Yasuhiro Ishimoto - Chicago, Chicago (THIRD BOOK, WITH SLIPCASE) - 1969

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L’UN DES PLUS BEAUX PHOTOBOOKS JAPONais JAMAIS PUBLIÉS :
- Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volume 1, page 289
- Manfred Heiting, Kaneko Ryuichi, The Japanese Photobook, page 390

DES ILLUSTRATIONS À COUPS ÉTONNANTS par le photographe japonais-américain Yasuhiro Ishimoto (1921-2012), l’un des plus grands noms de la photographie japonaise, dont la carrière de plusieurs décennies a exploré les expressions du design moderniste dans l’architecture traditionnelle, les inquiétudes discrètes de la vie urbaine à Tokyo et à Chicago, et la capacité de l’appareil à révéler l’abstrait dans des éléments du quotidien apparemment concrets qui l’entourent.

L’IMPRESSION D’UNE IMPRESSION ÉBLOUISSANTE.

CHRONIQUE TRÈS RARE DU LIVRE – AVEC UN COFFRET ORIGINAL EXTRÊMEMENT RARE.

LIEN TRÈS IMPORTANT PRÉCOCE DU LIVRE PAR L’ARTISTE
Troisième livre après « Aru hi aru tokoro », « Someday somewhere », 1958 (Martin Parr, Gerry Badger, The Photobook, volume 1, pages 272 et 273) et « Katsura: Nihon kenchiku ni okeru dentō to sōzō », 1960.

AVANT-PROPOS DE HARRY CALLAHAN.

Premier travail d’après-guerre à Chicago :
L’arrivée d’Ishimoto à Chicago après la guerre s’est faite parallèlement à la seconde grande migration des Afro-Américains vers le nord. Chicago n’était devancée que par New York en nombre de nouveaux résidents reçus dans les deux migrations. Comme le suggère Jasmine Alinder, les photographies d’Ishimoto montrant les Afro-Américains nouvellement installés à Chicago, du sud rural vers le nord urbain, reflètent ses propres schémas de relocalisation, passant d’abord du rural au Japon vers la côte ouest, puis vers le nord urbain commun, et illustrent ses propres expériences face à la discrimination anti-japonaise, tant dans les camps qu’à Chicago, qui peuvent aussi être lues comme une source de sensibilité envers les communautés privées de droits et son désir inébranlable de s’immerger dans les recoins du paysage urbain.
Plusieurs des premières photos d’Ishimoto à Chicago se concentrent sur des enfants, à travers divers quartiers, capturant la fougue imprudente de leurs jeux, leurs terrains urbains, et leurs regards francs, parfois impénétrables, envers l’objectif, avec une intensité ni sentimentaliste ni ironique. En 1958, il publie son premier photobook, Someday Somewhere, qui présente des images de Chicago et de Tokyo en dialogue l’un avec l’autre, en utilisant des stratégies d’agencement et de sérialité que l’on peut retracer jusqu’à sa formation à l’Institute of Design.

Deuxième séjour à Chicago (1958-61) :
En décembre 1958, Ishimoto, dont le visa japonais arrivait à expiration, retourna à Chicago avec sa femme Shigeru dans le cadre d’une bourse accordée par le constructeur de caméras Chiyoda Kōgaku Kōgyō (aujourd’hui Konica Minolta). Bien qu’ils aientInitialement prévu de rester un an, ils prolongèrent leur séjour à trois ans et s’installèrent sur le North Side, pendant lequel Ishimoto parcourut les rues de la ville, prenant plus de 60 000 photos. Les travaux de cette période furent publiés dans plusieurs magazines japonais et exposés au magasin de department Nihonbashi Shirokiya en 1962. En 1969, ils furent publiés par Bijutsu shuppan-sha sous le titre Chicago, Chicago, avec des textes d’accompagnement rédigés par Harry Callahan et Shūzō Takiguchi.
La conception du livre fut réalisée par Yūsaku Kamekura, et les 210 images furent imprimées par un procédé en relief duotone, apportant une richesse aux tons sombres et ombres capturés dans ses clichés de rue. Le livre saisit le bouleversement urbain radical qui se produit à la fin des années 1950 et au début des années 60 à Chicago, avec des images qui juxtaposent la démolition de bâtiments d’avant-guerre aux nouveaux gratte-ciel modernistes et projets de logement sociaux, et saisissent avec sensibilité les subtilités des tensions raciales et politiques qui se manifestent dans l’espace public. Ishimoto s’immergea également dans les cortèges et les tribunes, et captura une image dynamique de Martin Luther King Jr. au milieu d’un discours passionné lors d’une convention de 1960, flanqué d’une rangée d’affiches flottantes protestant contre la ségrégation dans les écoles. Ishimoto fut également l’objet d’une exposition personnelle à l’Art Institute of Chicago en 1960.
(Wikipedia)

Bijutsu Shuppan-sha. 1969. Première édition, première impression.

Édition originale reliée avec couverture en tissu noir et coffret d’origine. 290 mm x 285 mm. 224 pages. 208 photos en noir et blanc. Photos : Yasuhiro Ishimoto. Mise en page : Yusaku Kamekura. Avant-propos : Harry Callahan. Texte : Shuzo Takiguchi. Texte en japonais et en anglais.

État :
Livre intérieur et extérieur excellents ; frais et sans défauts, propre sans traces et sans gondoles. Coffret d’origine complet, mais avec trace d’usage ; trois déchirures, partiellement taché. État globalement bon.

Superbe photobook par Yasuhiro Ishimoto, l’un des meilleurs titres japonais jamais publiés.
Avec le coffret d’origine extrêmement rare.

"Né aux États-Unis et élevé au Japon, Ishimoto est retourné aux États-Unis à l’âge adulte au moment où la Seconde Guerre mondiale s’accentuait, et a été envoyé peu après au camp d’internement d’Amache dans le Colorado après la signature de l’Executive Order 9066. Après la guerre, il étudia la photographie à l’Institut de Design (ID) inspiré du Bauhaus, à l’Institut de Technologie de l’Illinois, et développa une pratique photographique robuste entre les États-Unis et le Japon.
En tant qu’interlocuteur transnational entre les cercles d’art et d’architecture japonais et américains, Ishimoto a joué un rôle éminent dans la diffusion de visions du modernisme architectural japonais auprès du public à l’étranger. Ses photographies de la Katsura Imperial Villa, prises en 1953-54 et publiées en 1960 sous le titre Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture, furent largement célébrées dans les cercles d’architecture et de design pour évoquer la pureté formelle et géométrique des détails structurels de la villa avec une sensibilité profonde envers les qualités atmosphériques de l’espace. Le livre, qui comprend des essais de Kenzō Tange et Walter Gropius, a été déterminant pour stimuler le discours sur la relation entre modernisme et tradition dans l’architecture japonaise.
Le travail d’Ishimoto a été exposé largement aux États-Unis et au Japon de son vivant, et deux de ses photographies furent présentées dans la monumentale exposition The Family of Man du Museum of Modern Art en 1955. Il conserva des liens étroits avec Chicago et publia une série intitulée Chicago, Chicago en 1969. Parallèlement à ses photographies architecturales, Ishimoto fut un chroniqueur prolifique de la vie quotidienne. Ses photographies de rues et de gens ordinaires capturaient la sincérité, l’anxiété, les paradoxes et la joie de la vie urbaine moderne à travers une lentille sensible et délibérée.
Ishimoto est né le 14 juin 1921 à San Francisco, en Californie, de Ishimoto Toma et Yoshine, tous deux originaires de Takaoka-cho, aujourd’hui Tosa, dans la préfecture de Kōchi, au Japon. Son père est venu aux États-Unis en 1904 à l’âge de 17 ans pour chercher du travail agricole, réussissant finalement comme cultivateur de sel en Californie. En 1924, la famille est rentrée aux États-Unis et est retournée dans la ville natale de ses parents à Kochi. Ishimoto a fréquenté l’école primaire Nada Narukawa (aujourd’hui l’école élémentaire Takaoka Daini de la ville de Tosa) et le lycée agricole de Kochi, où il était coureur de moyenne et longue distance et participait à des courses au niveau national au Meiji Jingu Gaien Stadium.
Après le lycée, il retourna aux États-Unis en 1939 pour étudier des méthodes agricoles modernes à la demande de ses parents et enseignants. Ishimoto vécu d’abord chez un ami paysan japonais de son père, puis chez une famille américaine à Oakland, Californie, et fréquenta une école primaire pour apprendre l’anglais. Il poursuivit ses études au Washington Union High School à Fremont et au San Jose Junior College (aujourd’hui San Jose City College), tout en travaillant sur une ferme durant les étés. En janvier 1942, il s’inscrivit à l’Université de Californie, Berkeley, à l’École d’Agriculture (aujourd’hui UC Davis). Ses études furent interrompues rapidement, alors que la guerre dans le Pacifique s’intensifia. Le 19 février 1942, le président Franklin D. Roosevelt signa l’Executive Order 9066, autorisant l’incarcération massive des Américains d’origine japonaise le long de la côte ouest.
Le 21 mai 1942, Ishimoto fut envoyé de force au Merced Assembly Center dans le centre de la Californie avant d’être transféré au Granada War Relocation Center, ou Camp Amache, dans le Colorado, où il fut affecté à travailler comme pompier. C’est dans le camp qu’Ishimoto apprit pour la première fois à utiliser un appareil photo et à développer le film dans la chambre noire, grâce à d’autres Japonais-américains internés. Bien que les caméras aient été initialement confisquées par les autorités, d’ici mai 1943 les restrictions sur les caméras avaient été levées dans les camps en dehors du Western Defense Command (y compris Amache), et Ishimoto commença à prendre des photographies autour du camp à l’aide d’un appareil Kodak 35 mm. Ishimoto et ses camarades photographes utilisèrent des solutions créatives pour travailler malgré les limitations technologiques du camp, se rappelant comment son ami fabriquait un agrandisseur à partir d’un récipient de ketchup et les soufflets à partir d’un appareil pliant.
Après avoir reçu une permission temporaire de quitter le camp et de visiter l’Illinois en janvier 1944, Ishimoto fut à deux reprises interrogé sur ses réponses au questionnaire de loyauté avant d’être officiellement libéré du camp en décembre 1944. L’Office de relocation de la guerre avait créé son premier bureau de réinstallation à Chicago, dans le but explicite de disperser les Américains d’origine japonaise de la côte ouest afin d’affaiblir la force des enclaves ethniques et de diminuer leur allégeance au Japon. Ainsi, Ishimoto se retrouva à Chicago, où il travailla pour la société de sérigraphie Color Graphics (une autre compétence acquise dans les camps). En 1946, il intégra l’Université Northwestern pour étudier l’architecture. Bien qu’il abandonnât peu après son inscription, l’architecture occupera une place importante dans sa pratique photographique.
L’année suivante, Ishimoto rejoint le Fort Dearborn Camera Club par l’intermédiaire du photographe italo-américain Harry K. Shigeta, qui cofonda l’organisation en 1924. Beaucoup des membres du club adhéraient encore aux conventions pictorialistes de la fin du 19e et du début du 20e siècle, qui cherchaient à reproduire les qualités picturales de l’art pictural par la photographie. Parallèlement, Ishimoto rencontra des publications d’avant-garde telles que The Language of Vision de György Kepes et Vision in Motion de László Moholy-Nagy, qui eurent une profonde influence sur sa réflexion sur les dimensions perceptuelles du monde visuel et les qualités structurelles des environnements bâtis et naturels.
En 1948, sur les conseils de Shigeta, Ishimoto s’inscrivit à l’Institut de Design (ID) de l’Illinois Institute of Technology, surnommé le « New Bauhaus ». Fondée par Moholy-Nagy en 1937, l’école apporta l’esprit pédagogique du Bauhaus à Chicago à travers un cursus interdisciplinaire et une orientation vers le design centré sur l’humain. Moholy-Nagy dissocia les distinctions fondées sur l’artisanat propre à l’institution allemande et divisa l’école en trois départements — architecture, design de produit et atelier lumière (arts publicitaires).
Dans son enseignement, Moholy-Nagy encouragea les étudiants à traiter la lumière comme une « matière première », soumise à l’expérimentation et à la manipulation par des mises en relation soigneusement calibrées avec les produits chimiques, les conditions atmosphériques, les surfaces, les réglages de l’appareil et les dispositions spatiales — une orientation qui imprégna les dispositions délibérées et méticuleuses d’Ishimoto quant à la lumière et à la forme dans ses photographies architecturales. Ishimoto étudia avec des photographes tels qu’Aaron Siskind, Gordon Coster et Harry M. Callahan. Comparé à ses collègues professeurs, Callahan était moins intéressé par les dimensions théoriques de la photographie et encourageait plutôt ses étudiants à sortir en ville et à adopter une approche plus libre pour photographier ce qui les intéressait le plus. Pendant son passage à l’ID, Ishimoto noua une amitié durable avec le même élève Marvin E. Newman. Ils parcoururent et photographièrent fréquemment les quartiers de Chicago ensemble et réalisèrent un court métrage intitulé The Church on Maxwell Street, qui prit pour sujet une réunion revival afro-américaine en plein air.
Le passage d’Ishimoto à l’ID lui fit acquérir une gamme de manières techniques et artistiques de voir, allant des attitudes du Bauhaus envers l’expérimentation et l’engagement avec les principes géométriques, à la vision documentaire de Siskind, jusqu’à la pratique plus subjective et intuitive de Callahan, qui toutes ont joué un rôle dans la formation de son orientation photographique pour les décennies suivantes.
Après son retour au Japon en 1961, Ishimoto devint citoyen japonais naturalisé en 1968. Il enseigna la photographie à Kuwasawa Design School (1962–66), à la Tokyo College of Photography (1962-66) et à l’Université Zokei de Tokyo (1966–71).
Ishimoto est décédé à 90 ans le 6 février 2012, après avoir été hospitalisé le mois précédent pour un AVC.
De nombreuses distinctions jalonnent son parcours, dont le Life magazine Young Photographer’s Contest (1951); le prix du photographe de l’année de l’Association des critiques photographiques du Japon (1957); le Mainichi Art Award (1970); le prix annuel (1978, 1990) et le prix de contribution distinguée (1991) de la Photographic Society of Japan; et le prix culturel de la préfecture de Kochi (1996). En 1996, le gouvernement japonais a nommé Ishimoto Person of Cultural Merit. En anglais, Yasuhiro Ishimoto signe son nom comme « Yas Ishimoto ».
Pendant son passage à l’ID, Callahan présenta Ishimoto au célèbre photographe et conservateur Edward Steichen, qui facilita l’ouverture de nouvelles avenues professionnelles pour la jeune carrière du photographe. Steichen présenta deux des images d’Ishimoto pour la célèbre exposition Family of Man au musée d’Art moderne en 1955 et pour son catalogue associé. L’une des images, présentée dans une section de l’exposition consacrée aux enfants, était une photographie légèrement floue d’une jeune fille dont les poignets étaient liés derrière son dos et attachés à un arbre. Bien que vraisemblablement prise lors d’un jeu, l’image porte en elle une tonalité quelque peu inquiétante, qui évoque la résistance d’Ishimoto au sentimentalisme excessif. Steichen choisit également Ishimoto pour faire partie d’une exposition de vingt-cinq photographes émergents en 1953, suivie d’une exposition à trois personnes au MoMA en 1961.
En 1954, Ishimoto tient sa première exposition personnelle à la Gallery Takemiya, un espace d’art avant-gardiste majeur à Kanda, Tokyo, dirigé par le poète et critique d’art Shūzō Takiguchi. Il fut aussi présenté dans la première exposition du Musée national d’art moderne de Tokyo sur la photographie en 1953, dans une exposition collective intitulée The Exhibition of Contemporary Photography: Japan and America (Gendai shashin-ten: Nihon to Amerika), aux côtés de figures établies telles qu’Ansel Adams, Berenice Abbott, Walker Evans et John Szarkowski. Cette exposition marqua non seulement un virage important dans le monde de l’art japonais en termes de médium, mais participa aussi à la production du discours culturel post-occupation entre les États-Unis et le Japon, dans lequel Ishimoto fut désormais pleinement impliqué.
En octobre 1956, Ishimoto et sa femme Kawamata Shigeru se marièrent à l’International House of Japan (Kokusai bunka kaikan), lors d’une cérémonie supervisée par Sōfū Teshigahara et Kenzō Tange. Ils s’étaient rencontrés dans un groupe d’étude Sōgetsu-ryū, où elle était enseignante et assistante de Teshigahara. Shigeru continua à soutenir Yasuhiro en tant qu’assistante et productrice tout au long de sa carrière. La même année, les travaux d’Ishimoto furent aussi présentés à la Première exposition internationale de photographie subjective à Nihonbashi Takashimaya à Tokyo, dans le même contexte postguerre où la Japan Subjective Photography League, récemment fondée, réunit brièvement des jeunes photographes tels qu’Ishimoto, Kiyoji Ōtsuji et Ikkō Narahara autour d’un champ de référence commun avec des figures de l’avant-garde d’avant-guerre comme Kansuke Yamamoto.
Steichen présenta Ishimoto au conservateur de l’architecture du MoMA, Arthur Drexler, qui en 1953 demanda à Ishimoto, avec l’architecte Junzō Yoshimura, de le guider au Japon pour effectuer des recherches pour sa exposition de 1954 « Japanese Exhibition House ». C’est au cours de ce voyage qu’Ishimoto visita la Katsura rikyū pour la première fois. Époustouflé par la résonance du villa du XVIIe siècle avec les géométries et les structures qu’il avait rencontrées dans son éducation au New Bauhaus, Ishimoto présenta ses photos à Kenzō Tange, qui y vit une capacité similaire à décomposer et décrire avec une clarté les aspects du design pré-moderne qu’il considérait comme fondation de l’architecture moderniste d’après-guerre. Le complexe de la villa, construit sur une période de cinquante ans sous l’égide du prince Toshihito et du prince Toshitada de la famille Hachijō-no-miya, se compose d’une série de demeures aristocratiques construites dans le style shoin, ainsi que quatre maisons de cérémonie du thé construites dans le style sukiya, et une salle bouddhiste entourée d’un jardin somptueux et soigneusement conçu. L’architecte Arata Isozaki décrivit le complexe comme un « assemblage » de styles superposés et de méthodes de construction variées, qui en firent une source d’inspiration et d’intrigue majeure pour les architectes tout au long du 19e et du début du 20e siècle.
Ishimoto retourna à Katsura l’année suivante, et obtint l’autorisation de la cour impériale pour photographier le site durant tout le mois de mai, entre 9 h et 16 h 30. Son accès à cet espace codifié, compte tenu du temps écoulé depuis l’occupation américaine du Japon, fut rendu possible en partie grâce à son passeport américain. Bon nombre des images prises par Ishimoto avec son appareil Linhof 4x5 furent capturées dans un format peu répandu au Japon d’après-guerre, ce qui fit que nombre des négatifs furent endommagés lors du développement. Les photographies émergèrent ainsi à une époque de grand bouleversement et de réinvention culturelle, Ishimoto se situant à une frontière sociale et politique qui lui permit à la fois l’accès physique et une perspective visuelle distincte.
Ishimoto privilégia les détails structurels et environnementaux plutôt que les vues conventionnelles de l’architecture et du jardin dans leur ensemble. Ses images en noir et blanc révèlent les fortes formalités orthographiques des portes coulissantes shōji et fusuma, les jeux délicats entre lumière et ombre, les impressions texturales des poutres en bois, la mousse, le bambou et d’autres éléments naturels, et le naturalisme soigné des éléments tels que les pierres de pas du jardin, alignées pour être légèrement décalées. Les pierres constituèrent une caractéristique visuelle particulièrement frappante pour Ishimoto, qui exprimait son émerveillement devant le fait qu’elles n’indiquaient pas seulement des avenues de mouvement, mais que « leur placement est soigneusement pensé, dans un sens [pour accueillir] l’angle d’une certaine manière de marcher, pour guider psychologiquement les visiteurs vers d’autres parties du jardin ou vers le prochain bâtiment, afin de créer une atmosphère. »
Le photographe fut approché par l’éditeur David-sha et l’éditeur Hideo Kobayashi en 1954, et prévoyait initialement de publier un photobook simple de ses images du site. Au cours du processus de montage, cependant, Tange, que Ishimoto avait invité à contribuer un essai, devint finalement l’éditeur de facto et le publiciste du livre, jouant un rôle majeur dans la sélection, le recadrage, l’ordre et l’agencement des images de manière à exposer ses propres idées sur les forces dialectiques de la tradition et de la modernité inhérentes à la villa. Tange recadrait et regroupait les images pour mettre en évidence la présence d’unités modulaires dans les éléments bâtis et naturels (souvent contre les souhaits d’Ishimoto), et les disposait sur fond blanc pour accentuer la rectilinéarité et insuffler à la publication un sens d’ordre rythmique.
Après un long et parfois ardu travail de montage, auquel participa également Herbert Bayer en tant que designer du livre, Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture (parfois abrégé en Katsura) fut publié en 1960, avec une introduction de Walter Gropius et un essai de Tange. Le livre eut un impact retentissant sur les architectes du Japon et de l’étranger, alimentant le discours idéologique et les débats entourant les caractéristiques de l’architecture japonaise d’après-guerre, et présentant une vision radicale d’une structure traditionnelle autrefois rigoureusement régulée durant une période de bouleversements sociaux et culturels intenses au Japon.
De 1976 à 1982, le Ministère de la Maison Impériale entreprit une rénovation rigoureuse de la plus grande structure résidentielle du complexe de Katsura, le Goten. Après avoir reçu une commande de l’éditeur Iwanami Shoten, Ishimoto revisita le site en novembre 1981 et février 1982, cette fois en photographiant la villa en noir et blanc et en couleur à l’aide d’un appareil Sinar avec une variété d’objectifs. Les images en couleur furent publiées sous le titre Katsura Villa: Space and Form en 1983 chez Iwanami Shoten au Japon, et en 1987 chez Rizzoli aux États-Unis, et l’apparence de la villa ainsi que la mise en page du livre différa largement de la version de 1960 éditée par Tange. La deuxième publication, à laquelle apporta une contribution substantielle et rédigea un essai Arata Isozaki, présentait des images bien plus spacious dans leur cadrage, adoptait l’ornementation et la diversité chromatique, et considérait les détails de design dans leur contexte architectural plutôt que de les mettre en évidence par isolement. Isozaki décrit la nouvelle approche d’Ishimoto envers Katsura comme une vision « dé-moderne », présentant la villa séculaire dans un champ de vision entièrement transformé qui accueille la coexistence d’éléments variés, hétérodoxes partageant le même environnement.
À la suite de la publication de Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture, Ishimoto continua à photographier des bâtiments architecturaux dans le monde entier, maintenant son vif intérêt pour les qualités atmosphériques de l’espace et les intimations des détails structurels. Il reçut une commission pour retracer la diffusion de l’Islam à partir de Cordoue, en Espagne, et traversa l’Asie jusqu’à Fatehpur Sikri, en Inde, et Xi’an, en Chine. Les résultats de ce voyage furent publiés sous le titre Islam: Space and Continent en 1980. Ishimoto a conservé des liens étroits avec de nombreux architectes modernes, dont Kenzo Tange, Arata Isozaki et Hiroshi Naito, et a photographié bon nombre de leurs bâtiments. En 1974, il photographia les œuvres des architectes Charles Sumner Greene et Henry Mather Greene du cabinet Greene and Greene, en Californie, pour le magazine japonais de design Approach.
En 1993, Ishimoto fut invité à photographier le Grand Sanctuaire d’Ise lors de la 61e itération du processus cérémonial de démontage et de reconstruction, qui a lieu tous les vingt ans. Ishimoto s’inspira de la série de détails architecturaux photographiés par Yoshio Watanabe en 1953, accentuant les formes nettes des chevrons et des poteaux. Contrairement à Watanabe, qui capturait ses images en fin d’après-midi pour créer une aura plus dramatique avec des contrastes nets de lumière et d’ombre, Ishimoto choisit de travailler sous un éclairage de milieu de journée, imprégnant le cadre d’un air plus doux et plus mélancolique.
Bien qu’il soit peut-être mieux connu pour son travail en noir et blanc à Katsura et à Chicago, Ishimoto avait commencé à expérimenter la photographie en couleur dès ses années à l’ID, et il en fit un usage plus soutenu plus tard dans sa carrière.
Lors de son deuxième séjour à Chicago, Ishimoto commença à expérimenter avec des expositions multiples en film couleur, superposant des silhouettes avec des filtres colorés pour créer des formes abstraites, transparentes, soumises aux aléas de la chance photographique et de l’inévitabilité. Ces techniques furent ensuite utilisées dans sa série Color and Form (Iro to Katachi) (2003), une étude des formes sensuelles et abstraites de divers types de flore.
En 1973, il photographia des centaines de divinités bouddhistes représentées dans les Mandalas des Deux Mondes (Ryōkai Mandala) conservés à l’intérieur du temple Tō-ji (également connu sous le nom Kyō-ō-gokoku-ji) à Kyoto. En utilisant du film couleur et le flash, Ishimoto captura les tons vibrants et les détails complexes d’œuvres généralement conservées dans l’obscurité pour des raisons de préservation. Son expérience de la prise de mandalas intensifia son intérêt pour la présence de la tradition dans la vie contemporaine et contribua à transformer son penchant antérieur pour la beauté « soustractive » (visible dans ses photos austères de Katsura) vers une esthétique qui embrasse les forces apparemment contradictoires du monde et les lit comme co-constitutives et mutuellement interdépendantes — une façon de penser façonnée par les principes du bouddhisme ésotérique.
Ishimoto a exprimé les réflexions suivantes sur l’effet des mandalas sur son attitude face à la vision photographique : « Les photographes ont tendance à prendre les bonnes choses et à exclure tout le reste du cadre. Mais avec les buddhas mandala, les mandalas affirment audacieusement les éléments modestes de l’existence humaine au lieu de les effacer lors de la quête de l’illumination. Au lieu de couper les choses mauvaises, j’en suis venu à penser que l’espace cadré devait être une version condensée de tout.» Les photographies furent publiées par Heibonsha en 1977 dans une édition collector spéciale en coffret intitulée The Mandalas of the Two Worlds: The Legend of Shingon-in, et présentées dans une exposition itinérante organisée par le Seibu Museum of Art et conçue par Ikko Tanaka.
Dans « Food Journal/Wrapped Foods » (Shokumotsushi/Tsutsumareta shokumotsu) (1984), Ishimoto photographia des aliments quotidiens du supermarché, mettant en relief l’étrangeté des poissons et légumes étirés contre le film alimentaire et le polystyrène en soulignant les qualités chromatiques intenses de ses sujets sur un fond noir tranchant, et les teignant d’une teinte bleu-verte qui rappelait l’apparence clinique des radiographies. La série attire également l’attention sur la montée du consumérisme de masse dans le Japon des années 1980, et les angoisses qu’éprouvait Ishimoto, enfant issu d’une famille ouvrière à une époque de rareté, face à la perte de l’individualité et à la sécurité alimentaire qui accompagnait la rapide croissance industrielle et commerciale."