Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Opera unica, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dall’atelier.
#21 - XL - "Nell'incertezza".

Acrilico in spray su lastra di Perspex da 3 mm.
Trasparenze sulla stampa.
Questa tavola non è una stampa. Si tratta di un'opera originale 'multi-couches' il cui aspetto lucido 'glossy', simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni : Pollici 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm senza cornice.

Questo quadro viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Quercia (pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 150€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità lo accompagna.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte in tutta Europa, in Svizzera e a Dubai. Per ulteriori informazioni e scelte, visitare www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna marzo 2026.


Biografia

Nato a Ginevra, in Svizzera, sono cresciuto circondato dalle bellezze naturali e dalla ricchezza culturale della mia terra natale. La creatività era apprezzata nella mia famiglia, e fu il mio defunto nonno, artigiano e artista, a piantare il seme di quella che sarebbe poi diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 -Ho sempre sentito che i grandi quadri ti arrivano addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere più piccole possono suscitare molto più amore. Sono stato inizialmente attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Nel tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una certa affezione per i materiali spirituali, poiché rispondevano alla mia esplorazione dell’esistenza umana e alle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare un vero artista non è stato immediato.

Per oltre trent'anni ho intrapreso una carriera imprenditoriale internazionale che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, al Belgio, passando per l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nella scena artistica locale e mi lasciavo coinvolgere dall'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante fossi concentrato sulla mia carriera imprenditoriale, l'arte è sempre stata parte di me, covando silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata per me una forma di meditazione segreta, un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nella pittura. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un'opportunità per vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulla propria vita.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera imprenditoriale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando spazio nelle collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.


Artistic CV

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche di pittura tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass estruso riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte
superficie fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Autorizzo “esperimenti casuali” —qualsiasi cosa valga per interrompere la ragione!— per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone delle domande; i “coincidenze” significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che riecheggia il processo di rivelazione / fissazione della fotografia è stimolante e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che probabilmente scopriremo quando ci fermiamo in silenzio e alla luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica”, ma l’esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellectualizzazione / possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita al cuore stesso della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di themselves. Di conseguenza non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno né ragione d’essere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa talvolta evocare la trasparenza e la luminosità delle vetrate, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera funziona come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Speriamo che il gioco tra “dettagli per il primo piano” – un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo – e “la distanza per il tutto” incoraggi gli spettatori ad intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio restare umile su ciò che è possibile realizzare. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità ed esplorare oltre ciò che posso realizzare. La pittura per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: «La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere».



Riguardo alla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi luccicanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i quieti esiti di una lunga e deliberata indagine. Per me, l'attenzione vera è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette che essa emerga.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

Il primo è un ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come 'senza oggetto' e avendo 'né contenuto, né significato, né senso', spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce al secondo intento: il Primato dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere.” Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce che cambia, strati translucidi e il lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

Il terzo è dove l'idea incontra la mano: il processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglas, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio conscio del controllo nell'atto stesso di creare. Imposto delle condizioni, ma rinuncio al risultato, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso,” pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attendere ciò che arriva “qui e ora.”

Con queste intenzioni convivono alcuni delicati paradossi che sostengono il lavoro:

Fortuna e Disciplina
Parlo di 'coincidenze significative', ma esse sono possibili solo entro limiti accurati e ben definiti. La casualità è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quiete palpabile.

Nostalgia del presente
Una dolce nostalgia persiste nell'opera, eppure è curiosamente rivolta al presente: un anelito verso le «necessità irreducibili» che si trovano nel «silenzio e nella luce»—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre silenziosamente.
Impegno e facilità

Il processo richiede una concentrazione costante, tuttavia mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse emerso di propria spontanea volontà. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In quest'ottica, ho imparato a sentire che l'età dell'informale è appena cominciata. La mia pratica è debitrice dello spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma — un'informalità in cui il caso non è una rottura, ma un tranquillo collaboratore.

Nel suo cuore c'è una ricerca del «le vif»—il nucleo vivente. L'opera tende verso l'esperienza diretta anziché l'intellettualizzazione. La scala modesta che spesso scelgo è pensata per favorire l'intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questo è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un'unica ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul paradosso quieto non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner