Oliver Plehn - Caballero con yoyo XL

Le tableau Caballero con yoyo a été réalisé au charbon et gouache sur une toile de 100 cm sur 81 cm en 2026. Signé par un lettrage noir en bas à droite. Il est accompagné d’un certificat d’authenticité, état impeccable. L’œuvre est envoyée roulée dans un tube.

Dans Caballero con yoyo, Oliver Plehn transforme la figure du guerrier classique en un symbole contemporain de contradiction humaine : l’armure dorée et robuste protège un corps vulnérable, presque organique, tandis qu’un yoyo innocent pend comme un rappel de la fragilité enfantine qui persiste sous la cuirasse. La palette vibrante — ocres chauds contre bleus profonds — et la texture expressive du gouache et du charbon créent une présence magnétique, oscillant entre force et délicatesse, entre le héroïsme et l’intimité.
Cette pièce fait partie de la puissante série « Miroirs de l’Être : Portraits de Fragilité et de Fortitude », louée par le conservateur Antonio Sánchez (1819 Art Gallery) comme « un témoignage du pouvoir de l’art à émouvoir, connecter et questionner ». Plehn, influencé par les expressionnistes allemands et avec une carrière internationale comprenant des expositions à la Yale Graduate School of Art, à l’aéroport Madrid-Barajas, Friedenskirche et une présence sur Artsy, Saatchi Art et 1819 Art Gallery, saisit dans chaque trait cette « présence qui parle de ce qui reste non dit ».
Une œuvre de 2026, récente et chargée de symbolisme actuel, idéale pour les collectionneurs qui recherchent des pièces figuratives avec une profondeur psychologique, des narrations inattendues et un dialogue émotionnel direct. Ce n’est pas une simple acquisition : c’est un miroir où affronter notre propre dualité.
Pièce unique d’un grand impact visuel, directement du créateur !

ESPEJOS DEL SER: RETRATOS DE FRAGILIDAD Y FORTALEZA
Par Antonio Sánchez. Directeur et conservateur de 1819 Art Gallery
La collection qui nous occupe est un répertoire émouvant d’œuvres explorant la profondeur de la condition humaine à travers des portraits et des figures chargés de symbolisme. Ces pièces s’entrelacent dans une narration visuelle qui déploie une palette de couleurs subtiles et souvent sombres, évoquant des états d’âme introspectifs et contemplatifs. La maîtrise technique révèle non seulement la maîtrise du médium, mais aussi une connexion émotionnelle intense entre l’artiste et ses sujets, chacun porteur d’une histoire silencieuse mais palpable.
Les textures et les techniques utilisées varient de sucrément diffracté à agressivement marqué, reflétant la diversité des émotions humaines et la complexité de nos expériences. Les traits, qu’ils soient fermes ou tremblants, avec l’interaction de la lumière et de l’ombre, construisent une atmosphère qui transcende le visuel pour toucher l’âme du spectateur.
L’œuvre oscille entre représentation littérale et abstraction, permettant à l’esprit du spectateur de compléter les vides, incitant à une participation plus profonde. L’emploi intentionnel d’éléments discordants ou inattendus, comme un couteau traversant le visage d’une figure, défie nos perceptions et provoque une réflexion introspective sur ce que signifie être humain en des temps de tumulte émotionnel et social.
La collection dans son ensemble sert de miroir de la fragilité et de la fortitude inhérentes à l’esprit humain. Chaque pièce, tout en restant unique dans son expression, contribue à un dialogue plus large sur la résistance et la vulnérabilité. Le choix des sujets, des figures humaines jusqu’aux représentations d’animaux, chacun infusé d’une profonde réactivité émotionnelle, amplifie ce dialogue, suggérant une universalité dans nos expériences émotionnelles.
Cet ensemble d’œuvres, loin d’être une simple démonstration de compétence technique, est le témoignage du pouvoir de l’art pour émouvoir, connecter et questionner. La collection ne se contente pas de capturer la beauté esthétique de ses sujets, mais agit aussi comme un catalyseur pour l’exploration personnelle et collective d’émotions profondes et souvent contradictoires. En ce sens, ces œuvres invitent les spectateurs à confronter l’inconnu en eux-mêmes et dans le monde qui les entoure, offrant un espace pour la reconnaissance et la catharsis.

Biographie de l’Artiste – Oliver Plehn
L’œuvre du peintre et dessinateur allemand Oliver Plehn se caractérise par des représentations expressives du corps humain et animal. Les visages et les corps forment le centre de son univers artistique: puissants, sensibles et pleins de profondeur psychologique. Depuis l’enfance, les images des expressionnistes allemands l’ont influencé, dont l’immédiateté émotionnelle et la liberté formelle restent une référence dans son langage artistique jusqu’à aujourd’hui.
Jeune, Plehn a choisi d’être artiste et de maintenir son indépendance créative. En plus d’étudier la peinture et le dessin dans des écoles d’art, il a suivi des études en sciences naturelles, ce qui lui a permis une indépendance professionnelle et une liberté artistique. Au début des années 1990, une bourse dans le domaine de la mécanique quantique l’a mené à Madrid.
Oliver Plehn vit avec sa épouse et deux filles dans le quartier madrilène de Carabanchel Alto.

Déclaration Artistique
Mon travail naît de l’élan de comprendre l’existence humaine dans son intérieur le plus profond et le plus contradictoire. Tout au long de ma carrière, j’ai exploré le portrait comme un moyen de révéler non seulement le visible, mais aussi ce qui est caché: émotions refoulées, cicatrices de l’âme, gestes de résistance silencieuse. Je peins à partir de la fragilité, de cet espace liminal où la douleur et la beauté coexistent sans permission.
Je ne suis pas intéressé par capturer des visages parfaits, mais par la présence, celle qui parle de ce qui reste non dit. Les silences me séduisent, les regards porteurs d’histoires, les corps qui vibrent avec ce qui a été vécu. Chaque œuvre est pour moi une tentative de dialogue avec l’inconnu, ce territoire intérieur par lequel nous cherchons souvent à échapper.
Mon objectif en tant qu’artiste est de créer des images qui ne soient pas seulement regardées, mais qui interpellent le spectateur. Je veux qu’elles agissent comme des miroirs où l’on puisse se reconnaître, même dans l’inquiétude ou le malaise. Je travaille de manière figurative, oui, mais je recherche dans cela l’ouverture au mystère, au doute, à l’émotion qui ne trouve pas de mots.
Je sens que l’art a le pouvoir de guérir, de révéler et d’accompagner. À cet égard, ma pratique est aussi une forme de soin: pour moi-même, et pour tous ceux qui s’approchent de ces images avec le cœur ouvert.
Expositions
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Présence en ligne sur Artsy
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Présence en ligne sur Flecha.es
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Présence en ligne sur 1819 Art Gallery
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« Aqua versus Terra », du 1er au 30 septembre 2025, Madrid
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« Madrid Oculto », du 1er juin au 15 juillet 2025, Madrid
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« The Gods of Muay Thai and a Strange One », du 1er décembre 2022 au 6 janvier 2023, Madrid
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Exposition à la Yale Graduate School of Art, mars 2021
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Exposition individuelle à l’Aéroport International Madrid-Barajas "Faces of the World", du 30 décembre 2019 au 7 février 2020
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Exposition individuelle "The Passion of the Christ" à l’église germanique Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
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Exposition à la United Artist Fair 2019 à la Casa de Cantabria, Madrid, février 2019
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Exposition de peintures à Calle Serrano, Madrid, décembre 2018 – février 2019
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Exposition individuelle de peintures à Madrid, Espagne, novembre 2018
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Exposition de peintures à Madrid, Espagne, Calle Serrano, novembre 2016 – janvier 2017