Anton Kaestner - #329 - S - " Hommage à Soulages #6 ".

Monumento unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#329 - S - " Omaggio a Soulages #6 ".

Spray acrilico su lastra di plexiglas da 3mm.
Trasparenze su stampa.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-couche" la cui resa brillante "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unica.

Dimensioni : 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Rovere (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Authenticità.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna marzo 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha seminato il germe di ciò che sarebbe diventata la mia passione per la vita.
Nel 1993, ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre ritenuto che le grandi immagini vadano dritte contro di te, dominanti e intimidatorie, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. All'inizio sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerandomi atheista, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per la Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersezione nel panorama artistico locale e mi lasciavo guidare dall'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che bolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio sé interiore.

Ho sempre trovato immensamente soddisfacente dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando case in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in un studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distinto all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante il suo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti "casuali"—qualsiasi cosa vada per saltare la ragione!—di guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando il pezzo è finalmente esposto. Ma sia chiaro: nei miei quadri è la casualità a non prendere decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione / fissazione della fotografia è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concepimento teorico” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intelletualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita nel cuore stesso della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini, o giorni, che hanno anch’essi né ragione d’essere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro stained, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle luccicante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni lavoro agisce come un basso profilo specchio: vive, cambia, vede. L'interplay di luce, colore e tessitura, dei pezzi mancanti anche, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova - e “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità ed esplorare ancora di più ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per innescare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L'era dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel paesaggio dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette la sua nascita.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica, e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un evento silenzioso da sentire—modellato dal mutare della luce, dagli strati traslucidi e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l'opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole di controllo nell'atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo quando completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva "qui e ora."

Sostenere queste intenzioni implica alcune delicati paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia alberga nell’opera, ma è curiosamente tesa al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un augurio di pura presenza che l’opera stessa offre in modo discreto.

Sforzo e Sforzoletà
Il processo richiede attenzione costante, ma punta a un risultato che si sente autonomo, come se fosse “emerso di sua volontà.” Sono attratto da ciò che sembra assolutamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Art Informel, anche se forse con meno angoscia e più calma—un informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore quieto.

Nel cuore c'è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In fin dei conti, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica ancorata al gioco silenzioso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner