Tijs Dragtsma (1992) - Frida in the Green

Frida Kahlo n’a pas besoin de plaque de nom. La couronne brahmée de fleurs, les sourcils joints, le regard direct, un seul regard suffit. Dans Frida in the Green, ce visage n’est pas peint ni imprimé. Il se façonne comme un champ de marques individuelles en miroir vert foncé, de sorte que l’image semble émerger de la surface elle-même.

Les cheveux, les sourcils, les fleurs près des oreilles et le motif de son chemisier se rassemblent en une lumière vive et fine sur un miroir qui reste autrement d’un vert profond et silencieux. Autour de cette lumière, le visage conserve son ombre, les parties laissées intactes se retirant dans la couleur, sombre et immobile. L’image vit dans cette différence, dans ce qui peut briller et ce qui reste en silence.

Le vert porte sa propre charge ici. C’est la couleur de la croissance et du jardin vers lequel elle revenait sans cesse, la couleur d’une vie qui s’impose malgré la douleur, et elle s’installe autour de son portrait comme le calme d’une pièce après que tout a été dit.

Parce que la surface est un miroir coloré, la pièce autour de l’œuvre n’est jamais absente de celle-ci. Les murs, les autres peintures, les personnes qui passent, tout se cale dans le vert entre les marques et autour d’elles, si bien que quiconque se tient devant Frida in the Green devient, le temps d’un instant, partie de son portrait aussi.

L’image n’attend pas la lumière pour exister. Elle est là, dans une pièce silencieuse autant que sous un faisceau dirigé unique, toujours présente dans la surface. La lumière ne la crée pas, elle l’aiguise. Sous une lumière plus forte, le champ de marques capte et rassemble, le contraste s’approfondit, le reflet autour d’elle se déplace tandis que le portrait lui-même garde sa position.

Frida in the Green poursuit la série Art on Mirror de Tijs Dragtsma, dans laquelle des images griffées sont insérées dans du verre miroir coloré et le spectateur devient partie de l’œuvre. Un langage visuel où le dommage n’est pas une destruction, mais une structure, et où le miroir transforme le regard en participation.

« Elle regardait en retour bien avant que quiconque ose vraiment la regarder. »

À propos d’Art on Mirror – Green

Art on Mirror est une série d’œuvres dans laquelle l’image est gravée dans du verre miroir coloré, et le monde devant l’œuvre en devient partie. Chaque trait est gravé dans une surface miroir vert profond d’acrylique. Les rayures sont toujours là, lumineuses contre la couleur, tandis que la surface autour d’elles continue de refléter la pièce, la lumière du jour et la personne qui regarde.

Vue de loin, l’image se lit claire et complète, une silhouette pale contenue dans un champ de vert. Avancez et l’œuvre s’ouvre en une délicate toile de marques individuelles, fines et délibérées, chacune essentielle à l’ensemble. Derrière et entre elles, le miroir agit comme un miroir. Il porte la pièce et le spectateur dans la composition, si bien que l’entourage dans l’œuvre change avec l’endroit où elle est suspendue, tandis que l’image elle-même reste solidement en place.

La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affine. Le sol vert absorbe et reflète, les lignes griffées captent et retiennent, et sous un faisceau focalisé, le contraste s’approfondit jusqu’à ce que la figure prenne une qualité sculpturale, presque lumineuse. Dans une lumière plus douce, la couleur se fait plus présente et l’œuvre s’apaise dans un registre plus calme, sans jamais perdre son sujet.

Le vert est la couleur de la croissance, des forêts et des choses qui reviennent sans cesse. C’est le fond émotionnel sur lequel chaque œuvre de cette série est placée, et les sujets ont été choisis pour appartenir à celui-ci.

Art on Mirror poursuit les images griffées d’Art with Scratch de Tijs Dragtsma sur un nouveau terrain. Là où les œuvres noires tirent leur pouvoir de l’absence, celles-ci le tirent du reflet. Le spectateur n’est plus seulement en train de regarder l’œuvre. Le spectateur est dedans.

À propos de l’Artiste

Je m’appelle Tijs Dragtsma, fondateur du TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis animé par un désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style fixe, mais comme un champ d’exploration en évolution où le matériau, la structure, la lumière et l’émotion se rejoignent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il s’exprimer autrement ? Comment la dureté peut-elle devenir intimité ? Comment la précision peut-elle créer de l’émotion ? Cette recherche est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein du TD Fine Art Studio, chaque corps d’œuvres est abordé comme son propre monde, avec sa logique, son atmosphère et son identité visuelle. Certaines œuvres se construisent par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, le reflet ou la tension. Ce qui les unit, c’est un engagement commun envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et sensation. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon objectif n’est pas simplement de créer une image, mais de concevoir une œuvre qui retient l’attention, invite à la réflexion et continue de se révéler au fil du temps.

TD Fine Art Studio est l’espace où ces explorations se rejoignent. Ce n’est pas seulement un atelier, mais un univers artistique en évolution façonné par la curiosité, la précision et l’ambition de créer des œuvres qui se sentent distinctives, intentionnelles et vivantes.