Claus Bertermann (1965) - Common Ground

Artiste : Claus Bertermann

SITE OFFICIEL : www.bertermann.art

Claus Bertermann (né en 1965 à Stuttgart, Allemagne) est un artiste contemporain internationalement établi dont le profil du marché est soutenu par l’autorité du marché international et des résultats exceptionnels sur le marché secondaire. Connu pour ses œuvres abstraites puissantes et grand format, Bertermann a constamment commandé des prix élevés dans les maisons de vente les plus prestigieuses au monde. Ses principaux prix réalisés incluent €18 900 chez Christie's Paris (Retro Zen), €15 240 chez Sotheby’s Cologne (F5TP#CB), et €15 120 chez Christie's Paris (Whispershade). Avec d’autres ventes réussies chez Van Ham, Arterial, Tajan et Dorotheum, l’œuvre de Bertermann est un actif avéré pour les collectionneurs sérieux du monde entier.

La nouvelle série expressionniste continue

Avec un diplôme de Master en architecture (TU Munich), Bertermann a d’abord acquis une reconnaissance mondiale pour sa technique « strates architecturales » — superposition et grattage de la peinture à l’huile pour construire une profondeur spatiale. En 2026, il ouvre un chapitre radicalement nouveau : des scènes figuratives dans des couleurs intenses et chargées d’émotion, guidées par les peintres de l’expressionnisme allemand — un ground établi dans des coups de pinceau grossiers, avec la ligne à l’huile dessinée au-dessus et jamais travaillée à l’intérieur. « Common Ground » appartient à cette série et adopte la plus ancienne scène de l’art européen : deux jeunes gens sous un arbre fruitier.

Empreinte artistique internationale

Avec plus de 1 000 œuvres grand format dans des collections privées et institutionnelles à travers le monde — dont un monumental triptyque dans son alma mater, l’Université technique de Munich — Bertermann continue de combler le fossé entre une structure rigoureuse et une liberté intuitive. Cette offre Catawiki présente une rare opportunité d’acquérir une œuvre clé d’une série nouvelle et passionnante par un artiste dont le parcours international des enchères est solidement établi.

Détails clés pour les collectionneurs

– Titre : Common Ground
– Année : 2026
– Dimensions (H x L) : 200 x 240 cm (79 × 94 pouces)
– Support : acrylique et huile sur toile
– Signée par l’artiste sur le recto et le verso
– Œuvre originale, unique au monde – MADE BY A REAL PERSON, NOT AI.
– Expédiée roulée, sans cadre

Ce qui rend cette pièce unique

Un jeune couple sous un arbre fruitier. Dans la peinture occidentale, cette phrase n’a jamais eu qu’une seule fin. Quelqu’un atteint, quelqu’un prend, et tout le reste n’est que conséquence. Cranach l’a peinte, Rubens l’a peinte, chaque pietà en Europe a une version qui pend dans une chapelle latérale.

Comptez donc les fruits ici. Il y en a plus d’une quinzaine, orangés, mûrs, dessinés en cercles griffonnés, accrochés à portée de main sur chaque branche que l’arbre bleu propose.

Personne ne tend la main. Personne n’a même levé les yeux.

Les deux sont assis, face à l’avant, hors du cadre, devant quiconque se tient devant eux — ses yeux au niveau et fixité, les siens légèrement plissés, tous deux entièrement désintéressés par la seule relique dont la scène était supposée parler. Le fruit n’est pas l’offre dans cette peinture. Le fruit, c’est le temps qu’il fait.

L’événement réel se situe sous les épaules, et il est facile à manquer car il ressemble à un coup de pinceau. Suivez la ligne entre les deux figures vers le bas. Sur les visages, ce sont clairement deux personnes, deux teints, deux têtes de cheveux, elle en vert-noir, lui en bleu cobalt. À l’encolure, la frontière commence à se dégrader. Au niveau de la poitrine, il y a une masse commune d’orange, de carmin et de vert sombre ; au creux de l’aine, il n’y a plus de second corps à trouver. Sous la taille, la peinture cesse simplement de les distinguer.

Voici le rebondissement, et c’est aussi le titre. « Common Ground » n’est pas une métaphore de l’accord. C’est une description littérale de la moitié inférieure de cette toile : l’endroit où deux personnes cessent d’être deux, peintes exactement comme tel et rien de plus poli.

Et l’arbre y est aussi pour quelque chose. Le tronc, les branches et les contours dessinés des deux visages sont déposés dans le même bleu cobalt d’huile, par la même main, dans le même geste. L’arbre n’est pas un décor derrière le couple. Il est composé du même matériau qu’eux, croissant à partir du sol qu’ils partagent — ce qui est la seule interprétation du paradis que ce tableau est prêt à offrir, et, en balance, la meilleure.

Pourquoi cela vaut-il le prix

Il s’agit d’une peinture de grande envergure, au format musée (200 x 240 cm) en format paysage et l’une des plus grandes toiles de la série figurative de Bertermann en 2026. Pour les collectionneurs, les œuvres de l’année d’ouverture d’une nouvelle série portent une marque de provenance significative, et au sein de cette série, « Common Ground » occupe une position singulière : c’est le double portrait, la seule toile construite autour de deux figures au lieu d’une, et elle s’empare de la scène la plus peinte de l’histoire de l’art européenne — le couple sous l’arbre fruitier — en retirant les fruits du scénario.

La taille fait le travail réel ici. À 240 cm de large, l’arbre est presque à taille réelle, ce qui signifie que les fruits pendent à la hauteur qu’ils auraient dans un verger et que les deux figures croisent un spectateur debout au niveau des yeux. L’image n’illustre pas la rencontre; elle la met en scène dans la pièce.

Techniquement, la toile est construite en deux mouvements séparés, qui est la méthode derrière l’œuvre figurative de Bertermann. D’abord le sol : la lumière jaune, le tronc bleu, la bande teal à gauche et la masse orange des corps sont déposés en coups de pinceau grossiers et énergiques qui laissent le mouvement du bras visible et ne réglent rien avec précision. Puis le dessin : la ligne à l’huile recouvre ce champ peint et détermine les contours — les deux visages et les yeux, les cercles griffonnés des fruits, les lames vertes du feuillage, les branches de l’arbre, la grille noire sur tout le tiers inférieur. La ligne dessinée ne suit pas le sol peint en dessous; elle est posée au-dessus et garde sa propre autorité. Liberté en dessous, précision au-dessus — instinct d’un architecte pour la structure, nourrissant l’appétit expressionniste pour la couleur.

Description visuelle et état

La composition montre deux jeunes gens assis, proches l’un de l’autre, légèrement à droite du centre, sous un grand arbre qui occupe la moitié supérieure de la toile. L’arbre est peint en cobalt fort et ultramarine, son tronc montant à gauche du centre et ses branches atteignant les deux bords de l’image ; plus d’une quinzaine de fruits ronds orange, dessinés en cercles griffonnés en huile orange et rouge, pendent sur les branches, et des coups de pinceau vert à huile remplacent les feuilles.

La figure de gauche a une peau jaune-vert pâle et une masse dense de cheveux verts et noirs; son visage est dessiné en huile bleue avec des yeux en amandes, des pupilles foncées, un petit nez et une bouche orange-rouge. La figure de droite partage la même peau jaune-vert pâle et des cheveux bleu cobalt dessinés par de courts traits, avec un visage plus long, des yeux dessinés en bleu et une bouche orange. Leurs têtes se touchent. Entre elles et en dessous, les corps se fondent en un seul champ continu d’orange, vermillon, vert sombre, noir et violet, sans démarcation dessinée entre les deux figures sous les épaules.

L’arrière-plan supérieur est en jaune cadmium et citron avec des passages blancs et un jaune-vert pâle ; une large bande de teal et de bleu court sur le milieu gauche, traversée par des coups de pinceau verts et orange. Le tiers inférieur de la toile est dominé par un vaste champ orange, croisé par des branches épaisses en huile bleue et par des maillages griffonnés noirs; des passages violet et pourpre se situent en bas à droite et au centre‑bas.

Les couleurs coulent et se fondent visiblement; la perspective et l’anatomie sont volontairement déformées pour privilégier le poids émotionnel sur le réalisme. Le travail est signé en bleu-violet en bas à droite.

L’œuvre est non encadrée et non tendue. État : Excellent. Toutes les irrégularités de surface sont intentionnelles et intégrales au processus de l’artiste.

Contexte / contexte artistique

Claus Bertermann travaille au sein de la peinture figurative expressive contemporaine, en se concentrant sur les états d’être plutôt que sur la simple représentation. Avec sa série 2026, il place la figure humaine au cœur de situations colorées chargées, s’inspirant directement de l’héritage du Expressionnisme allemand : perspective voilée, couleur accentuée, une surface volontairement fluide, et une ligne dessinée qui reste visiblement au-dessus.

Le couple sous l’arbre fruitier est entré dans la peinture européenne comme une machine morale. L’arbre fournissait la tentation, le fruit constituait le point tournant, et les deux figures fournissaient la culpabilité. Même lorsque les expressionnistes emportèrent la scène hors du jardin et dans leurs propres paysages d’été, l’agencement survit : la nature offrant quelque chose, les gens le prenant, la peinture en conserve le score.

« Common Ground » conserve le casting et démonte la machine. L’arbre est toujours là, le fruit est toujours là, et les deux ont été rétrogradés au décor. Ce dont la peinture parle réellement, ce sont deux personnes qui sont restées assises assez longtemps pour que la peinture cesse de les distinguer — et un terrain qui, pour une fois, appartient à eux deux.

Détails pratiques pour les acheteurs :

Œuvre originale, unique au monde
Acrylique et huile sur toile
Dimensions (H x L) : 200 x 240 cm (79 × 94 pouces)
Signée par l’artiste sur le recto et le verso
Certificat d’authenticité inclus
Expédiée roulée (sans cadre ni tendue)
Emballage professionnel et expédition dans le monde entier avec des sociétés de transport haut de gamme comme UPS.

La toile comprend une bordure blanche continue d’environ 10 cm (environ 4 pouces) sur tous les côtés au-delà de la surface peinte. Cette marge permet à l’œuvre d’être tendue professionnellement sur des barres de canevas de qualité musée jusqu’à 6 cm (environ 2,4 pouces) de profondeur, offrant une présentation propre, sans cadre, de type galerie, sans nécessité d’un cadre décoratif.

Veuillez noter que l’œuvre est vendue non encadrée et sans barres de tendeur. Le tissage professionnel est à la charge de l’acheteur. Le tableau est expédié roulé pour un transport international sûr et une installation flexible selon la préférence de l’acheteur.

L’œuvre est signée à la fois sur le recto et le verso, avec le titre, l’année et le nom complet de l’artiste inscrits au verso.

Veuillez noter concernant les vues de pièce :

Certaines photographies montrent le tableau placé numériquement dans un intérieur. Ces vues de pièce sont des visualisations IA, créées pour donner une impression d’échelle et de présence uniquement — ce ne sont pas des photographies de l’œuvre réelle suspendue dans une pièce. À la fois les proportions et les couleurs présentées peuvent différer de l’original. Les références de liaison sont les dimensions indiquées ci-dessus (H x L) et la photographie studio du tableau lui-même. Veuillez également noter que les couleurs peuvent apparaître différemment selon l’étalonnage de l’écran.