Tijs Dragtsma (1992) - Facing the Radiant Double

FESTIVITÉS ET EXPÉDITION*

Facing the Radiant Double montre un homme coiffé d’un chapeau melon se tenant à côté de lui-même, ou à côté de quelque chose qui fut autrefois lui-même. La seconde silhouette flotte près, une ombre rendue d’un blanc pur, plus lumineuse que l’homme qui la projette. Tous deux restent isolés dans l’obscurité absolue, et l’effet est discrètement perturbant de la manière dont seul le monde de Magritte pourrait l’être.

L’image n’arrive pas par la peinture ou l’encre. Elle existe parce que le verre acrylique a été modifié, sa surface ouverte par des griffures contrôlées jusqu’à ce qu’une figure et son double radiants émergent de ce qui était autrefois une feuille intacte. Pas de peinture. Pas d’impression. Seulement enlèvement, et ce que révèle l’enlèvement.

À mesure que la lumière se déplace sur l’œuvre, son sens aussi. À certains angles, l’homme se dissout dans les ténèbres et seul son homologue lumineux demeure, calme et assuré. À d’autres, les rôles s’inversent, et l’homme apparemment solide devient faible, incertain à côté d’une version plus lumineuse de lui-même. La pièce ne se stabilise jamais. Elle demande qui est réel, et qui n’est que lumière reflétée.

Vu d’une pièce, l’œuvre se lit comme une image monumentale unique, calme et précise. Approchez-vous et elle se dissolve en un champ de griffures, des milliers de petits choix qui ne prennent sens qu’à distance. Ce passage entre totalité et fragmentation reflète le sujet même de l’œuvre, un homme confronté à une version de lui-même qu’il ne peut ni vraiment revendiquer ni vraiment nier.

Il y a quelque chose de tendre et d’angoissant à affronter une version plus lumineuse de soi-même, un soi dépouillé d’ombre, de doute et de poids. Face au Radiant Double, la série Art with Scratch continue, dans laquelle l’imagerie est construite par des dommages de surface contrôlés plutôt que par pigment ou impression. Un langage visuel où les dégâts ne sont pas une destruction, mais une structure.

"Certaines doubles ne nous hantent pas. Elles attendent simplement que la lumière change."

À propos d’Art with Scratch

Art with Scratch est un ensemble d’œuvres où l’image n’est pas dessinée, mais libérée. Gravée ligne par ligne sur une surface noire profonde, chaque pièce émergerait par d’innombrables griffures précises qui attrapent la lumière et font apparaître la forme dans l’obscurité.

À distance, l’image semble presque photographique. Puissante, reconnaissable et pleine de présence. Pourtant, de près, l’œuvre se dissout en des milliers de marques individuelles. Fine, fragile et presque sans poids. Ce qui paraissait solide se révèle comme une délicate toile de lignes, chacune étant un geste délibéré, chacune essentielle à l’ensemble.

La lumière est ce qui donne vie à cette œuvre. La surface noire absorbe, tandis que les lignes griffées reflètent. À mesure que la lumière se déplace sur la surface, l’image respire. D’un angle, la figure se tient nette et définie. D’un autre, elle s’adoucit, recule, disparaît presque dans l’obscurité dont elle est venue. Sous un projecteur concentré, le contraste s’accentue et l’image prend une qualité sculpturale, presque lumineuse.

Ce qui rend ce médium si captivant, c’est sa tension tranquille. L’acte de gratter est direct et irréversible. Chaque ligne est une décision qui ne peut être révoquée. Pourtant le résultat n’est pas rude. Il est intime, atmosphérique et vivant avec le mouvement. La dureté devient douceur. La destruction devient création. L’absence devient présence.

Dans des œuvres comme ce portrait, la figure n’est jamais complètement fixée. Par l’interaction de la ligne, de la lumière et de l’ombre, l’image se déplace avec la perspective et l’atmosphère. À certains moments, le sujet semble s’avancer hors du noir. À d’autres, il recule, ne laissant qu’un murmure de forme. C’est dans ce mouvement, entre visibilité et disparition, que l’œuvre prend vie.

Comme tous les matériaux touchés par le temps, la surface porte sa propre vie silencieuse. Chaque griffure contient un instant, une respiration, un geste. Ensemble, ils forment non seulement une image, mais une présence, qui continue de se révéler à chaque changement de lumière.

À propos de l’artiste

Je m’appelle Tijs Dragtsma, fondateur de TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis guidé par un désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style fixe, mais comme un champ en évolution de découverte où le matériel, la structure, la lumière et l’émotion se rejoignent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il parler d’une manière nouvelle ? Comment la dureté peut-elle devenir intimité ? Comment la précision peut-elle créer de l’émotion ? Cette quête est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein de TD Fine Art Studio, chaque ensemble de travaux est abordé comme son propre monde, avec sa propre logique, son atmosphere et son identité visuelle. Certains travaux sont construits par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, le reflet ou la tension. Ce qui les lie, c’est un engagement commun envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et sentiment. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon objectif n’est pas simplement de faire une image, mais de créer une œuvre qui retienne l’attention, invite à la réflexion et continue de se révéler avec le temps.

TD Fine Art Studio est l’espace où ces explorations se réunissent. Ce n’est pas seulement un studio, mais un univers artistique en évolution façonné par la curiosité, la précision et l’ambition de créer des œuvres qui paraissent distinctives, intentionnelles et vivantes.

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