Tijs Dragtsma (1992) - A Cannon Exhales Doves

Une pièce d’artillerie de campagne se tient levelée et prête, chaque sangle et rayon de roue comptés, toute la machine prise dans cette demi-seconde avant le tir. À l’embouchure du canon, là où la charge devrait éclater en fumée, une gerbe de colombes se répand au lieu de cela, ailes déjà déployées, déjà en train de monter vers l’obscurité.

Ni peinture, ni impression, ni encre. Le canon conserve sa forme en grande partie comme une ombre, ses roues, son canon, son chariot retombés dans le noir, dessinés uniquement par une lumière mince et sèche le long des rebords et des rayons, un champ de fines marques travaillées directement dans la surface du verre acrylique plutôt qu’appliquées dessus.

Plus étrange encore est le sol sur lequel il se tient. L’ombre que le canon projette sur la terre n’est pas faible du tout, c’est le passage le plus lumineux sous l’arme, un champ de marques individuelles qui capte plus de lumière que l’arme qui la projette, comme si le sol lui-même se rappelait quelque chose que le canon a déjà laissé partir.

Au-dessus du barillet, les oiseaux absorbent presque toute la lumière restante de l’image. Aile après aile, ils se résolvent en les formes les plus claires de toute la composition, sortant d’une machine conçue uniquement pour détruire et emportant avec elles la maigre luminosité qui reste.

A Cannon Exhales Doves appartient à No Man’s Land, une série dans Art with Scratch par Tijs Dragtsma dans laquelle les images sont construites par des dommages superficiels contrôlés plutôt que par pigment ou impression, et où ce même dommage devient un moyen de se demander à quoi sert une arme, une fois qu’elle ne peut plus être obéie.

L’image est toujours présente, en plein jour autant qu’à la lumière dirigée unique. La lumière ne la crée pas. Elle l’acquiert, elle l’aiguise, les rayons gagnant un dernier bord net et les colombes une lueur supplémentaire brève avant que l’œil ne se replie dans les ténèbres. Elle se lit différemment selon l’angle, sans jamais perdre l’image.

Vue de l’autre bout d’une pièce, l’œuvre se lit comme un seul geste net, un canon qui laisse partir quelque chose. De près, ce n’est qu’un champ de rayures, patient et précis, qui maintient une contradiction qu’aucun champ de bataille n’a jamais résolue.

« Même la machine la plus bruyante peut être conduite à exhaler quelque chose de doux. »

À propos d’Art with Scratch

Art with Scratch est un corpus d’œuvres où l’image n’est pas dessinée, mais libérée. Taillée ligne par ligne dans une surface noire profonde, chaque œuvre émerge à travers d’innombrables rayures précises qui reflètent la lumière et font sortir la forme de l’obscurité.

À distance, l’image apparaît presque photographique. Puissante, reconnaissable et pleine de présence. Et pourtant, de près, l’œuvre se dissout dans un champ dense de marques individuelles. Fine, fragile et presque sans poids. Ce qui semblait solide se révèle comme une délicate toile de lignes, chacune étant un geste délibéré, chacune essentielle à l’ensemble.

La lumière ne crée pas l’image. Elle l’affûte. La surface noire absorbe, tandis que les lignes rayées reflètent. Au fil des variations de lumière, l’image respire. D’un angle, la figure est nette et définie. D’un autre, elle devient plus douce et se retire vers l’obscurité dont elle est venue, sans jamais disparaître. Sous un faisceau dirigé, le contraste s’accentue et l’image prend une qualité sculpturale, presque lumineuse.

Ce qui rend ce médium si captivant, c’est sa tension calme. L’acte de gratter est direct et irréversible. Chaque ligne est une décision qui ne peut pas être annulée. Pourtant le résultat n’est pas rude. Il est intime, atmosphérique et vivant de mouvement. La dureté devient douceur. La destruction devient création. L’absence devient présence.

Dans des œuvres telles que ce portrait, la figure n’est jamais entièrement fixée. Par l’interaction de la ligne, de la lumière et de l’ombre, l’image se déplace avec la perspective et l’atmosphère. À certains moments, le sujet semble sortir du noir. À d’autres, il se retire dans le calme. C’est dans ce mouvement, entre netteté et calme, que l’œuvre prend vie.

Comme tous les matériaux touchés par le temps, la surface porte sa propre vie discrète. Chaque rayure contient un moment, un souffle, un geste. Ensemble, elles forment non seulement une image, mais une présence, qui continue de se révéler à chaque changement de lumière.

À propos de l’artiste

Je m’appelle Tijs Dragtsma, fondateur du TD Fine Art Studio.

En tant qu’artiste, je suis guidé par le désir constant d’explorer de nouveaux langages visuels. Je ne vois pas l’art comme un style figé, mais comme un domaine d’exploration en évolution où matériel, structure, lumière et émotion se rejoignent.

Mon travail commence souvent par une question simple. Comment un matériau peut-il parler d’une nouvelle façon ? Comment la dureté peut-elle devenir intimité ? Comment la précision peut-elle créer de l’émotion ? Cette quête est au cœur de tout ce que je crée.

Au sein du TD Fine Art Studio, chaque corpus est approché comme son propre monde, avec sa logique, son atmosphère et son identité visuelle. Certaines œuvres se construisent par le rythme, la répétition et la structure. D’autres émergent par l’absence, l’ombre, la réflexion ou la tension. Ce qui les relie, c’est un engagement commun envers l’originalité, la clarté et la présence émotionnelle.

Je suis fasciné par le contraste. Entre force et fragilité. Entre contrôle et ressentir. Entre ce qui est visible et ce qui reste ouvert à l’interprétation. Mon objectif n’est pas simplement de faire une image, mais de créer une œuvre qui retienne l’attention, invite à la réflexion et continue de se révéler avec le temps.

TD Fine Art Studio est l’espace où ces explorations se réunissent. Il n’est pas seulement un studio, mais un univers artistique en évolution bâti par la curiosité, la précision et l’ambition de créer des œuvres qui semblent distinctives, intentionnelles et vivantes.