Anton Kaestner - #340 - L - " Dust #2 ".

Opera unica, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#340 - L - " Dust #2 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3 mm.
Trasparenze su stampa.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-strati" dal rendere lucido "glossy" simile all'applicazione di una resina, unico.

Dimensioni : Inch 21,1 * 17,3 * 0,12 / 53,5 * 44 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Rovere (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 110€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità la accompagna.
La consegna è coperta da un assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventato la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi dipinti ti arrivano addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più l'amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerandomi ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente un artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, in Asia e in Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque io sia andato, mi sono immerso nelle scene artistiche locali e ho interagito con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, a quieta maturazione sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio sé interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo aver lasciato la mia carriera imprenditoriale, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho allestito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando collocazioni in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Curriculum Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", allestita a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglas riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera man mano che si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti "casuali"—tutto è lecito per interrompere la ragione!— per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma diciamolo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che riecheggia il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le "necessità irreducibili", cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né "emozione" né "concezione teorica" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "intelletualizzazione/proprietà intellettuale", ma ampliare la coscienza ed esplorare la realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della "vita nel cuore della vita", per ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere, né fine, né scopo. Anche se a volte la mia opera può evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si intravede la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni lavoro agisce come un filtro discreto: vive, cambia, vede. L’interplay di luce, colore e texture, delle parti mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra "dettagli per il vicino"—un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova— e la "distanza per il tutto", incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che si può realizzare. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una contesa con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità e ad esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'era dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere".

Sull'coerenza nella mia pratica

Nella scena dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglas—sono i silenziosi risultati di un'inchiesta lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica poggia su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e prive di "contenuto, significato o senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di inserire ciò che considero una "esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati traslucidi e dal lieve riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come noto spesso, l'opera "vive, cambia, vede."

La terza è dove idea e mano si incontrano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole del controllo nell'atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che definisco un "oggetto di se stesso" indipendente, completamente rivelato solo quando è completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva "qui ed ora."

Mantenere queste intenzioni comporta alcuni delicati paradossi che sostengono l'opera:

Casualità e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma sono possibili solo entro confini accurati. La casualità è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia permea l'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: il desiderio delle "necessità irreducibili" trovate nel "silenzio e la luce"—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre discretamente.

Impegno e Sforzo Semplice
Il processo richiede costante attenzione, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse `emerso da sé`. Sono attratto da ciò che appare completamente inevitabile.
In questo spirito, ho maturato la sensazione che "l'età dell'informale è appena iniziata". La mia pratica è debitore dello spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un'informalità dove la casualità non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro c'è una ricerca per il "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta anziché all'intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner