Antonio Morato (1903–1989) - Maschere

AUTEUR

Antonio Morato (Este, 17 mars 1903 – Padoue, 13 mars 1989) se forma dans la Padoue animée des années vingt, en dehors des parcours académiques traditionnels. D’abord proche des idées du « Novecento », il se distingua par une sensibilité figurative affirmée, fondée sur une adhésion instinctive à la réalité. Il aimait en effet définir les artistes comme des « animaux à lunettes », capables de capter à l’avance ce qui circulait dans l’air. Dans ses premières toiles, consacrées aux natures mortes, aux masques et aux paysages, il allia une âme populaire authentique à un extrême soin formel et compositionnel.

Après la guerre, son langage évolua en assimilant les décompositions spatiales de Picasso et le chromatisme de Matisse, avant d’aboutir, à partir de la fin des années cinquante, à une production plus intime et désabusée. Fuyant les modes passagères, sa période tardive prit des accents plus introspectifs : le chant primitif et idyllique du paysage vénitien céda la place à une peinture exprimant un malaise palpable face à l’extension de l’urbanisation et de la civilisation industrielle. Ses sujets typiques furent ainsi traités dans une matière colorée plus dépouillée et essentielle, la couleur demeurant un élément central dans la construction des volumes.

Sur le plan technique, outre ses qualités de peintre de chevalet, capable de passer de l’huile au pastel, Morato fut un excellent fresquiste. Parmi ses œuvres publiques les plus prestigieuses figurent les décorations de la « Sala delle studentesse » au Palazzo del Bo et les cycles de fresques, dont le « Chemin de croix », dans l’église padouane de la Sacra Famiglia (1939-1940). Aujourd’hui, ses œuvres, précieux témoignages de l’ensemble de son parcours stylistique, sont conservées et mises en valeur dans les collections municipales de la ville de Padoue et font partie de prestigieuses collections privées, confirmant l’importance de cet interprète original et solitaire du Novecento vénitien.

DESCRIPTION

« Maschere », technique mixte sur toile, 80x100cm, datant probablement des années 60. Bien que le tableau ne soit pas signé, il est certainement de la main de Morato, comme le confirment les comparaisons et sa provenance, puisqu’il provient des héritiers du peintre lui-même. Un certificat régulier d’authenticité et de provenance est fourni.

L’œuvre donne vie à un théâtre énigmatique de l’existence, suspendu entre le flux inexorable du temps et le jeu des simulacres humains. À gauche se dresse une figure au cou allongé, dont la tête se dédouble en deux visages recueillis et mélancoliques, tandis que le buste, dessiné par un enchevêtrement dense de lignes dynamiques, tend le bras vers le centre de la scène. Là se tient une figure féminine parée d’un collier et de boucles d’oreilles, dont les traits sévères dominent un giron enveloppant sur lequel repose un petit fruit arrondi. Derrière elle, en hauteur, se détache un grand cadran d’horloge dont les aiguilles sont proches de minuit ; à sa droite se trouve une figure couronnée aux yeux écarquillés, semblable à un roi de cartes à jouer ou à une idole antique, et, tout à droite, un buste acéphale, semblable à un mannequin ou à une cuirasse quadrillée surmontée d’un axe tourné.

La composition repose sur une architecture verticale resserrée, qui aligne les personnages au premier plan comme sur un proscenium, le disque de l’horloge et la sphère située en dessous constituant les pivots géométriques autour desquels tourne toute la représentation. La matière picturale allie avec maîtrise un trait graphique rapide, nerveux et continu, bleu-violet — qui dessine les contours et creuse les anatomies tout en laissant largement à découvert le fond clair du support — à des touches fluides, liquides et presque aquarellées. Il en résulte une construction et une harmonie chromatiques extraordinaires, fondées sur la parfaite résonance de deux accords complémentaires : les verts émeraude et sauge, qui entourent le cadran, ponctuent le damier du mannequin à droite et font vibrer les éléments sphériques, dialoguent admirablement avec les chaudes nuances de rouge carmin, de pourpre, de mauve et de vieux rose qui enveloppent le fond à gauche et le centre de la composition, fondant dessin et peinture en une partition tonale d’une rare légèreté, transparence et musicalité.

Datant des années soixante, l’œuvre appartient pleinement à la période de maturité, plus désabusée, de Morato, amorcée à la fin de la décennie précédente sous le signe d’une recherche toujours plus intime et introspective. La leçon européenne assimilée après la guerre — reconnaissable dans la décomposition simultanée des profils, d’inspiration picassienne, et dans la liberté expressive de la couleur héritée de Matisse — aboutit ici à une matière picturale dépouillée et essentielle, où quelques aplats équilibrés suffisent à créer le volume et l’espace. Fuyant les modes passagères pour rester fidèle à sa cohérence solitaire, Morato renouvelle le thème des masques qui lui est cher et confirme qu’il est cet « animal à lunettes » doté d’une réceptivité instinctive, capable de capter ce qui circule dans l’air et de traduire le passage du temps et les énigmes de l’identité en une vision poétique et lyrique.

RAPPORT DE CONDITION

Bon état général. L’œuvre est intacte dans toutes ses parties, avec des couleurs et une touche vives et bien lisibles.

La photo du tableau intégrée dans une mise en situation a été générée par intelligence artificielle et doit être considérée comme purement illustrative. Seules les autres photos font foi ; elles montrent fidèlement l’objet et ses caractéristiques, générales comme détaillées.

Expédition suivie et assurée, avec un emballage adapté.