Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#332 - S - " Enough 2 ".

Acrilico in spray su lastra di plexiglass di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di una opera originale "multi-couche" il cui risultato lucido "glossy", vicino all’applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: Inch 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da un’assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra natia. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che i quadri grandi vengono direttamente verso di te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri ateo, ho anche sviluppato una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero un artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in tutto il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata una parte di me, che sobbolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera nel business, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando collocazioni in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all’arte, distante dalle tecniche tradizionali di pittura: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. permetto a “esperimenti casuali”—tanto è lecito da mettere in corto circuito la ragione!—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per la rivelazione e la scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, è la fortuna a porre le domande; coincidende significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che siamo propensi a scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/ possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca di una “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini, o giorni, che non hanno né ragioni d’essere, né fine, né scopo. Sebbene il mio lavoro possa talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come un difetto discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Speriamo che il gioco tra “dettagli per il chiaro” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e “distanza per il tutto”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità e ad esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione di vedere.

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sul quieto gioco tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare dolcemente l’attesa di una narrazione. È un invito a allontanarsi dalla decodifica, e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere.” L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, da strati trasparenti e dal lieve riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul rovescio del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole del controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attendere di ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcune tenui contraddizioni che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del presente
Una leggera nostalgia permane nell’opera, pur essendo curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreductible” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra logicamente inevitabile.
In questa ottica, ho sentito che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Nel cuore vi è una ricerca del "le vif"—il nucleo vivo. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso choisico è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In fin dei conti, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola cerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner