Anton Kaestner - #274 - XL - " Dark Corner ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#274 - XL - "Dark Corner".

Acrilico spray su lastra di Perpex di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale a "multi-strati" la cui resa brillante "glossy", simile all’applicazione di una resina, è unica.

Dimensioni: pollici 34,3 x 24,2 x 0,12 / cm 87 x 61,5 x 0,3 senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Rovere (pollici 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 150€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelte su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a imprimermi l’influenza che ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 – ho sempre sentito che grandi quadri arrivano dritti a te, con prepotenza e intimidazione, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più l’amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Nel tempo, e sebbene mi consideri agnostico, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, dall’Italia al Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Dovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ogni posto.
Nonostante l’attenzione alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, silenziosamente bollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle loro stesse vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho aperto il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando dimora in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, mostrava un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera durante lo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti “casuali”—tutto è lecito per aggirare la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti speculari che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nei miei quadri la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone domande; i significativi “coincidenze” sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica”, ma l’esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “accaparramento intellettuale”, ma ampliamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia abbia sempre fatto parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come ogni oggetto, sono oggetti di per se stessi. Di conseguenza non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno una ragione d’essere, né fine, né scopo. Mentre la mia opera potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane pressoché interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si intravede la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un mirino discreto: vive, cambia, vede. l’interazione di luce, colore e texture, dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il primo piano”—un dettaglio di un quadro è una tela completamente nuova—and “distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie abilità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Pitturare, per me, è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere.\n
Sull.coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove contenuto e forma hanno peso uguale, cerco di creare lavori definiti non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vivuta. In questo spazio aperto, cerco di porre ciò che considero una “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dalla luce che cambia, dagli strati traslucidi e dal leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede”.

La terza è dove idea e mano si incontrano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole del controllo nell’atto di creare. Rendo condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, rivelato pienamente solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcune dolci paradossi che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti precisi. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo senza senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenciosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia resta nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un augurio di pura presenza che il lavoro offre silenziosamente.

Sforzo e Facilità
Il processo richiede attenzione costante, pur mirando a un risultato che sembri autonomo, come se “emergesse di propria volontà”. Mi attira ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’età dell’informalismo è appena iniziata”. La mia pratica deve essere debitore allo spirito dell’Art Informel, seppure forse con meno angoscia e più calma—un’informalità in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore quieto.

Nel suo cuore è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’astrazione intellettuale. La modesta scala che scelgo spesso è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In definitiva, questa è semplicemente il percorso di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono filoni separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Through disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner