Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Acrylique spray su lastra di plexiglass di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-couche" la cui resa lucida "glossy", vicina all'applicazione di una resina, è unica.

Dimensioni: Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile durante la spedizione per un importo addizionale di 70€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelte su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, in Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventato, nel tempo, la mia passione.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3: ho sempre sentito che grandi quadri arrivano dritti a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché rispecchiavano la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, dall’Europa all’Asia e alla Francia. I miei viaggi hanno allargato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e assaporavo l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, quietamente ribollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio dove posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho aperto il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, in Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", allestita a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti “casuali” - tutto è lecito per mettere in corto circuito la ragione! - per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone delle domande; confronti significativi sono possibili solo con un grande senso della disciplina. Questo approccio che risuona con il processo di rivelazione / fissaggio della fotografia è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze che conferiscono a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia abbia sempre fatto parte del mio lavoro, le mie pitture sono prive di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno una ragione di essere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante da cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, delle parti mancanti, richiede anche empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per vicino” - un dettaglio di una foto è un quadro completamente nuovo - e “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di mettere in discussione e crescere. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me, dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di un colore così perfetto che non ha bisogno di noi. L’età dell’informale è appena agli inizi.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere".

Sullcoerenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette a essa di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Viviuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luce mutevole, strati trasparenti e dal riflesso fioco dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Pitturare sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lascivia. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di sé” indipendente, pienamente rivelato solo al completarsi. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attese di ciò che arriva “qui ed ora.”

Mantenendo these intention, ci sono alcuni paradossi dolci che sostengono il lavoro:

Casualità e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini attenti. La casualità è un ospite accettato, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” tramite opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una immobilità palpabile.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia resta nel lavoro, ma è curiosamente diretta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre in silenzio.

Sforzo e Sforzo Minore
Il processo richiede una costante attenzione, ma punta a un risultato che sembra autonomo, come se fosse “emerso da sé.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’età dell’informale è appena agli inizi.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’arte informale, sebbene forse con meno tormento e più calma—un informale dove la casualità non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Nel profondo c’è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende verso l’esperienza diretta piuttosto che l’intellettualizzazione. Le dimensioni modeste che spesso scelgo mirano a favorire l’intimità, non lo spettacolo.

In definitiva, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un’unica ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner