Tijs Dragtsma (1992) - Curled Into Herself

Elle ramène ses genoux contre sa poitrine, et la couverture s’est glissée derrière elle, ne laissant que la forme qu’un corps peut prendre lorsqu’il se protège. Ce n’est pas un portrait de fragilité. C’est un portrait de l’instinct qui survit à lui-même, le même instinct qui recourbe un nouveau-né et soutient une vieille femme durant la nuit.

Pas de peinture. Pas d’empreinte. Pas d’encre. L’image est gravée dans la surface du verre acrylique, construite par retrait plutôt que par ajout, chaque griffure maîtrisée agissant comme un trait de lumière sur un champ de noir pur.

L’image est toujours présente, elle n’attend pas la lumière pour exister. Mais la lumière lui donne de la profondeur. Sous une source dirigée, les griffures accrochent et reflètent, le contraste s’accentue, et le corps plié semble se resserrer encore dans l’obscurité. Elle se lit différemment selon l’angle, sans jamais perdre l’image. La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affûte.

De l’autre côté d’une pièce, la silhouette se lit comme une forme monumentale, éclairée comme un sujet d’un tableau d’un vieux maître, isolée dans le noir. Approchez et cette forme se dissout dans un champ de dommages superficiels maîtrisés, une surface construite par le retrait qui ne se résout en image qu’à distance.

La pose est plus ancienne que n’importe quel corps unique. Se replier sur soi, c’est ce que nous faisons lorsque le monde demande trop, le chagrin, le froid, la maladie, l’âge lui-même. Aucune main n’atteint le cadre, aucune autre figure n’offre le réconfort, seulement une couverture qui est déjà tombée. Ce qui demeure, c’est une femme qui affronte directement sa vulnérabilité et se soutient elle-même à travers cela.

"Curled Into Herself" poursuit la série Art with Scratch par Tijs Dragtsma, dans laquelle l’imagerie est construite par un dommage de surface maîtrisé plutôt que par pigment ou impression.

"Un langage visuel où le dommage n’est pas destruction, mais structure."

À propos de Art with Scratch

Art with Scratch est un ensemble d’œuvres dans lequel l’image n’est pas dessinée, mais libérée. Taillée ligne après ligne dans une surface noire profonde, chaque œuvre apparaît par d’innombrables griffures précises qui captent la lumière et font éclore la forme à partir de l’obscurité.

Vue de loin, l’image paraît presque photographique. Puissante, reconnaissable et pleine de présence. Cependant, de près, l’œuvre se dissout dans un champ dense de marques individuelles. Fin, fragile et presque sans poids. Ce qui semblait solide se révèle comme une fine toile de lignes, chacune étant un geste délibéré, chacune essentielle à l’ensemble.

La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affûte. La surface noire absorbe, tandis que les lignes griffées reflètent. À mesure que la lumière se déplace sur la surface, l’image respire. D’un angle, la figure se tient nette et définie. D’un autre, elle s’adoucit et retourne au silence de l’obscurité d’où elle vient, sans jamais disparaître. Sous un faisceau de projecteur, le contraste s’intensifie et l’image prend une qualité sculpturale, presque lumineuse.

Ce qui rend ce médium si captivant, c’est sa tension tranquille. L’acte de gratter est direct et irréversible. Chaque ligne est une décision qu’on ne peut annuler. Et pourtant le résultat n’est pas abrupt. Il est intime, atmosphérique et vivant de mouvement. La dureté devient douceur. La destruction devient création. L’absence devient présence.

Dans des œuvres comme ce portrait, la figure n’est jamais entièrement figée. Par l’interaction de la ligne, de la lumière et de l’ombre, l’image se déplace selon la perspective et l’atmosphère. À certains moments, le sujet semble sortir du noir. À d’autres, il se replie dans le silence. C’est dans ce mouvement, entre netteté et calme, que l’œuvre prend vie.

Comme tous les matériaux touchés par le temps, la surface porte sa propre vie tranquille. Chaque griffure contient un moment, un souffle, un geste. Ensemble, elles forment non seulement une image, mais une présence, qui continue de se révéler à chaque changement de lumière.

À propos de l’artiste

Mon nom est Tijs Dragtsma, fondateur de TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis guidé par un désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style fixe, mais comme un domaine d’exploration en évolution où le matériel, la structure, la lumière et l’émotion se conjuguent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il parler d’une manière nouvelle. Comment la dureté peut-elle devenir intimité. Comment la précision peut-elle créer l’émotion. Cette recherche est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein de TD Fine Art Studio, chaque corps d’œuvre est approché comme son propre monde, avec sa logique, son atmosphère et son identité visuelle. Certaines œuvres se construisent par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, la réflexion ou la tension. Ce qui les relie, c’est un engagement commun envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et feeling. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon but n’est pas simplement de faire une image, mais de créer une œuvre qui retient l’attention, invite à la réflexion et continue de se révéler au fil du temps.

TD Fine Art Studio est l’espace où ces explorations se réunissent. Ce n’est pas seulement un studio, mais un univers artistique en évolution façonné par la curiosité, la précision et l’ambition de créer des œuvres qui paraissent distinctives, intentionnelles et vivantes.