Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#295 - XL - "Mirror #1".

Acrylic spray su lastra di Perpex di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale a «multi-strati» dal finitura lucida "glossy" prossima all’applicazione di una resina, unica nel suo genere.

Dimensioni: 34,3 x 24,2 x 0,12 pollici / 87 x 61,5 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Rovere (pollici 0,23 x 1,38 / cm 0,6 x 3,5) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 150€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Un Certificato di autenticità la accompagna.
La spedizione è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a lasciare l’impronta che avrebbe alimentato la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3: ho sempre sentito che i grandi dipinti arrivano dritti a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere di piccole dimensioni possono ispirare molto di più l’amore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur ritendomi ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché rispondevano alla mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per Belgio, Asia e Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante la focalizzazione sulla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, silenziosamente ribollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle loro stesse vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono pienamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi completamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando spazio in collezioni private in tutta Europa, in particolare in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmen ti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera man mano che si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto “esperimenti casuali”—tutti i tiri per bypassare la ragione!—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti speculari che creo, lasciando spazio a rivelazioni e scoperte quando l’opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone domande; coincidces significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necesità irreducibili”, cioè ciò che probabilmente scopriremo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente un approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “logoramento/intellettualizzazione”, ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili: la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione d’essere né fine né scopo. Pur potendo la mia opera a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vitral, resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un “discreto specchio”: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, di parti mancanti incluso, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “parti per il dettaglio”—un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo—e “la distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori ad intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile raggiungere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, spingendomi a affinare le mie competenze e a esplorare ulteriormente cosa posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non avere bisogno di noi. L’età dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: «La pratica quotidiana moltiplica la passione di vedere».

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi brillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette che emerga.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e privandole di “contenuto, significato e senso”, spero di allentare delicatamente l’attesa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dalla luce che cambia, dagli strati trasparenti e dal leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede”.

La terza è dove l’idea incontra la mano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nel gesto di creare. Stabilisco condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare quello che chiamo un proprio “oggetto di sé”, rivelato pienamente solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora”.

Mantenere queste intenzioni comporta alcune tenui beffe che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che considero prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è un'affermazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una quieta immobilità.

Nostalgia per il presente
Una soft nostalgia aleggia nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necesità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un impulso di pura presenza che il lavoro stesso offre in modo discreto.

Impegno e Impegno senza sforzo
Il processo richiede attenzione costante, pur mirandone a un risultato che sembri autonomo, come se “emergesse di propria volontà”. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Art Informel, seppur forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Al centro c’è la ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso è pensata per favorire l’intimità, non lo spettacolo.

In fondo, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un’unica ricerca. Ho scoperto che una pratica radicata nel quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner