Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Opera unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#88 - XL - "Squander".

Acrilico spray su lastra di Perpex di 3 mm.
Questa tela non è una stampa. Si tratta di un’opera originale "multistrato" che presenta una resa lucida "glossy" vicina all’applicazione di una resina ed è unica.

Dimensioni : 24,2" x 34,3" x 0,12" / 61,5 cm x 87 cm x 0,3 cm senza cornice.

Questa tela viene fornita senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Quercia (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 150€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La spedizione è coperta da un’assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per quella che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri arrivano direttamente verso di te, prepotenti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una preferenza per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero un artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, in Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influssi culturali. Ovunque stessi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi impegnavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, bollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per uscire dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, a mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando collocazione in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sagrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Curriculum Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto “ esperimenti casuali” -tutto è lecito per interrompere la ragione!- per guidare l’esito, gli strati e gli effetti specchio che creo, lasciando spazio all’illuminazione e alla scoperta quando l’opera viene finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; casualità significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze che conferiscono a ogni opera una qualità “ascetica”: sono contento quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma l’esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere né fine o scopo. Mentre il mio lavoro talvolta richiama la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi totalmente astratto. Inoltre, il plexiglas dona al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un mezzo specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e texture, anche dei passaggi mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il vicino” -un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo- e “la distanza per l’insieme” incoraggi lo spettatore a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell’informalità è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sulla coerenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari dignità, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i frutti silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sul quieto intreccio di pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre obiettivi allineati.

Il primo è un Ritirarsi dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a distaccarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce al secondo intento: la Primazia dell’Esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati trasparenti e dal flebile riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra lo proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

Il terzo è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una rilasciamento conscio del controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui ed ora.”

Sostenere queste intenzioni significa anche convivere con alcuni paradossi delicati che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma esse sono possibili solo entro limiti precisi. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicare senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una palpabile quiete.

Nostalgia del presente
Una dolce nostalgia rimane nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio di “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera offre silenziosamente.

Sforzo e Sforzo-assenza
Il processo richiede costante attenzione, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se “emergesse di sua volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informalismo è appena iniziata.” La mia pratica è dovuta allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Nel suo cuore è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende al vissuto diretto piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In fin dei conti, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono filoni separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Con disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner