Anton Kaestner - #364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Unico pezzo, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3mm.
Questa tavola non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" la cui resa lucida "glossy", vicina all'applicazione di una resina, è unica.

Dimensioni : Pollici 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questa opera viene consegnata senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da un assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la sua influenza a piantare il seme per ciò che alla fine sarebbe diventata la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre avvertito che grandi quadri arrivano dritto a te, soverchiante e intimidatorio, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più l'amore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, dall Belgio all'Asia e alla Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi impegnavo con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che bolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuovo lavoro è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera nel mondo degli affari, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando dimora in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vuota a Lisieux, in Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglas riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti "casuali"—niente è vietato per aggirare la ragione!—per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, lasciando spazio a rivelazione e scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiarisco: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo chiede le domande; coicidenze significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio deliberatamente semplice. Né "emozione" né "concetto teorico" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "intelletualizzazione / possesso intellettuale", ma espansione della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della "vita al centro della vita", per ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch'essi non hanno una ragione d'essere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglas conferisce alla pittura una pelle scintillante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un contratto mirror: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra "dettagli da vicino"—un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo—e la "distanza per l'insieme", incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che è possibile realizzare. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una scena di confronto con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità ed esplorare ulteriormente ciò che posso compiere. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per scaturire conversazioni significative, una ricerca per una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'era informale è appena cominciata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sulla coerenza del mio metodo

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare lavori definiti non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i silenziosi risultati di una lunga e deliberata ricerca. Per me, la vera attenzione è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo i lavori come "senza oggetto" e con "né contenuto, né significato, né senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primacía dell'esperienza vissuta. In quello spazio aperto cerco di inserire ciò che considero un'"esperienza di essere". Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un evento silenzioso da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati traslucidi e dal leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l'opera "vive, cambia, vede."

La terza è dove idea incontra mano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell'atto di creare. Stabilisco condizioni, ma cedo l'esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un "oggetto di se stesso" indipendente, pienamente rivelato solo quando è completa. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva "qui ed ora."

Tenere queste intenzioni comporta alcuni paradossi delicati che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma esse sono possibili solo entro confini attenti. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso lavori che chiamo meaningless. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una quieta presenza, una palpabile immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia resta nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel "silenzio e la luce"—un desiderio di pura presenza che il lavoro stesso offre silenziosamente.

Impegno ed Economie di Impegno
Il processo richiede una costante attenzione, ma punta a un risultato che sembri autonomo, come se fosse "emerso di propria volontà". Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho arrivato a sentire che "l'epoca dell'informale è appena iniziata". La mia pratica è debitrice allo spirito dell'Art Informel, seppure forse con meno angoscia e più calma—un informale dove il caso non è una rottura, ma un silenzioso collaboratore.

Nel suo nucleo c'è una ricerca di "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso è pensata per favorire l'intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono filoni separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner