Tijs Dragtsma (1992) - Venus Traced in Wild Bramble

Venus Traced in Wild Bramble prend le corps le plus cité dans l’histoire de l’art, la déesse en marbre cassé du Louvre, et lui rend une surface par l’absence plutôt que par la restauration. Ici, elle est formée d’un champ de fines rayures gravées dans un miroir en verre vert profond, sa tête tournée, ses cheveux bouclés et son torse à nu se dressant là où la surface colorée a été enlevée plutôt qu’ajoutée.

Le vert porte le mythe en avant selon ses propres termes. C’est la couleur du laurier et du roncier, de ce qui pousse sauvagement autour des ruines anciennes, et il installe Vénus dans quelque chose de plus terrestre que le marbre blanc des musées, si bien que la déesse de l’amour revient comme une figure encore enracinée dans la nature plutôt que scellée derrière le verre.

Autour d’elle, le miroir coloré vert profond tient la pièce. Regardez l’œuvre et vous saisissez aussi le mur derrière vous, la silhouette de quiconque se tient près de lui, attirée dans le même champ vert qui retient la déesse. Elle est présentée, mais jamais séparée de l’espace dans lequel elle est suspendue, et le spectateur devient partie de la composition.

L’image est toujours là, sous n’importe quelle lumière. Une source lumineuse unique et dure à l’autre bout de la pièce renforce le contraste et laisse le champ de marques individuelles capter et retenir la lumière, mais rien ici n’a besoin d’être allumé pour être vu. La lumière ne crée pas cette Vénus. Elle l’affûte.

À bout de vue, la figure monumentale se dissout en un champ de fines rayures, chacune faisant partie d’un courant plus vaste parcourant ses cheveux, son épaule, le drapé à sa hanche. En reculant, la déesse se réassemble, entière à nouveau dans sa silhouette même si ses membres ne le sont pas, portant encore la fracture qui l’accompagne depuis deux mille ans.

Cette œuvre poursuit la série Art on Mirror par Tijs Dragtsma, dans laquelle des images gravées sont incrustées dans du miroir coloré et le spectateur devient partie de l’œuvre. Un langage visuel où le dommage n’est pas une destruction, mais une structure, et où le miroir transforme le regard en participation. Cette œuvre est unique.

"Elle était cassée bien avant d’être trouvée, et pourtant elle se tient."

À propos de Art on Mirror – Green

Art on Mirror est un ensemble d’œuvres dans lequel l’image est gravée dans du miroir coloré, et le monde devant l’œuvre devient partie intégrante de celle-ci. Chaque trait est gravé dans une surface miroir verte profonde en acrylique. Les rayures sont toujours là, vives sur la couleur, tandis que la surface autour d’elles continue de refléter la pièce, la lumière du jour et la personne qui regarde.

Vu de loin, l’image paraît claire et complète, une silhouette pâle tenue dans un champ de vert. En s’approchant, l’œuvre s’ouvre sur une délicate toile d’indices individuels, fins et délibérés, chacun essentiel à l’ensemble. Derrière et entre eux, le miroir fait ce que fait un miroir. Il porte la pièce et le spectateur dans la composition, si bien que l’environnement dans l’œuvre change avec l’endroit où elle est suspendue, tandis que l’image elle-même reste fermement en place.

La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affûte. Le fond vert absorbe et réfléchit, les lignes gravées saisissent et retiennent, et sous un faisceau ponctuel le contraste s’accentue jusqu’à ce que la figure prenne une qualité sculpturale, presque lumineuse. Dans une lumière plus douce, la couleur avance et l’œuvre s’installe dans un registre plus calme, sans jamais perdre son sujet.

Le vert est la couleur de la croissance, des forêts et des choses qui reviennent sans cesse. C’est le terrain émotionnel sur lequel chaque œuvre de cette série est placée, et les sujets ont été choisis pour y appartenir.

Art on Mirror prolonge l’imagerie gravée d’Art with Scratch par Tijs Dragtsma sur un nouveau fond. Là où les œuvres noires tirent leur pouvoir de l’absence, celles-ci tirent le leur de la réflexion. Le spectateur ne regarde plus seulement l’œuvre. Le spectateur est dedans.

À propos de l’artiste

Je m’appelle Tijs Dragtsma, fondateur du TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis guidé par un désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style figé, mais comme un champ d’exploration en évolution où le matériau, la structure, la lumière et l’émotion se rejoignent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il parler d’une manière nouvelle. Comment la dureté peut-elle devenir intimité. Comment la précision peut-elle créer l’émotion. Cette recherche est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein du TD Fine Art Studio, chaque corps d’œuvre est abordé comme son propre monde, avec sa propre logique, son atmosphère et son identité visuelle. Certaines œuvres se construisent par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, le reflet ou la tension. Ce qui les relie, c’est un engagement partagé envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et ressenti. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon objectif n’est pas seulement de créer une image, mais de concevoir une œuvre qui retient l’attention, invite à la réflexion et continue à se révéler au fil du temps.

TD Fine Art Studio est l’espace dans lequel ces explorations se réunissent. Ce n’est pas seulement un studio, mais un univers artistique en évolution façonné par la curiosité, la précision et l’ambition de créer une œuvre qui se sent distinctive, intentionnelle et vivante.