Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#355 - S - " Omaggio a Richter a Parigi ".

Acrilico spray su lastra di plexiglass di 3mm.
Trasparenze su stampa.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-strati" il cui risultato lucido "glossy" vicino all'applicazione di una resina è unico.
Il bianco è più bianco nella realtà che nella foto.

Dimensioni : Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura Bianco o Argento opaco (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 70€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità la accompagna.
La consegna è coperta da un assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna Maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano e artista, la sua influenza a piantare il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni formato A4 e poi A3 - ho sempre pensato che i grandi dipinti vadano direttamente verso di te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Mi sono initialmente avvicinato alla pittura non figurativa e all'espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi accostai all'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'enfasi sulla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, silenziosamente ribollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me — un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immense soddisfazioni nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera nel mondo degli affari, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente al mio arte. Entro la fine del 2024, ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, a mia grande sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025, mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in evidenza un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass estruso riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivi o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti "casuali"—tutto è lecito per interrompere la ragione!—di guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per la rivelazione e la scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con molto rigore. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni lavoro una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le "necessità irreducibili", cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo deliberatamente semplice il mio approccio. Né "emozione" né "concezione teorica" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "intelletualizzazione / possesso intellettuale", ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di per se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che hanno anch'essi né ragione d'essere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un sorriso-mirino discreto: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra "dettagli per il primo piano" - un dettaglio di un quadro è una immagine completamente nuova - e la "distanza per l'insieme" incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze e ad esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me, dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non avere bisogno di noi. L'epoca dell'informale è solo agli inizi.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere".

Sull'Coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi sfavillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati tranquilli di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e avendo "né contenuto, né significato, né senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decifrazione e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di inserire ciò che considero un "esperienza dell'essere". Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un evento silenzioso da sentire—modellato dalla luce che cambia, strati traslucidi e il lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l'opera "vive, cambia, vede".

La terza è dove idea incontra mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Pitturare sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È un rilascio consapevole del controllo nell'atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un "oggetto di se stesso", pienamente rivelato solo quando completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva "qui e ora".

Sostenere queste intenzioni implica alcune sottili contraddizioni che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che considero prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una quieta fermezza.

Nostalgia del Presente
Una morbida nostalgia persiste nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le "necessità irreducibili" trovate nel "silenzio e nella luce"—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre silenziosamente.

Sforzo e Sforzo-Devoto
Il processo richiede attenzione costante, ma punta a un risultato che sembri autonomo, come se fosse "emerso di propria volontà". Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che "l'epoca dell'informale è solo all'inizio". La mia pratica è debitrice allo spirito dell'Arte Informale, anche se forse con meno angoscia e più calma—un informale dove il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Al centro c'è una ricerca di "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende a un'esperienza diretta anziché all'intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per favorire l'intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente un percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un tranquillo paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono, credo, diventare una fonte di resilienza.

Anton Kaestner