de Gilbert et Sullivan et du standard jazz On the Street Where You Live. »[13] Musik a été entièrement réalisé sur un synthétiseur Korg des années 1980, et enregistré sur des disquettes. La compilation Musik de 2017 a été produite par Tom Lunt et publiée sur Secretly Canadian. En 2018, Áine O’Dwyer a interprété la musique sur un orgue à l’église lors du festival de musique Big Ears à Knoxville.
L’œuvre mature d’Eggleston se caractérise par sa matière ordinaire. Comme Eudora Welty le nota dans son introduction à The Democratic Forest, une photographie d’Eggleston pourrait inclure « de vieux pneus, des machines Dr. Pepper, des climatiseurs abandonnés, des distributeurs, des bouteilles Coca-Cola vides et sales, des affiches déchirées, des poteaux et fils électriques, des barricades de rue, des panneaux Sens Interdiction de Stationner, des horodateurs et des palmiers qui envahissent le même trottoir. »
Eudora Welty suggère qu’Eggleston voit la complexité et la beauté du monde banal : « Les photographies extraordinaires, captivantes, honnêtes, belles et sans compromis concernent toutes la qualité de nos vies dans le monde quotidien : elles parviennent à nous montrer la structure du présent, telle une coupe transversale d’un arbre... Elles se concentrent sur le monde banal. Mais aucun sujet n’est plus porteur d’implications que le monde banal ! » Mark Holborn, dans sa préface à Ancient and Modern, écrit sur l’implication sombre de ces scènes banales telles qu’elles se révèlent à travers l’objectif d’Eggleston : « [Les] sujets sont, en surface, les habitants ordinaires et les environnements de la banlieue de Memphis et du Mississippi — amis, famille, barbecues, arrière-cours, une trottinette et le désordre du quotidien. L’ordinarité de ces sujets est trompeuse, car derrière les images il y a un sens de danger qui guette. » L’artiste américain Edward Ruscha a dit de l’œuvre d’Eggleston : « Quand vous voyez une photo qu’il a prise, vous pénétrez dans une sorte de monde hérissé qui ressemble au monde d’Eggleston. »
Selon Philip Gefter, d’Art & Auction, « Il convient de noter que Stephen Shore et William Eggleston, pionniers de la photographie en couleur au début des années 1970, ont emprunté, consciemment ou non, aux photoréalistes. Leur interprétation photographique du vernaculaire américain — stations-service, diners, parkings — était prédite par les peintures photoréalistes qui ont précédé leurs images. »
(Wikipedia)