Oliver Plehn - Caballero XL

Le tableau Le Chevalier a été réalisé au charbon et à l’aquarelle gouachée sur une toile de 100 cm x 81 cm en l’année 2026. Signé par un lettrage en noir en bas à droite. Il est accompagné d’un certificat d’authenticité, état impeccable. L’œuvre est envoyée roulée dans un tube.

Dans Caballero XL, Oliver Plehn capture un moment de résistance crue et viscérale: le guerrier est tombé au sol, mais il ne renonce pas. À genoux ou allongé, il serre son épée avec fermeté et lève son bouclier en défense; son armure — traitée avec des coups de charbon intenses et des touches vibrantes de gouache dans des bleus profonds et des gris éthérés — transmet le poids du combat et, en même temps, une volonté inébranlable. La figure n’est pas vaincue; elle est à la limite, se protégeant de tout ce qui lui reste, incarnant cette dualité de fragilité physique et de force indomptable de l’esprit.
Cette œuvre fait partie de la série « Miroirs de l’Etre: Portraits de Fragilité et de Grâce », où, comme le souligne le curateur Antonio Sánchez (1819 Art Gallery), les pièces « oscillent entre la représentation littérale et l’abstraction » pour provoquer une réflexion profonde sur « ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social ». Plehn, influencé par les expressionnistes allemands et avec un parcours qui comprend des expositions à Yale Graduate School of Art, Aéroport Madrid-Barajas, Friedenskirche et une présence sur Artsy, Flecha.es et 1819 Art Gallery, peint « depuis la fragilité, depuis cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent ».
Une pièce récente (2026) de grand format, avec une maîtrise technique en charbon et gouache, idéale pour les collectionneurs recherchant une art figuratif contemporain chargé de symbolisme psychologique: non pas un héros invincible, mais quelqu’un qui, même au sol, continue de se battre. Un miroir puissant de notre propre capacité de résistance lorsque tout semble perdu.

Pièce unique de grand impact visuel, directement du créateur!

ESPEJOS DEL SER: RETRATOS DE FRAGILIDAD Y FORTALEZA
Par Antonio Sánchez. Directeur et curateur de 1819 Art Gallery
La collection qui nous occupe est un répertoire émotif d’œuvres explorant la profondeur de la condition humaine à travers des portraits et des figures riches de symbolisme. Ces pièces s’entrelacent dans une narration visuelle qui déploie une palette de couleurs subtile et souvent sombre, évoquant des états d’âme introspectifs et contemplatifs. La virtuosité technique révèle non seulement la maîtrise du médium, mais aussi une connexion émotionnelle intense entre l’artiste et ses sujets, chacun porteur d’une histoire silencieuse mais palpable.
Les textures et les techniques utilisées varient du doux diffused au marqué de manière agressive, reflétant la diversité des émotions humaines et la complexité de nos expériences. Les tracés, qu’ils soient fermes ou tremblants, associés à l’interaction de la lumière et de l’ombre, créent une atmosphère qui transcende le visuel pour toucher l’âme du spectateur.
L’œuvre oscille entre la représentation littérale et l’abstraction, permettant à l’esprit du spectateur de combler les vides, encourageant une participation plus profonde. L’usage intentionnel d’éléments discordants ou inattendus, tels qu’un couteau traversant le visage d’une figure, défie nos perceptions et provoque une réflexion introspective sur ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social.
La collection dans son ensemble sert comme un miroir de la fragilité et de la force inhérente à l’esprit humain. Chaque pièce, bien que unique dans son expression, contribue à un dialogue plus large sur la résistance et la vulnérabilité. Le choix des sujets, allant de figures humaines à des représentations d’animaux, chacun imbibé d’une profonde évocation émotionnelle, amplify ce dialogue, suggérant une universalité dans nos expériences émotionnelles.
Cet ensemble d’œuvres, au-delà d’être une simple démonstration de compétence technique, est un témoignage du pouvoir de l’art à émouvoir, connecter et remettre en question. La collection ne se contente pas de capturer la beauté esthétique de ses sujets, mais agit aussi comme catalyseur pour l’exploration personnelle et collective d’émotions profondes et souvent contradictoires. En ce sens, ces œuvres invitent les spectateurs à affronter l’inconnu qui réside en eux et dans le monde qui les entoure, offrant un espace de reconnaissance et de catharsis.

Biographie de l’Artiste – Oliver Plehn
L’œuvre du peintre et dessinateur allemand Oliver Plehn se caractérise par des représentations expressives du corps humain et animal. Les visages et les corps forment le centre de son univers artistique: puissants, sensibles et pleins de profondeur psychologique. Depuis l’enfance, les images des expressionnistes allemands l’ont influencé, dont l’immédiateté émotionnelle et la liberté formelle demeurent des repères dans son langage artistique jusqu’à aujourd’hui.
Depuis sa jeunesse, Plehn a choisi d’être artiste et de maintenir son indépendance créative. En plus d’étudier la peinture et le dessin dans des écoles d’art, il a suivi des études en sciences naturelles, ce qui lui a permis une indépendance professionnelle et une liberté artistique. Au début des années 1990, une bourse dans le domaine de la mécanique quantique l’a mené à Madrid.
Oliver Plehn vit avec sa femme et ses deux filles dans le quartier madrilène de Carabanchel Alto.

Déclaration Artistique
Mon travail naît de l’impulsion de comprendre l’existence humaine dans son intérieur le plus profond et le plus contradictoire. Au fil de ma carrière, j’ai exploré le portrait comme un moyen de révéler non seulement ce qui est visible, mais aussi ce qui est caché: émotions refoulées, cicatrices de l’âme, gestes de résistance silencieuse. Je peins depuis la fragilité, depuis cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent sans permission.
Je ne cherche pas à capturer des visages parfaits, mais la présence, celle qui parle de ce qui reste non dit. Les silences m’attirent, les regards qui portent des histoires, les corps qui vibrent avec l’expérience vécue. Chaque œuvre est pour moi une tentative de dialogue avec l’inconnu, ce territoire intérieur auquel nous essayons souvent d’échapper.
Mon objectif en tant qu’artiste est de créer des images qui ne soient pas seulement observées, mais qui interpellent le spectateur. Je veux qu’elles agissent comme des miroirs où l’on peut se reconnaître, même dans l’inquiétude ou le malaise. Je travaille de manière figurative, oui, mais je cherche dans cela l’ouverture au mystère, au doute, à l’émotion qui ne trouve pas de mots.
Je sens que l’art a le pouvoir de guérir, de révéler et d’accompagner. En ce sens, ma pratique est aussi une forme de soin: pour moi-même, et pour tous ceux qui s’approchent de ces images le cœur ouvert.
Expositions
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Présence en ligne sur Artsy
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Présence en ligne sur Flecha.es
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Présence en ligne sur 1819 Art Gallery
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“Aqua versus Terra”, du 1er au 30 septembre 2025, Madrid
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“Madrid Occulto”, du 1er juin au 15 juillet 2025, Madrid
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“The Gods of Muay Thai and a Strange One”, du 1er décembre 2022 au 6 janvier 2023, Madrid
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Exposition à Yale Graduate School of Art, mars 2021
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Exposition individuelle à l’Aéroport International Madrid-Barajas « Faces of the World », du 30 décembre 2019 au 7 février 2020
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Exposition individuelle « The Passion of the Christ » dans l’église allemande Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
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Exposition à United Artist Fair 2019 à la Casa de Cantabria, Madrid, février 2019
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Exposition de peintures dans Calle Serrano, Madrid, décembre 2018 – février 2019
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Exposition individuelle de peintures à Madrid, Espagne, novembre 2018
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Exposition de peintures à Madrid, Espagne, Calle Serrano, novembre 2016 – janvier 2017