Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Opera unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#197 - S - "Backwash 2".
Un bel piccolo quadro che l'anno scorso è passato in Australia.

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" dal finish brillante "glossy" simile all'applicazione di una resina, unica nel suo genere.

Dimensioni: Pollici 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura Bianco o Argento opaco (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
È accompagnato da un Certificato di Autenticità.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività è sempre stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano e artista, la cui influenza ha seminato il germoglio di ciò che alla fine sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 – ho sempre pensato che grandi quadri arrivino direttamente a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere più piccole possono ispirare molto di più. Mi attirò inizialmente la pittura non figurativa e l'espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerandomi ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché rispondevano alla mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi engagevo con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione alla mia carriera professionale, l'arte è sempre stata parte di me, che sobbolla quietamente al di sotto della superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—a way to break free from the world and focus on my inner self.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un autentico incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra individuale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all'arte, distante dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti “casuali” - tutto è lecito per cortocircuitare la ragione! - per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone domande; co/momenti significativi di “coincidenze” sono possibili solo con un grande senso della disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco delle “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo deliberatemente semplice il mio approccio. Nessuna “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell'essere. Nessun “consumo rapido” né “intellettualizzazione / Possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia abbia sempre fatto parte del mio lavoro, i miei quadri sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione d’essere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un mirror discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e tessitura, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è una foto completamente nuova - e “distanza per l’insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere."

Sull’equilibrio nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare opere definite non dalla rilevanza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglas—sono i risulti silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette la sua emergenza.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione e verso una forma di guardare più diretta.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati trasparenti e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole del controllo nell’atto di fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silente allo sviluppo fotografico—a patient waiting for what arrives "here and now."

Sostenere queste intenzioni comporta alcune delicati paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una palpabile quiete.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia permane nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre in silenzio.

Sforzo e Sforzo-Intralcio
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se “emergesse di propria volontà.” Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informalità in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Nel cuore vi è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a favorire l’intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una stessa ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner