Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Opera unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#188 - S - "Backwash 1".

Acrilico spray su lastra di plexiglass di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-couche" dal brillio lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, unico nel suo aspetto.

Dimensioni: 9,1 x 12,6 x 0,12 pollici / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura Bianco o Argento opaco (pollici 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) raccomandata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità l'accompagna.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata la mia grande passione.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre pensato che grandi quadri arrivino dritti a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere minori possono ispirare molto di più. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in tutto il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ciascun luogo.
Nonostante il focus sulla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, sobbollendo silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo aver lasciato la mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando collocazioni in collezioni private in tutta l’Europa, in particolare Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025, mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", allestita a Parigi alla fine del 2024, proponeva un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass espanso riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti “casuali”—tutto è permesso per interrompere la ragione!—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che riecheggia il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci si ferma in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Né “emozione” né “concetto teorico” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “asservimento intellettuale/intellettuale” ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif” (il vivo). Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno ragione di esistere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimangono quasi interamente astratti. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle che luccica, dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come un distinto specchio: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, dei pezzi mancanti incluso, richiede solo empatia. Speriamo che il gioco tra “dettagli per il vicino”—un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova—e “distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che si può ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, spingendomi a affinare le mie capacità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere".

Sull’coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare opere definite non per la loro prominenza, ma per la loro presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce dentro plexiglass—sono i risul­tati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intendimenti allineati.

Il primo è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta al secondo intento: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che chiamo un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un evento silenzioso da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati traslucidi e dal lieve riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

Il terzo è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di sé”, rivelato pienamente solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa accogliere alcuni paradossi delicati che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo meaningless. Forse ciò che condividiamo non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia persiste nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: una nostalgia delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Impegno-Niente-Complicazione
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che sembra autonomo, come se fosse “emerso da solo”. Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sono arrivato a sentire che “l’epoca dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è debitore dello spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno anguish e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Nel suo cuore è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivo. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La piccola scala che scelgo spesso è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In definitiva, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e i miei riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner