Anton Kaestner - #348 - XL - " Hommage à Soulages ".

Opera unica, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#348 - XL - "Omaggio a Soulages".

Acrilico spray su lastra di Perpex di 3 mm.
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di un pezzo originale "multistrato" il cui effetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: Pollici 34,3 * 24,2 * 0,12 / cm 87 * 61,5 * 0,3 senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Rovere (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 150€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Authenticità.
La spedizione è coperta da un assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biography

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a influenzarmi e a piantare il seme di ciò che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre ritenuto che i grandi dipinti vengono verso di te, imponenti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, sviluppai anche una predilezione per i materiali spirituali poiché rispecchiavano la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel commercio che mi ha condotto in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, dal Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante il focus sulla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, silenziosamente bollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me — un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024, ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando place in collezioni private in tutta Europa, in particolare in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Artistic CV

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a tratti fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo — qualcosa che accolgo. permetto a esperimenti casuali — tutto è consentito per interrompere la ragione! — di guidare l’esito, gli strati e gli effetti specchi che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende decisioni; al massimo, pone domande; coincidenze significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze e danno a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono contento quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile che si scopra quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio deliberatamente semplice. Né “emozione” né “concepzione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intelectualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita nel cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini, o giorni, che anch’essi non hanno una ragione di esistere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro può a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle luccicante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il primo piano” — un dettaglio di un’immagine è un’immagine completamente nuova — e “distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che è possibile ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere, per me, è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un mezzo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere."

About the coherence in my practice

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non da prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti — campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass — sono i risultati silenziosi di una lunga e mirata indagine. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che penso sia un “esperienza dell’essere.” L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luce fluttuante, strati trasparenti e il leggero riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso dici, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo quando è completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa convivere con alcuni paradossi gentili che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che condividiamo non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una leggera nostalgia persiste nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre discretamente.

Sforzo e Sforzo-Rinuncia
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se “emerso da solo”. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sono arrivato a sentire che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro c’è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è intesa a incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In fin dei conti, questa è semplicemente il percorso di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono filoni separati, ma parti di un’unica ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner