Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#332 - S - " Enough 1 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglass di 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-strato" il cui aspetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: 8,7" x 12,6" x 0,12" / 22 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Quest'opera è fornita senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (8,0" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità l'accompagna.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri ti affrontano direttamente, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Nel tempo, e anche se mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha attraversato il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, dal Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante il focus sulla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, sottotraccia. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera imprenditoriale, mi sono interamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi completamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando collocazioni in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche di pittura tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. permetto a “esperimenti casuali” - tutto è consentito per interrompere la ragione! - di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con un grande grado di disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le "necessità irrinunciabili", cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente il mio approccio semplice. Né "emozione" né "concepimento teorico" ma esperienza del vivere. Né "consumo rapido" né "intelletualizzazione / possesso intellettuale", ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della "vita al cuore stesso della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetti. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né motivo di esistere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro a volte richiama la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi completamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in grado di far intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un paravento discreto: vive, cambia, vede. L’intreccio di luce, colore e texture, delle parti mancanti incluso, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra "dettagli per il vicino" - un dettaglio di un dipinto è un quadro completamente nuovo - e la "distanza per l’insieme", incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che è possibile ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze e a esplorare oltre ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena cominciata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere."

Sull’aderenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi luccicanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i quieti risultati di un’indagine lunga e meditata. Per me, il vero fulcro è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette che emerga.

Questa pratica si regge su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato da luci mutevoli, strati traslucidi e dal leggero riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa per ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcune delicate contraddizioni che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma esse sono possibili solo dentro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che considero prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una quiete palpabile.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia resta nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irrinunciabili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Sforzo e Sforzo Simbolico
Il processo richiede un’attenzione costante, ma punta a un risultato che sembra autonomo, come se fosse "emerso da solo". Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è dovuta allo spirito dell’Arte Informale, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro vi è una ricerca del "le vif"—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’illamitazione intellettuale. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.
In fin dei conti, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e i miei riflessi non sono fili separati, ma parti di un’unica ricerca. Ho scoperto che una pratica ancorata al quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner