Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrilico in spray su lastra di plexiglas di 3 mm.
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" la cui resa brillante "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unica.

Dimensioni : Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo quadro è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità ne accompagna l'opera.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte in tutta l'Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a imprimermi l'influenza che avrebbe posto le basi per la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre pensato che le grandi immagini arrivino direttamente verso di te, dominanti e intimidatorie, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto rispecchiavano la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante la centralità della mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che ribolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me — un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e di riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera nel business, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho allestito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all'arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Curriculum Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante lo sviluppo. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo — qualcosa che apprezzo. Permetto a esperimenti casuali — tutto è lecito per sabotare la ragione! — di guidare l'esito, gli strati e gli effetti di specchio che creo, lasciando spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiaramente: nelle mie immagini la casualità non prende decisioni; al massimo pone domande; coinkidences significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione / fissaggio della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le "necessità irreducibili", cioè ciò che probabilmente scopriamo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo deliberatamente un approccio semplice. Né "emozione" né "concezione teorica" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "intellettualizzazione / possesso intellettuale", ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della "vita al cuore stesso della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia faccia parte della mia opera, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno neppure ragione di esistere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si intravede la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera funge da specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e materia, anche degli elementi mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra "dettagli per il basso" - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e la "distanza per il tutto" incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che si può raggiungere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a raffinare le mie abilità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per accendere conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell'informale è appena appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sull coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti — campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass — sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull'immagine finale che sul quieto gioco tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e avendo "né contenuto, né significato, né senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso una forma di guardare più diretta.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Viviuta. In quello spazio aperto, cerco di mettere ciò che considero un "esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato da luce mutevole, strati trasparenti e il lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso ricordo, l'opera "vive, cambia, vede."

La terza è dove l'idea incontra la mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole di controllo nell'atto creativo. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un "oggetto di se stesso" indipendente, completamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico — un paziente'attesa di ciò che arriva "qui ed ora."

Sostenere queste intenzioni comporta alcuni paradossi gentili che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma sono possibili solo all'interno di confini attentamente definiti. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato — una texture di luce, una presenza tranquilla, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia è presente nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le "necessità irreducibili" trovate nel "silenzio e la luce" — un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre discretamente.

Sforzo e Sforzo-Estinto
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse "emerso di propria volontà". Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che "l'età dell'informale è appena iniziata". La mia pratica deve molto allo spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Nel suo cuore è una ricerca della "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellectualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un artysta. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner